En tres sedes simultáneas (Madrid, Zaragoza y Cali) se llevarán a cabo conferencias, mesas redondas y talleres abiertos al público que abarcarán la historia primitiva y actual del fenómeno del radio teatro, además, previa inscripción, los oyentes tendrán la oportunidad de asistir a la escenificación de varias obras de radio teatro en vivo. Representación de audioramas cara al público, con narración, cuadro de actores, efectos especiales y música incorporada en directo

La sede de Madrid, que tendrá acogida en CentroCentro Cibeles, reunirá un gran elenco de profesionales relacionados con este ámbito, que abordarán las áreas definidas bajo los títulos El género y el caso, Silencio: se siente y Trabajo Sin Fronteras. Este último título, haciendo a alusión a una de las temáticas que se ocuparán un lugar relevante en el congreso: la colaboración y la dimensión internacional del evento en colaboración con Sudamérica, y cuyo epicentro será la ciudad sudamericana de Cali (Colombia).

El congreso de Madrid contará con el apoyo de: RNE, Ayuntamiento de Madrid, CentroCentro Cibeles,  AECID, Centro Dramático Nacional, Facultad de Ciencias de la Información, Universidad Complutense de Madrid, Asociación de Radios Universitarias de España (ARU), Festival Internacional de Poesía de Granada y el Festival de Teatro en la Calle de Oropesa entre otros.

Los precios irán desde acreditaciones de 10 EUR para una jornada, hasta 20 EUR para las tres, y la sesiones estarán enfocadas de tal forma que tanto estudiantes, como aficionados, como profesionales… Puedan participar de forma activa en los eventos y actividades.

Información

CentroCentro Cibeles
Plaza de Cibeles, 1
28014 – Madrid
Tel: 91 480 00 08
E-mail: centrocentro@centro.org
Web: www.centro.org

Referencias

• Programa de mano
• Web del congreso
• Inscripciones

“La geometría y el temblor” propone el diálogo entre disciplinas, tomando como punto de partida una idea vertebradora: la creación de una geometría y su puesta en movimiento. A partir de esta premisa se desarrollan dos obras musicales y una videocreación.

La primera pieza, Entre el murmullo y el vuelo, escrita por Sergio Blardony a partir del poemario Ordet (Amargord, 2012) de Pilar Martín Gila, para actriz, saxofones soprano y bajo y electrónica, traza su discurso mediante una serie de estratos desencadenados por la recitación y la electrónica, una urdimbre de voces del pasado presentada en diálogos imposibles. En un plano distinto y observante, el saxofón solista, a través del ruido, el silencio o el aire, busca conexiones entre ellos.

La segunda obra, Lo que empieza a ser contorno de Edith Alonso sobre el libro de poemas La habitación amarilla (Barthleby, 2012) de Juan Carlos Suñén, está concebida para actriz, saxofón bajo e intérprete electroacústico en escena, y alterna partes escritas con improvisadas, siguiendo una interpretación libre del discurrir del texto poético. Las partes improvisadas exploran un mundo que palpita en los umbrales del presente, en la renovación continua del instante.

Como tránsito entre estas dos obras, aparece la videocreación Tracto, pieza de Marta Azparren –la cual realiza también la puesta en escena- con música de Sergio Blardony, en la cual se explora el interior de un saxofón bajo, como si de un organismo comunicante se tratara, mediante una endoscopia. Un vídeo que fue Mención Especial del Jurado en el pasado MADATAC 04, y que se ha exhibido en diferentes festivales como Art Beijing 2013 (Pekin), Kassel Dokfest (Kassel), el IVAHM (International Video Art House Madrid 2012), o el EXiS Experimental Film and Video Festival Seoul (Corea del Sur).

Un excelente plantel de intérpretes

Además de los compositores y autores de los textos, el equipo está formado por artistas de reconocido prestigio como el saxofonista Andrés Gomis, el improvisador electroacústico y compositor Antony Maubert, y la actriz Prado Pinilla. Sergio G. Domínguez es el responsable de la iluminación y a cargo de la difusión sonora estará Marcos Ortega.

El evento en Matadero está realizado en colaboración con el XX Festival Punto de Encuentro AMEE y, en CentroCentro, cuenta con una Ayuda para Iniciativas Culturales de la ONCE en su edición 2013.

