El concierto será ejecutado por la Orquestra Filharmónica Cidade de Pontevedra, dirigida desde su formación por Javier Viceiro-Filgueira. El solista será Sergio Heredia Cegarra, el concertino habitual de la orquesta. Se llevará a cabo en el Auditorio del Conservatorio Profesional de Música Manuel Quiroga, a las 20,30 h.

Información

Conservatorio Profesional de Música Manuel Quiroga
Avda Juan Carlos I, nº 4
36004 – Pontevedra
Tel: 986 843 133
Fax: 986 844 159
E-mail: cmus.pontevedra@edu.xunta.es
Web: http://www.conservatoriomanuelquiroga.com

Referencias

• Conservatorio Profesional de Música Manuel Quiroga
• Reseña concierto
• I Concurso de Composición Manuel Quiroga
• Web oficial de Saúl Chapela
• Orquestra Filharmónica Cidade de Pontevedra

Los cuatro solistas entraron a formar parte del Ensemble Intercontemporain de París debido a su reconocido talento, un talento que, sin duda, manifestarán en la interpretación del programa del concierto, en el que el famoso Cuartet pour la fin du temps, del compositor de origen francés Olivier Messiaen sentará la base para otras dos piezas de destacados compositores: Cuarteto de Agrippa, de Antón García Abril, nacido en España en 1933, cuya obra realiza un homenaje a Goffredo Petrassi, compositor y pedagogo italiano del siglo XX, y Contrastes, Sz. 111, de Béla Bártok, considerado el más importante compositor de origen húngaro de música del pasado siglo.

PROGRAMA

Cuarteto de Agrippa (1994)/ Antón García Abril (1933)
Contrastes, Sz. 111, B. 116 (1938) / Béla Bártok (1881-1945)
Cuartet pour la fin du temps (1940/41) / Olivier Messiaen  (1908-1992)

Información

Auditorio Nacional de Música. Sala Cámara
C/ Príncipe de Vergara, 146
28002, Madrid
Tels: 91 337 01 40 / 91 337 01 39
Fax: 91 337 03 00
E-mail: auditorio.nacional@inaem.mcu.es
Web: www.auditorionacional.mcu.es

Referencias

Web INAEM

Los conciertos tendrán lugar los próxi- mos días 2, 15 y 22 de septiembre en el Auditorio de Rafelbunyol (Valencia) y estarán acompañados de todo tipo de medios audiovisuales y nuevas tecnologías para ayudar a dar forma a la original puesta en escena de las distintas obras programadas.

El concierto inaugural tendrá lugar el día 2 a las 20 h. y estará a cargo de Ensemble d’Arts, que interpretará obras de Kaija Saariaho, Voro Garcia, Luciano Berio y Pierre Jodlowski. A través del uso de distintos dispositivos multimedia y recursos teatrales, su elaborada puesta en escena trata de ir un paso más allá del aspecto sonoro ofreciendo un proyecto integral que utiliza la percepción visual como parte importante de la composición musical.

A las 20 h. del día 15, Ensemble Sinkro presentará obras de Toru Takemitsu, Simon Steen-Andersen, Ignacio Monterrubio y David Delgado. Este grupo forma parte del colectivo con base en Euskadi Espacio Sinkro, que basa sus actividades tanto en la puesta en marcha de proyectos musicales innovadores como en la formación en el área de la creación musical con herramientas electrónicas. El Ensemble se centra en la actividad concertística de sus componentes, siempre buscando la incorporación de nuevos artistas procedentes de otras disciplinas que colaboren en la puesta en escena de cada concierto, combinando elementos sonoros y visuales en la búsqueda de la interacción con el público.

A la misma hora, el día 22 tendrá lugar el concierto de la violinista japonesa Atsuko Neriishi, quien interpretará obras de Leonardo Balada, David del Puerto, Salvador Brotons, Tomás Marco, Juan de Dios García, César Camarero y Jesús Torres. Neriishi, se formó en la escuela de música Toho Gakuen de Japón, para a continuación cursar estudios en el Royal Conservatory de Bruselas y en la Internacional Menuhin Music Academy de Suiza. Con una gran proyección internacional, ha ganado numerosos premios en Tokio, y ha participado como solista y camerista en importantes festivales como el Festival de Mozart de Salzburgo (Austria), el Festival Lysy en Carilo (Argentina), o el Festival Pau Casals (España), entre otros. Antes de formar parte de la Orquesta Ciudad de Granada, su ocupación actual, fue Concertino en la Orquesta do Norte (Portugal).