“La geometría y el temblor” fue montada en 2012 en el Centro de Poesía “José Hierro”, donde se hizo un pase privado, y su estreno oficial tuvo lugar este pasado julio en El Escorial, dentro del Ciclo Clásicos en Verano que organiza la Comunidad de Madrid.

Información

Función 10 octubre, 18,30 h.
Sound-In, Feria Estampa 2013
Central de Diseño de Matadero Madrid
Plaza de Legazpi, 8
28045 Madrid
E-mail: sound-in@estampa.org / info@mataderomadrid.org
Web: http://www.mataderomadrid.org

Función 17 octubre, 20 h.
Ciclo Favorables
CentroCentro
Plaza de Cibeles, 1
28014 Madrid
Información general: 91 480 00 08
E-mail: info@centrocentro.org
Web: http://www.centrocentro.org

Referencias

• Web de Sound-In (Feria Estampa)
• Información y dossier sobre “La geometría y el temblor”
• Página en Facebook

En esta entrevista con el ensemble hablaremos de este aspecto pedagógico y del otro evento de actualidad estos días: el estreno de “Los caminos inciertos” en el XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, el día 29 de septiembre a las 19 h., un espectáculo multidisciplinar sobre el que hemos preguntado a sus componentes. Sin olvidar los proyectos futuros del grupo, que pasan por encargos a compositores de relieve internacional.

TDM parece ya un proyecto plenamente consolidado. ¿Cuánto tiempo lleváis con él?

TDM Trío De Magia nace en junio de 2007 cuando coincidimos Ricardo Capellino (saxofones), Sisco Aparici (percusiones) y Carlos Apellániz (piano) en un concierto monográfico del compositor Mauricio Sotelo en la “III Mostra Internacional de Música Contemporánea de Sueca” (Valencia). En este concierto, además del repertorio a solo que Mauricio posse para cada uno de estos instrumentos, interpretamos su obra De Magia que marcó este proyecto…

En este tiempo el grupo ha cambiado algo su composición, ¿quiénes lo formáis en la actualidad?

Desde 2012, TDM Trío De Magia lo formamos, en el plano meramente instrumental, Sisco Aparici, Ricardo Capellino y Lluïsa Espigolé.

Pero también hemos querido profundizar en las posibles combinaciones que esta formación ofrece, por lo que contamos, con bastante regularidad ya en todos nuestros proyectos, en la difusión y control de la electrónica con Vicent Gómez y en el asesoramiento escénico y teatral (dependiendo del proyecto concreto) a cargo de Carles Royo. Pero también hay ya más gente implicada detrás de las siglas TDM como la publicidad, diseño, gestión económica… Como puedes observar la “familia crece”, y nosotros encantados.

Comienza una nueva temporada y TDM lo hace, si no nos equivocamos, el 29 de septiembre en el XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, con el espectáculo “Los caminos inciertos”. Cuéntanos un poco sobre este proyecto.

Este espectáculo es una coproducción de IFIDMA y TDM-Trio De Magia, compuesto con obras de Pierre Jodlowski, Alberto Posadas, Sergio Blardony, Voro García y Roberto López-Corrales.

En éste la idea del viaje, del camino y del caminar –como aspectos recurrentes en el arte de nuestro tiempo-, el tránsito de un punto a otro, los trayectos posibles, las direcciones múltiples, lo incierto del recorrido aventurado que se abre paso donde no hay un cauce establecido… constituye el leitmotiv del espectáculo “Los caminos inciertos”, que efectivamente arranca nuestra temporada 2013-2014 y se presenta articulado en torno a cinco obras de estos autores contemporáneos que exploran, desde perspectivas diferentes y vínculos con la palabra y las artes visuales, ideas relacionadas con la temática del viaje, el tránsito y el caminar.

Será una interesante y arriesgada propuesta en que lo lumínico, lo auditivo, lo gestual, lo sensual (si se quiere) y lo sugestivo marcarán todo este viaje. Pensamos que quién tenga oportunidad de asistir el próximo domingo 29 de Septiembre a las 19 h. a esta propuesta que abre el Festival Internación de Música Contemporánea de Tres Cantos, no puede perdérselo de ninguna de las maneras, sin duda alguna merecerá la pena.

En esta propuesta llama la atención el reto de conjugar la idea de concierto con el componente escénico y multidisciplinar (vídeocreación, la palabra, la presencia de la electrónica espacializada…). ¿Cómo lo habéis concebido? ¿Es un “concierto escenificado” o piensas que está más cerca del teatro musical?

Realmente, si hubiese que catalogar de algún modo, podríamos decir que se trata de un concierto, pero en este caso abrazado por una propuesta de ambientación lumínica, que acompaña sin ilustrar, y un tratamiento del movimiento escénico inspirado en las leyes del teatro. Todo ello convertido finalmente en una propuesta escénica multidisciplinar, donde lo más importante es, que cada una de las disciplinas realice su función común en esta simbiosis artística, con la principal finalidad de acercarla al público, sobre todo al oyente no familiarizado con este tipo de propuestas.

Dos de las obras son encargos anteriores de TDM, pero el resto serán estreno absoluto. Y las estéticas de los compositores, muy variadas. ¿Cómo se combina en un mismo programa obras tan diversas? Desde luego, hay una temática –el viaje- que imaginamos ayuda a vertebrar todo…

Exactamente, como tú dices, es el concepto de viaje es el que vertebra este proyecto. En un viaje siempre confluyen elementos viejos con nuevos, sitios ya conocidos que son redescubiertos y sitios por descubrir que se nos presentan de maneras múltiples. Andamos como hemos aprendido, por nuevos caminos y no sabemos muy bien que nos depara el siguiente paso. Este concepto, junto con el tratamiento de la luz y el movimiento, y sus enlaces con la electroacústica, el vídeo y la palabra poética, se compacta en un conglomerado único y dirigido a los sentidos.

Y después de esta actuación, ¿qué tenéis programado?

Durante este último trimestre de año vamos a estar en diferentes puntos de la geografía española como San Sebastián y Madrid acercando la música actual a diferentes tipos de oyentes con ganas de experimentar nuevas propuestas, pero sobretodo a los estudiantes de música. Después ya nos centraremos de lleno hasta final de año en la VIII Academia Internacional TDM que como bien sabes ha sido de nuevo apoyada por la prestigiosa fundación alemana Ernst Von Siemens.

Una de las señas de identidad de cualquier ensemble es el trabajo con los compositores vivos, y TDM no es en absoluto una excepción, con una política de encargos muy interesante y ambiciosa. En “Los caminos inciertos” todas las obras son producto de encargos vuestros, ¿quiénes serán los próximos?

Ya hemos recibido los primeros esbozos de una nueva obra de Ramón Lazkano para trío de saxofón bajo, percusiones y piano la cual hemos empezado a leer y trabajar, y estamos convencidos que va a ser sorprendente el resultado final. El estreno estará previsto para diciembre, dentro del ciclo de conciertos de la Academia Internacional debido en parte también porque Ramón será uno de los compositores invitados de esta edición, aunque haremos algunas interpretaciones más antes de finalizar el presente año.

Para 2014 tenemos previsto otra encargo del compositor francés, aunque afincado en Berlín, Raphaël Cendo, cuya venida a la Academia Internacional nos servirá como punto de inicio de la propuesta. Como ves, dos líneas compositivas totalmente diferentes, lo cual nos encanta porque nos abre un mundo extraordinario de posibilidades de repertorio que va acumulando en su bagaje TDM.

Hay otras más en las que se han empezado los primeros contactos para el futuro próximo aunque es muy pronto para descubrirlas aún, habrá que esperar. Como ves, las ideas no paran y el “camino”, aunque “incierto”, se irá poco a poco definiendo… [risas]

Otra de las propuestas interesantes de TDM es su Academia Internacional, que cumple este año su 8ª edición. ¿Cuál es el objetivo de este proyecto?

La Academia Internacional TDM surgió para ofrecer a los jóvenes estudiantes un acercamiento integral a la música contemporánea, con un enfoque práctico y teórico en el que se alternasen las clases magistrales de saxofón, piano y percusión con las de composición, conciertos, conferencias, así como también otras actividades paralelas como la Convocatoria Compositores TDM, el panel de lectura, talleres de música electroacústica y de presencia escénica…

Durante tres días la Academia actúa como un espacio de interpretación, reflexión y creación artística, una plataforma de diálogo y de intercambio artístico a nivel internacional, y que ofrece a las jóvenes generaciones de interpretes la posibilidad de acercarse a las creaciones más contemporáneas gracias al trabajo conjunto de interpretes-solistas y compositores.