¿Lo mejor? El precio de las entradas: tan sólo por 5 EUR se podrán adquirir en las taquillas del Auditorio una hora antes de cada concierto. No hay excusa para perdérselos.

Información
Auditorio Municipal de Rafelbunyol
Ajuntament de Rafelbunyol
46138 – Valencia
Tel: 96 141 01 11
Fax: 96 141 06 67

Referencias

• Web Ensemble d’Arts
• Web Ensemble Sinkro

El miércoles 21 será el día dedicado por el festival a la música de los siglos XX y XXI. A las 20,30 h., en la Iglesia de San Francisco, podrán escucharse obras de S. Dodgson, S. Hough, G. Ligeti y G. Gershwin, además de dos piezas de los compositores invitados: Génesis para cello y piano, de Raquel Rodríguez, y el estreno absoluto de Luz de campanas, de Sergio Blardony, escrita para violín, cello y piano.

La dirección ejecutiva del festival está a cargo de la violinista Beatriz Jaurena Murillo contando con Alberto Gorrochategui como director artístico.

Información

ClassFestival Laredo
Tel: 670 41 94 25
E-mail: info@classfestival.com
Web: http://www.classfestival.com

Referencias

• Programa en PDF [enlace externo]
• Web del Trío Gombau
• Web del guitarrista Roberto Moronn

El planteamiento adoptado en esta ocasión por los integrantes de Neopercusión es el de ofrecer tres conciertos con un programa distinto en cada caso pero que vienen integrados dentro de una visión más global de lo que la música puede llegar a ser. Exploran para ello todas las posibilidades del ritmo y lo mezclan con otros lenguajes sonoros propios del siglo XXI. Es por tanto un todo fraccionado en tres magníficas actuaciones que van a  ejemplificar la maestría de los intérpretes de Neopercusión: Juanjo Guillem, Rafa Gálvez, Joan Castelló,  Pilar Fontalba, Antonio Picó y Rosa Tornel. Invitando al espectador a un viaje por el tiempo y espacio donde todo puede ocurrir. Hay que tener en cuenta además que  para esta ocasión, Neopercusión va a recurrir a la experiencia y buen hacer de otros músicos, especialistas en distintos lenguajes sonoros  también de talla internacional que conformarán un espectáculo ecléctico lleno de sensaciones nuevas.

El primer concierto (KONEKT@rte1) lo han titulado “Músicas Habladas” (Rap actual) y cuentan con la colaboración de Roy Mercurio como maestro de ceremonias, el Dj Tony Karate y el violinista Mario Pérez. El segundo concierto (KONEKT@rte 2) se desarrolla bajo el epígrafe de “Músicas Exóticas” y en se va a interpretar la obra de Mauricio Kagel también denominada Exótica, con dirección de escena de Pablo Ramos. En la última de estas propuestas (KONEKT@rte 3) denominada “Músicas Posibles”, participarán el instrumetista múltiple Andreas Prittwitz, el bajista Lázaro Sosa y el batería Hidevis Cabrera.

Todos los conciertos se van a desarrollar a las 22 h. y la adquisición de entradas puede llevarse a cabo tanto en la página web del teatro como en las taquillas, una hora antes de la representación. Hay precios reducidos para aquellas personas que asistan a más de un concierto.

Información

Teatre Micalet
Mestre Palau, 3, València
Calle del Doctor Fourquet, 5, 28012 Madrid.
Tel:  +34  963 92 14 82
E-mail: comunicacio@teatremicalet.org
Web: www.teatremicalet.org

Referencias

• Festival Konekt@rte
• Web de Neopercusión

Podríamos cambiar el verbo pintar por componer, según nos interese, o, sencillamente, por el verbo crear. Así es, los artistas de hoy deben crear “como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación”. Sería posible discutir aquí la pertinencia de hablar precisamente de “generación”, o polemizar sobre cuál es el lenguaje, técnica o procedimiento que exigen los tiempos actuales, si es que hay solo uno.