Entre otros, hemos contado con la presencia de Toshio Hosokawa, Philippe Hurel, José Manuel López López, Héctor Parra, Mauricio Sotelo, Pierre Jodlowski, José Luis Torá, Marcus Weiss, Claude Delangle, Marie-Bernadette Charrier, Christian Dierstein, Isao Nakamura, Jean Geoffroy, Alberto Rosado, David Alonso, Dimitri Vassilakis.

¿Cómo se estructura la Academia?, hemos visto que hay diferentes talleres…

Gira todo en torno básicamente a ocho tipos de actividades y todas ellas interrelacionadas entre sí: clases magistrales instrumentales y de composición, conferencias y presentaciones, un panel de lectura de estudiantes de composición (dentro del 3er Concurso TDM), talleres de música de cámara, música electroacústica, presencia escénica… Y, cómo no, un ciclo de conciertos con alumnos, profesores invitados, solistas…

Como puedes ver, crear los horarios de clases, conciertos, talleres…, para que se pueda asistir al máximo número de actividades es un handicap importante que nos supone cada año bastante tiempo organizativo, pero el resultado final es que son tres días musicales a pleno rendimiento para todos aquellos que cojan puentes festivos para “descansar” [risas otra vez]

Sobretodo de lo que nos sentimos orgullosos es de la experiencia vital (musicalmente hablando) que supone esta interrelación con artistas internacionales y alumnos que aportan y muestran sus ideas, objetivos, propuestas…, y de los diálogos que se establecen con un único fin común, la música actual.

Además de vosotros como grupo residente, habrá invitados importantes, tanto en el campo interpretativo como en el de la composición…

Este año, como te he comentado anteriormente vendrán Raphaël Cendo y Ramón lazkano en composición. En cuanto a las Masters instrumentales los profesores invitados en esta edición son Marie-Barenadette Charrier (saxofón) y Christian Dierstein (percusión) junto con TDM, Sisco Aparici (percusión), Ricardo Capellino (saxofón) y Lluïsa Espigolé (piano). Después Vicent Gómez se encargará del taller de electroacústica y Carles Royo del taller de presencia escénica.

A todo ello hay que sumar que en los conciertos participarán, aparte de TDM, los profesores invitados, los alumnos de la Academia y algunos solistas que invitaremos para la interpretación de algún repertorio concreto que estamos definiendo.

Para terminar, una pregunta que desgraciadamente hacemos de forma ya habitual: ¿cómo véis el panorama actual en relación a la música de nuestro tiempo? ¿Se ve algún “brote verde” después de la tormenta?

La verdad es que este tema es por igual simple y complicado dependiendo del prisma que cada cual adopte, o tenga para ver, querer entender y contestar a la pregunta, por lo que habrán tantas posibles respuestas como diferencia de prioridades tenga, respecto a la música contemporánea, cada uno de los que las conteste….

Somos conscientes de las dificultades sociales y económicas de nuestra sociedad actual, TDM la sufre a diario, como el resto de los mortales. Y somos conscientes de que la música actual a la que nosotros nos dedicamos a diario “en cuerpo y alma” es complicado que llegue a grandes masas que puedan aportar una situación “más desahogada” para crear nuevos proyectos interesantes. Muchos de nuestros mayores siempre reflexionan que la “crisis” ellos la han tenido siempre y en todas las épocas, por lo que  algunos de ellos no tiemblan en cómo “capear” más o menos la situación coyuntural dura que les toca vivir actualmente. Esta reflexión permite ser extrapolada al panorama de la música actual.

La música contemporánea siempre ha estado en otro nivel de consideración del panorama de la música clásica, por muchos motivos muy conocidos por todos y que no entraremos aquí a valorar, pero está claro que a la música de hoy tampoco nunca la han acompañado grandes recintos, temporadas de abono, marketing de grandes solistas…, aunque algunos tengan mayor o menor apoyo, claro está.

Por todo ello, con “brotes verdes”, sin ellos, con mayor apoyo o sin ninguno, con más energía o con más aún…, la idea final y la respuesta, más o menos, a tu pregunta es que creemos en lo que hacemos y lo seguiremos haciendo a pesar de toda dificultad que nos encontremos. Aunque no sea fácil, si algo hemos aprendido del panorama actual es que es momento de reflexión, actuación consciente, de ser creativo y reinventarse para continuar, porque todo esto que hacemos es para todos nosotros, de una u otra forma, vital.

Referencias

• Programa del XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos
• Web del Trío De Magia
• Web del proyecto “Los caminos inciertos”
• Academia Internacional

Esta 13ª edición del Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos (FestTC 2013) se celebrará del 29 de septiembre al 27 de octubre en su sede habitual de la Casa de la Cultura de esta localidad madrileña, contando con la presencia de 45 intérpretes de talla internacional, interpretando a 44 compositores con un total de 48 obras. Continuando con la trayectoria trazada desde el comienzo del festival, la música contemporánea española tendrá una notable presencia en los programas, aunque sin descuidar la presencia de autores de otros países. El festival se presentará oficialmente el 24 de septiembre en la sala Manuel de Falla de la  SGAE, a las 12,30 h.

Una de las novedades del festival serán las charlas-coloquio planteadas al inicio de cada concierto, que tienen como principal objetivo que el público tenga una visión de primera mano sobre las obras que escuchará, a través de un diálogo cercano con los músicos.

Como en otras ediciones, el festival homenajeará a dos compositores que cumplen su 80 aniversario, en este caso dos figuras importantes del panorama musical, Antón García Abril y Leonardo Balada, de los que podremos escuchar varias obras a lo largo del ciclo, incluido algún estreno absoluto.

En la variedad está el gusto

En la concepción de un festival hoy es esencial diseñar una programación variada, algo que no pasa por alto a la organización del FestTC 2013. Los conciertos y espectáculos tienen lugar en dos espacios de la Casa de la Cultura de Tres Cantos. El teatro, que sirve de sede para la apertura y cierre del festival, y el auditorio, donde se celebran las demás propuestas.

Un atractivo espectáculo en el que lo multidisciplinar toma presencia en un entorno escénico que combina vídeo, electroacústica, palabra… se presenta como apertura del festival el día 29 de septiembre a las 19 h., con Los caminos inciertos: cinco miradas escénico-musicales a cargo del Trío De Magia, una propuesta que incluye obras de Pierre Jodlowski, Alberto Posadas, Sergio Blardony, Voro García y Roberto López-Corrales, las tres últimas estrenos absolutos. La puesta en escena corre a cargo de Carles Royo y la difusión electroacústica de Vicent Gómez Pons. El evento contará también con el apoyo técnico del LIEM.

El segundo concierto, titulado Cinco facetas vocales de la música actual, tendrá lugar el 5 de octubre a la misma hora que el anterior, en la que Marta Knörr (mezzo), Aurelio Viribay (piano), acompañados de Arantxa Lavín (flauta) y Eduardo del Río (cello), interpretarán obras de Ricardo Llorca, José Zarate, Joseph Horovitz, Brad Mehldau y un estreno absoluto de David del Puerto.

El 6 de octubre a las 12 h. será la viola de Ashan Pillai y el piano de Juan Carlos Cornelles los que, bajo el programa La viola con tuda su expresividad, nos inviten a escuchar piezas de Conrado del Campo, Benjamin Britten, Antón García Abril, Gavin Bryars, Roberto Gerhard y un estreno absoluto de uno de los homenajeados, Leonardo Balada.

Iñaki Alberdi tomará el relevo el 12 de octubre a las 19 h., con un concierto titulado Repertorio actual para acordeón, en el que se podrá escuchar un programa compuesto por obras de Toshio Hosokawa, José Mª Sánchez-Verdú, Félix Ibarrondo, Sofia Gubaidulina y Jesús Torres, así como un estreno absoluto de Pascal Gaigne.

El joven pero ya experimentado pianista Mario Prisuelos estará el 19 de ocubre a las 19 h., con una propuesta titulada  Dream, que incluye obras de John Cage, Karlheinz Stockhausen, György Ligeti, Teresa Catalán, Antón García Abril, Jesús Navarro y Jesús Rueda.

Un clásico junto a músicas de hoy es el título del programa que interpretará el 20 de octubre a las 12 h. el Ensemble Kuraia bajo la dirección de su titular Andrea Cazzaniga, que nos propone piezas de Arnold Schoenberg, Mª Eugenia Luc, Leonardo Balada y el estreno absoluto de Juan de Dios García Aguilera.