Respecto a lo primero y más allá de los grupos que se reúnen en torno a manifiestos estéticos o exposiciones asertivas de cualquier índole –cosa que últimamente ha ocurrido quizás con la denominada musique saturée de Raphaël Cendo y Franck Bedrossian-, no creo que exista hoy día la posibilidad de hablar de una generación de compositores –si nos limitamos a hablar de la creación musical contemporánea- que puedan reunirse bajo el abrigo estético de una generación. Quizás nos falte perspectiva histórica para ello.

No nos falta amplitud de ángulo, antes al contrario, para asegurar, respecto a qué exigen los “tiempos que corren”, que no existe una única técnica –algo obvio por otra parte- que responda a esta demanda de lo contemporáneo. Salta a la vista que la multitud, la heterogeneidad y la diversidad –y añadan a estos términos todos los sinónimos que deseen- de procedimientos, técnicas y lenguajes –sí, afirmo que la música es un lenguaje en tanto que objeto emisor y transmisor de conocimiento- que el compositor o compositora puede emplear hoy día son cuando menos mucho más acentuadas que en tiempos anteriores. Pero no nos engañemos, el creador de hoy tiene ante sí un mar abierto: puede adentrarse hacia lo profundo sin miedo a alejarse de la orilla, puede nadar más cerca de tierra, con la silla del socorrista a la vista o, sencillamente, contemplar cómo llegan las olas, una detrás de otra.

Teniendo esto en cuenta y en colaboración con el Krater Ensemble, hemos planteado una breve aunque interesante entrevista para presentar Dos/Bi, A contemporary music inmersion, el nuevo proyecto de este grupo de músicos y artistas con base en Donosti-San Sebastián.

Como musicólogo podría decir que el discurso de un compositor acerca de su propio contexto creativo y de su obra es de una importancia fundamental –aunque siempre relativa- para la comprensión –si esto es posible- de su propuesta sonora. Sin embargo y más allá de fórmulas consabidas y afirmaciones que poco importan lejos del gremio de mi disciplina –cuyos límites, eso sí, están cada vez más diluidos-, es sugestiva la opinión que estos dos compositores de hoy tienen sobre algunas de las cuestiones que atañen precisamente a la posición del creador en la actualidad. Formación, tradición, lenguaje, arte e interdisciplinariedad son algunos de los conceptos a los que se alude en esta minientrevista realizada no por casualidad a Iñaki Estrada y Aurélio Edler-Copes, puesto que ellos son los autores de los estrenos absolutos que protagonizarán parte de los dos conciertos que Krater Ensemble plantea en esta inmersión: Bikota, para oboe y clarinete, e Infinite Walls, para violín y electrónica, respectivamente.

Una entrevista que tendrá sin duda su continuación en los foros de discusión que se abrirán tras sendos conciertos, en la misma Sala Club – Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián los próximos días 17 y 19 de junio, en ambos casos a las 20 h. Aquí los artistas no tendrán salida, podremos discutir con ellos y, lo puedo asegurar, tendrán que hablar.

Pedro Ordóñez: Iñaki y Aurelio, habéis vivido en varias ciudades. Roma, París, San Sebastián. Más allá de la formación: ¿qué creéis que os ha dejado cada una de ellas?

Aurélio Edler-Copes: La experiencia vital, las amistades, la posibilidad de conocer otras formas de vivir y de aprehender la realidad.

Iñaki Estrada: Las ciudades: te dejan la gente y la experiencia, el idioma, los afectos… es complejo. De Donosti tengo el arraigo, la tradición, dos idiomas… De París la experiencia, el hacer una mano a la música, los conciertos, la diversidad, ciertas amistades ¡y muchísima lluvia! también tengo el triste sentimiento de que lo que creí en su día diverso se está convirtiendo de a poco en un monopolio del IRCAM-Inter[Contemporain]. De Roma tengo la libertad, el aire y un cielo claro. Musicalmente no pasó nada, es una ciudad artísticamente echada muy p’atrás, una pena. Pero la experiencia con otros becarios, mis andanzas con la fotografía, la arquitectura… eso es algo que llevas siempre, aquello de la interdisciplinaridad (¡si es que aún sigue existiendo el palabro!).