La guitarra tendrá su espacio el 26 de octubre a las 19 h. con el programa Nueva música española para guitarra, protagonizado por el intérprete Adam Levin, que pondrá en el escenario obras de Luis de Pablo, Leonardo Balada, Antón García Abril, Eduardo Morales-Caso y los estrenos absolutos de Mario Carro, Juan Manuel Ruiz y Eduardo Soutullo.

El cierre del festival será el 27 de octubre a las 12 h., como en otras ocasiones a cargo del Grupo Vocal Siglo XXI dirigido por Manuel Dimbwadyo, que interpretará un programa titulado Lo sacro y lo profano, formado por obras de Henryk Górecki, Anton Bruckner, György Deák-Bárdos, Mátyás György Seiber, Osamu Shimizu, Koldo Pastor y Luis de Aramburu, además de un estreno absoluto de Cruz López de Rego.

En definitiva, una de las propuestas que no puede perderse el público madrileño interesado en lo que se cuece en la creación musical contemporánea, dentro y fuera de nuestro país.

Información

Asociación cultural
ARS VOLUPTAS
Casa de Cultura
Ayuntamiento de Tres Cantos
Tres Cantos – Madrid
E-mail: festivaltc@gmail.com

Referencias

• Programa de mano del festTC 2013
• Web del festival

Transforma-t, no es un espectáculo de danza al uso, sino que abarca diferentes disciplinas tales como la acrobacia, el teatro, la música… así como la utilización de recursos audiovisuales y la manipulación de los objetos y las sombras. Toni Mira, propone una reflexión sobre la lucha en el cambiante mundo actual y la necesidad de reinventar nuestra sociedad por medio de una tranformación. Todo ello se verá reflejado metafóricamente en un juego escénico y visual de una duración aproximada de 35 minutos.

La música ha sido compuesta por el autor aragonés Víctor Rebullida, compositor de ya dilatada trayectoria tanto en el ámbito sinfónico y de la música de cámara como en el de la música incidental, poseedor de premios como el Max por la música para Metrópolis, el Premio SGAE o el Reina Sofía.

La entrada es gratuita y los días en los que se podrá disfrutar del evento son: el día 05 a las 21,30 h., el día 6 a las 23 h. y el día 8 a las 00 h., en el espacio E. Hort del Barceloní del municipio de Tárrega.

Información

Fira Tárrega
Espai Hort del Barceloní
Hort del Barceloní, s/n
25300 – Tàrrega
Lleida
Web: http://www.firatarrega.cat

Referencias

• Víctor Rebullida Blogspot
• Biografía de Toni Mira en danza.es
• Cía. Nats Nus

El estreno se enmarca dentro del festival Clásicos en Verano 2013, que organiza la Comunidad de Madrid, y que recorre, durante el verano y del 1 de julio al 31 de agosto, diferentes localidades de esta comunidad autónoma. La presentación del festival tuvo lugar el pasado martes 25 de julio, donde se resumió una programación formada este año por 90 conciertos interpretados por 67 formaciones musicales en entornos históricos de 46 municipios.

Las obras

Estructurado en tres partes, cada una correspondiendo a una obra de diferente autoría, “La geomería y el temblor” mantiene su unidad a partir de la utilización de una escenografía única, que va cumpliendo diferente función de una pieza a otra.

Entre el murmullo y el vuelo, es la obra con la que se abre el espectáculo. Escrita por Sergio Blardony a partir del poemario Ordet (Amargord, 2012) de Pilar Martín Gila, para actriz, saxofones soprano y bajo y electrónica, traza su discurso mediante una serie de estratos desencadenados por la recitación y la electrónica, una urdimbre de voces del pasado presentada en diálogos imposibles. En un plano distinto y observante, el saxofón solista, a través del ruido, el silencio o el aire, busca conexiones entre ellos.

La segunda pieza, Lo que empieza a ser contorno de Edith Alonso sobre el libro de poemas La habitación amarilla (Barthleby, 2012) de Juan Carlos Suñén, está concebida para actriz, saxofón bajo e intérprete electroacústico en escena, y alterna partes escritas con improvisadas, siguiendo una interpretación libre del discurrir del texto poético. Las partes improvisadas exploran un mundo que palpita en los umbrales del presente, en la renovación continua del instante.

A modo de tránsito entre estas dos obras, se encuentra Tracto, una videocreación realizada para el espectáculo por Marta Azparren con música de Sergio Blardony, en la cual se explora el interior de un saxofón bajo, como si de un organismo comunicante se tratara, mediante una endoscopia. Esta pieza de videoarte obtuvo una mención especial del Jurado en el pasado festival Madatac 04, y se ha paseado por otros ciclos como el Art Beijing 2013, Kassel Dokfest o el IVAHM.

Intérpretes de lujo

El equipo artístico se completa con intérpretes de muy reconocido prestigio internacional, como el saxofonista Andrés Gomis, el improvisador electroacústico y compositor francés Antony Maubert, y la actriz Prado Pinilla, con un papel vertebrador y realmente complejo a lo largo del espectáculo.

La artista visual Marta Azpárren será también la encargada de la puesta en escena, con diseño de iluminación de Sergio G. Domínguez y difusión sonora, en cuadrafonía, a cargo de David Juárez.

“La geometría y el temblor” es una producción interdisciplinar de IFIDMA, que fue montada y preestrenada en el Centro de Poesía José Hierro de Getafe, en marzo del pasado año.

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Información

Centro de Arte Matisse
Sala Cristóbal de Morales
C/ San Francisco 18
San Lorenzo de El Escorial
28200 – Madrid
Tel: 91 890 17 87
E-mail: salacm@centrodeartematisse.com
Web: http://www.centrodeartematisse.com/sala.htm

Referencias

• Ficha del espectáculo en la web de Clásicos en Verano 2013
• Programa en PDF de Clásicos en Verano 2013
• Ficha del espectáculo (dossier, etc.) en la web de IFIDMA

Y también la misma sala de los Teatros del Canal será el escenario para la segunda propuesta del ciclo, el 8 de junio a la misma hora: Atlas. Islas de utopía, Ópera-Instalación de José María Sánchez-Verdú para 5 cantantes, 12 instrumentos, auraphon y 3 espacios simultáneos. La dirección musical corre a cargo del mismo compositor al frente de Neue Vocalsolisten Suttgart y el Solistenensemble kaleidoskop, con Andrés Gomis (saxofón) y Pilar Fontalba (oboe), junto al Joachim Haas (auraphon).

El ciclo concluirá con Mi diva sin mí, ópera con música de Pilar Jurado y libreto de Eloy Arenas para soprano y 15 instrumentos, con la primera también como soprano/actriz, el segundo en la dirección escénica, y Titus Engel como director musical. Será esta vez en el Teatro de la Zarzuela los días 27 y 29 de junio a las 20 h.

Información

Musicadhoy – Óperadhoy
Campomanes, 3-3 Izda
28013 madrid
Tel: +34 91 548 73 48
Fax: +34 91 548 33 93
Web: http://www.musicadhoy.com

Referencias

• Blog de Josué Moreno
• Web de José María Sánchez-Verdú
• Web de Pilar Jurado

Es fácil caer en el tópico cuando hay que contar lo que sucede en escena y se escucha la música que interpreta el cuarteto que acompaña a Oliver Py en Miss Knife chante Olivier Py. El cabaret, Kurt Weill, Bertold Bretch, Ute Lemper, lo francés, y el cabaret (uy, esto ya se ha dicho) vienen a la cabeza y a la imaginación. Datos que no dejan de aparecer en la crónicas previas que se publican en los medios. Y son muchos, sobre todo en los centrados a la derecha, que siguen viendo en este tipo de espectáculos el riesgo y el peligro de lo psicalíptico, palabra que oyeron en boca de sus abuelos o abuelas, y que tanto atraen a los homosexuales, a los dandis y a los rijosos que se esconden en sus páginas, los mismos a los que se les presupone profetas del gusto en dichas publicaciones.