Ah, de Londres: nada de nada, menudo chascazo el Royal College….

P.O.: ¿Pensáis que vuestra última obra es siempre la mejor?

A.E-C.: No necesariamente. Normalmente se dice que “la próxima será la mejor”. Tampoco lo creo. Pero la verdad es que me gustan mucho las que están todavía en la cabeza, en el mundo de las ideas, al mismo tiempo que me encanta que las ya escritas tengan vida y crezcan en las manos de los intérpretes.

I.E.: La última pieza no es la mejor o peor, pero es la que más denota las circunstancias del momento: intereses, fijaciones, descubrimientos propios o ajenos… Puede no ser la mejor, depende de dónde se sitúe en relación al proceso creativo que, normalmente, se desarrolla en más de una pieza. Mi trío Tangencias no es para nada mi mejor pieza pero sin ella no estaría ni de lejos donde estoy. Me hizo ver muchísimas cosas y avanzar o retroceder en ciertos lugares.

P.O.: Guardáis todo el material previo a la creación: borradores, bocetos, textos propios… ¿por qué?

A.E-C.: Todo no, pero bastante. Por una serie de razones… Quizás la partitura final sea tan sólo la “punta del iceberg”… Me gusta tener el registro del camino y de la investigación realizada en cada pieza.

I.E.: Y sí, lo guardo ¡todo, todo, todo!

P.O.: Sois conscientes de que utilizáis un lenguaje compositivo difícil de aprehender para la mayoría del público. ¿Creéis que es necesario conocer todo lo que rodea a una obra (técnica, aparato y justificaciones conceptuales, cualidades instrumentales…) para apreciarla o que es preciso dejar también lugar a lo instintivo

A.E-C.: No creo que sea difícil o, en todos casos, demasiado difícil de aprehenderlo. Tampoco me parece que haya que conocer todo lo que rodea a una obra para apreciarla. Cuando una obra nos arrebata, a un nivel profundo, no lo podemos explicar o justificar solamente a través de la razón.

I.E.: Lenguaje difícil… En primer lugar deberíamos aclarar si la música es un lenguaje, para mi nada de nada, no es siquiera discutible así que de ahí en adelante me baso n la interpretación de la pregunta: ¿que si lo que hacemos es incomprensible o difícil de entender? ¿Qué nos hace suponer que una persona aficionada a la música “entiende” una sonata de Mozart? Para mí una obra no se justifica por un texto, eso ha sido y es siempre aberrante. Puede entenderse mejor, pero los manifiestos siempre han sido un asunto más publicitario que otra cosa. Aclaras qué quieres hacer, por qué, y lo haces. Pero si el manifiesto se convierte en un manual de instrucciones es que tu música no sirve por sí misma… Tampoco me preocupa un público que en lugar de conocer busca reconocer. No es simplemente que no “entiendan” la música, tampoco lo hacen con el arte en general. La verdad es que no escribo más que para mí, así son las cosas. Tengo mis opiniones y mis afinidades. No me importa reconocer una buena partitura aunque deteste la estética. Y ahí está el error, asociar las filiaciones a la calidad.

P.O.: ¿Qué visión tenéis del pasado? ¿Cómo afrontáis la tradición académica y cómo os situáis en ella?

A.E-C.: El interés que pueda tener en episodios del pasado es algo que tiene más que ver con una curiosidad puntual que con la necesidad de seguir o dar continuidad a una serie de acontecimientos históricos. No obstante y por supuesto, mi trabajo es parte de una tradición musical –a la que debo mucho- y espero que pueda contribuir, a su manera, a enriquecerla y a llevarla aún más lejos.

I.E.: Estudié con José Luís Campana, alumno de Jacobo Ficher, a su vez alumno de Korsakov. Para mí la tradición es la base de la música. Todo es o se convierte en tradición. Lo que no lo hace simplemente no permanece largo tiempo, así de simple. Me sitúo como una línea más en el tiempo, un tiempo diferente, eso sí, pero básicamente con las mismas reglas. El contrapunto sigue vigente, la armonía… lo que cambia es la forma en que esos conceptos se interpretan tal y como ocurrió, por ejemplo, entre modalidad y tonalidad…

P.O.: ¿Estáis de acuerdo conmigo en que la voz sea quizás el instrumento que más cambios ha sufrido en el siglo XX-XI?

A.E-C.: Prácticamente todos los instrumentos de la cultura occidental han sido objeto de experimentaciones e investigaciones en el último siglo y la técnica instrumental, e incluso la lutería, en algunos casos ha avanzado considerablemente. No creo que la voz sea el que más haya cambiado, pero uno de los que más, eso seguramente.

I.E.: En cuanto a la voz: para nada! Escucha la voz en la ópera de Héctor Parra, ¿te parece un cambio tremendo respecto a cómo la usa Ravel en sus poemas de Mallarmé? La voz, más bien los cantantes, presenta una resistencia, que no un arraigo, tremenda. Claro que existen ejemplos puntuales pero, por poner un ejemplo absurdo: ¿dónde está el tratado de técnicas extendidas de la voz? Tienes el libro de Michael Edward y poco más. La voz en general, será cosa entre los cantantes y los compositores, no ha evolucionado a la altura de los demás instrumentos, a mi modo de ver. Claro que tenemos partituras como Thema, Stimmung… además de las del querido maestro de Aurelio Edler-Copes [Georges Aperghis], pero de ahí a que sea algo común, pues me parece que no… Habrá sufrido más cambios, pero es que no había sufrido cambio alguno… visto así?!?!?

P.O.: ¿Creéis que posible una “traducción” entre disciplinas? ¿Es posible relacionar arte, música y poesía más allá de sus limitaciones materiales hacia una convergencia interdisciplinar real? ¿Cómo es vuestra experiencia con artistas de otras disciplinas?

A.E-C.: “Traducción” quizás sea una palabra demasiado fuerte… “Diálogo” tal vez fuese más realista ya que no creo que se pueda, por ejemplo, “traducir” –en un sentido estricto- un cuadro o una poesía en música. No obstante creo que se pueden establecer paralelos o asociaciones entre diferentes disciplinas que permitan llegar a puntos de convergencia enriquecedores e interesantes artísticamente.

I.E.: La interdisciplinaridad, si es que el palabro existe, es posible, cómo no serlo. Todas las artes tienen puntos comunes y otros exclusivos. Crear puentes entre lo comunes así como servirse de los exclusivos no es para nada imposible. El asunto es, como siempre, equilibrar unos con otros. Yo he tenido experiencias con museos, con pintura, instalaciones… y lo que me llevo, más que el trabajo sonoro en si es la forma en que entiendo y entiende la otra parte el mismo trabajo o concepto, eso es lo que me enriquece. Eso mismo me ocurre con los instrumentistas, es otra disciplina al interior de la música….

Se me acaba la batería y ¡¡¡no tengo cargador!!! ¿Seguimos la discusión, o monodiscusión, en Donosti?

NOTAS

[1] Rafael Agredano, Texto fundacional de la Revista Figura, activa en Sevilla entre 1983 y 1986, citado en José Antonio Chacón, La Ruta del Arte Contemporáneo en Andalucía, Sevilla, Fundación José Manuel Lara, 2004, p. 115.

Información

Sala Club – Teatro Victoria Eugenia
República Argentina, 2
20004 – Donostia-San Sebastián
Tel: 943 481160
Fax: 943 481969
E-mail: victoria_eugenia@donostia.org
Web: http://www.victoriaeugenia.com

Referencias

• Web de Krater Ensemble
• Web de Aurélio Edler-Copes
• Blog de Iñaki Estrada

El viernes 10 de mayo, a las 19,30 h. en la Sala Polivalent de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona contaremos con un nuevo concierto dentro de este ciclo. El concierto/instalación se presenta  bajo el título: Música y paisajes sonoros del río Baker, Chile de Graciela Muñoz y Cristian López.  El proyecto se inició en Noviembre de 2011 con una expedición etnográfica al río Baker, XI Región de Aysén, Patagonia Chilena. La Obra Mixta, es un espacio-temporal que por una parte, aloja e instala los paisajes sonoros del Río Baker y por otra, acoge la intervención de tres fragmentos instrumentales unidos consecutivamente: de la noche… al amanecer… al frágil torrentoso. Los mismos compositores también serán parte de los intérpretes: Graciela Muñoz al violín eléctrico y viola, Cristian López al piano y accesorios, y por último Sebastián Tapia, que será el encargado de  guitarra eléctrica y aerófonos.

El concierto cuenta con la colaboración del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya, del Ayuntamiento de Barcelona, de la SGAE y de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. La entrada al concierto será gratuita.

Información

Sala Polivalent- Universitat Pompeu Fabra (UPF)
Campus de la Comunicación (Poblenou)
C/ Roc Boronat 138
08018 Barcelona
Tel: 935422194
Web: http://phonos.upf.edu

Referencias

• Ficha del concierto en PHONOS

PROGRAMA

Christian Lauba / Hard (1988)
Nigel Westlake / Omphalo Centric Lecture (1984)
Pepe Evangelista / Déjà Vu* (2013)
Pepe Evangelista / Ralac* (2013)
Terry Riley / In C (1964)

*Estreno absoluto

Información

Museo Interactivo de la Historia de Lugo
Calle del Río Narla, 20
27003 – Lugo

Referencias

• Más información en la web de OFG
• Página en Facebook sobre Ciclo

El ciclo se abrió el 2 de abril con la actuación del Cuarteto Stadler, nacido en el año 1992 en el Mozarteum de Salzburgo. Con un repertorio de alrededor de 150 obras, algunas de ellas compuestas especialmente para la agrupación, el Cuarteto Stadler, galardonado con el “Preis für Neue Hören”, otorgado por la Academia Internacional de Verano del Mozarteum, juega un papel importante en el diálogo entre la tradición y la innovación, lo viejo y lo nuevo, con un repertorio que abarca desde el clasicismo vienés de Mozart, Schubert y Beethoven a las obras más innovadoras como el Cuarteto de los Helicópteros, de Karlheinz Stockhausen o Grido, tercer cuarteto de Helmut Lachenmann, cuya interpretación los asistentes al concierto tuvieron el placer de presenciar en el programa de la agrupación, formado por obras de F. Cerha, H. Lachenmann y T. Hosokawa y que tuvo lugar en la Real Fundación de Toledo.

Ya en el campus de la Escuela de Arquitectur de la UCLM, el 7 de mayo a las 20,30 h., tras un salto de un mes en el que estaba programado el concierto del Trío Drei Zu Null para el 11 de abril y que, lamentablemente, tuvo que ser anulado, y dentro de la semana de la Muestra de Arquitectura Española en Toledo (MAET), el compositor austríaco Peter Ablinger nos ofrecerá una conferencia y la representación de varias partes de su trabajo Weiss-Weisslich, cuya interpretación recaerá en manos del percusionista Adam Weisman, ganador del tercer premio en el Concurso de Música ARD de Munich en 1991 y del segundo premio en el Concurso Internacional de Música de Ginebra y, actualmente, batería del grupo de rock The Diatribes.
Peter Ablinger, nacido en Austria en 1959, es pianista y compositor y en 1988 fundó la agrupación Zwischentöne. Su repertorio se compone de música de cámara que compuso hasta 1994 y de obras electroacústicas, como el ciclo en el que ha venido trabajando desde 1980 bajo el título Weiss-Weisslich (blanco-blanquecino), un trabajo basado en diferentes aspectos del ruido blanco y que, a día de hoy, consta de 36 partes. En el concierto del 7 de mayo, Ablinger dirigirá la número 17c, para pequeño tambor y generador de ruido blanco; la número 18, grabación de diferentes árboles situados en distintas localizaciones; la número 20, para uno o más platos de percusión; y por último, la 31e, concierto con ocho campanas de cristal.

El jueves 9 de mayo a las 20,30 h., coincidiendo con la apertura de la III Muestra de Arquitectura Española en Toledo que la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Castilla-La Mancha organiza cada año y que tendrá lugar los días 9 y 10 de mayo, una de las pianistas más prestigiosas y originales de la actualidad, Yukiko Sugawara, nacida en Sopporo (Japón), interpretará en el tercer concierto del ciclo, obras de los compositores H. Lachenmann, N. A. Huber, M. Sotelo y C. Bermejo.

La clausura del ciclo tendrá lugar el viernes 10 de mayo, último día de la III Muestra de Arquitectura Española en Toledo, a las 13,30 h. El concierto lo protagonizará el dúo para violín y piano Herrador-Lechner, que interpretará obras del estonio Arvo Pärt y el francés Francis Poulenc.

En definitiva, el presente ciclo promete ser una apuesta fuerte por el riesgo que proponen las obras de compositores como Ablinger, Lachenmann o Huber, abogando por la música contemporánea y actual que convive con la presencia de los grandes clásicos como Mozart y Schubert, cuyas obras formaban parte del programa del concierto anulado de Drei Zu Null.

Han colaborado en la organización del ciclo “Música en Toledo. Encuentros 2013” la Escuela de Arquitectura de Toledo, la Real Fundación de Toledo, el Foro Cultural de Austria en España y el Goethe Institute, bajo la dirección artística del compositor español Carlos Bermejo.

PROGRAMA

Cuarteto Stadler
Cuarteto de cuerda número 4 / Friedrich Cerha
Cuarteto de cuerda número 3, “Grido” / Helmut Lachenmann
Floral Fairy / Toshio Hosokawa

Trío Drei zu Null (anulado)
Trío para violín, violonchelo y piano en Si bemol mayor, KV 502 / Wolfgang Amadeus Mozart
Lied, para violín y piano / Beat Furrer
Trío (Nocturno) para violín, violonchelo y piano en Mi bemol mayor, D.897 / Franz Schubert

Adan Weisman
Conferencia y las piezas 17c, 18, 20 y 31e del ciclo Weiss-Weisslich de Peter Ablinger.

Yukiko Sugawara
Ein Kinderspiel. Sieben Stücke für Klavier / Helmut Lachenmann
Darabukka / Nikolaus A.Huber
Su un océano de Scampanellii / Mauricio Sotelo
Koe / Carlos Bermejo

Dúo para violín y piano Herrador-Lechner
Fratres / Arvo Pärt
Mouvements Perpétuels (arr. Jasha Heifetz) / Francisc Poulenc

Información

Real Fundación de Toledo
Plaza de Victorio Macho, 2
45002 Toledo
Tel: 925 28 42 25
Web: www.realfundaciontoledo.es

Escuela de Arquitectura de la Universidad de Castilla-La Mancha
Campus Tecnológico de la Fábrica de Armas Edificio 21
Av/ Carlos III s/n
Toledo
Tel: 925 26 88 00
E-mail: arquitectura.to@uclm.es
Web: www.uclm.es/to/arquitectura/

Referencias

• Web UCLM
• Web del Cuarteto Stadler
• Web del Adam Weisman
• Web de Peter Ablinger

El poema radiofónico Three Women de Sylvia Plath (1932-1963) inspira al compositor que nos propone un viaje al universo poético de la escritora a través de una composición musical y electrónica estrechamente relacionada con los procesos mecánicos de grabación, transformación y reproducción del sonido. La obra resultante, Women in process, es una evidencia de la radicalidad conceptual que ha conducido el trabajo de su compositor en estos últimos años.

La interpretación a cargo de la Compagnie Chants Parallèles –Aurélio Edler-Copes (electrónica), Valérie Philippin (soprano), Estelle Harbulot (violín), Megumi Tabuchi (clarinete bajo), Eloïse Labaume (arpa)- quien presentará la obra en versión concierto en la Sala Polivalent de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, la cual colabora junto al Grupo de Investigación en Tecnología Musical en el proyecto de la Fundación Phonos. La cita es el martes 30 de abril de 2013 a las 19,30 h., y la entrada es gratuita.

PROGRAMA

WOMEN IN PROCESS / Aurélio Edler-Copes (1976)

Información

Sala Polivalent – Universidad Pompeu Fabra – Campus de la Comunicación – Poblenou
C/ Roc Boronat 138
08018 Barcelona
Tel: 935 422 194
Fax: 935 422 002
Web: http://phonos.upf.edu

Referencias

• Información del concierto en web de Phonos
• Programa de mano en web de Phonos
• Página oficial de Aurélio Edler-Copes