Con esta mentalidad pocos prestan atención a esas sonoridades barrocas que se escuchan en el espectáculo. Más de una vez. Así como al jazz. O a la ópera. A Schubert. A una voz, microfonada, es cierto, que sabe cantar y dotar de significado musical a las palabras, buscando los registros en la amplia memoria sonora de alguien que ha dirigido tantas óperas como Olivier Py. Y a una construcción de textos y música que lleva al espectador a la cima desde el que dejarlo caer. De nuevo, es dejarlo caer sobre ese sustrato de melancolía en el que solo es posible reírse de uno mismo, a veces con una carcajada feroz. Pues no está el mundo para alegrías, ni para monerías, aunque sean tan grandes como un gorila. Como el gorila en el que se trasviste la Srta. Knife, disfraz del que se despoja para aparecerse de nuevo. Ella, que al igual que sus espectadores, viven en ese paraíso que es la homosexualidad. Solo Esperanza Roy, que está entre el público, pues ella nunca dejará de ser moderna ni psicalíptica, se atreve a levantar la mano cuando la Srta. Knife pide al auditorio que levanten la mano los heterosexuales que hay en la sala, presuponiendo que serán pocos, que suelen ser pocos los que acuden a este tipo de espectáculo kistch (otro lugar común para definir la soirée). Un auditorio que está lleno de actores, gente del teatro y la cultura, así como de una nutrida representación francófona. De todo ello se ríe la señorita Knife, con toda la elegancia que una señorita bien educada, de mundo y de posibles, sabe hacer. Una señorita sin edad por la que han pasado los años y la vida.

El tiempo pasa rápido escuchando a Miss Knife y a sus acompañantes (a pesar que tardaron unas cuantas canciones en cogerle el sonido a la sala el día del estreno). Prometieron una hora y media y se tiran casi dos en escena. El tiempo pasa dentro y lo sórdido sigue in crescendo en la calle gracias a esa crisis económica que no cesa. Pero la vida, esa costumbre, ese hábito, del que es difícil deshabituarse, sigue sonando. Ese es el sonido sordo que acompaña todas y cada una de las canciones de este espectáculo, más complejo de lo que a simple vista y simple oído parece,  que sucede en el escenario del Teatro de la Abadía traído por el Festival de Otoño a Primavera 2013 de Madrid y que tiene una larga gira asegurada por Europa, pero sobre todo, por Francia. Oh, lá, lá, já, já, ¡JÁ!

Referencias

• Clip promocional de Miss Knife chante Olivier Py (en francés)
• Página de Miss Knife chante Olivier Py del Festival de Otoño a Primavera de Madrid (en español y en inglés)
• Página de Miss Knife chante Olivier Py del Teatro de la Abadía (en español)
• Playlist en YouTube de Les ballades de Miss Knife (en francés)
• Le Py que chante! (en francés)

El caso es que la propuesta ya ha comenzado cuando la gente comienza a entrar y a sentarse buscando en la penumbra su asiento. Es parte del espectáculo. Un hombre solo en el escenario, mayor y con aspecto de profesor universitario, parlotea una definición de permutación aprovechando el ejemplo de los asientos que se ocupan en una sala teatral, de conciertos o en un cine. Hay atrezzo pero se ven las tripas del escenario. La caja oscura está cruzada de delante atrás por unas peceras suspendidas y en línea recta. Y en el centro, un escritorio literalmente abarrotado, tras el que se oculta en la parte posterior, en la distancia y en la penumbra, algo parecido a una línea de montaje que se descubrirá como una pianola que tocará de forma automática cuando el único actor en escena accione una polea. Otros elementos: una mesa de trabajo de un taller, un cuadro de interruptores parecidos al de los dibujos animados, un perchero de almacén de ropa con distintas batas o sobretodos colgando y dividiendo el escenario en dos una raída cortina que deja ver todo a su través, separando nada.

Poca cosa más en escena acompaña al único actor e interprete musical, André Wilms. Será él quien recite, pues de recitativos se trata en un teatro musical como este, los textos de Paul Valéry, Georg Christoph Lichtenberg, Ludwig Wittgenstein y Max Black. Será él el único interprete de la música. Quien toque todos los instrumentos, es decir, haga y mezcle los ruidos de todo el espectáculo. El que pase el arco por todos y cada uno de los instrumentos que se encuentran en escena, desde un radio de una rueda de bicicleta a una larga cuerda colocada para hacer volar cohetes. El que produzca el fuego y se haga cargo de toda la pirotecnia que se ve en escena. Fuego que no hace arder el corazón helado en una fría tarde de invierno.

Un texto incomprensible, por las pocas pistas que se le va dando al espectador, se mezcla con sonidos y ruidos. Algunos de ellos recuerdan en algunos momentos a la música electrónica que cualquier noche de juerga escuchan los más jóvenes. Música que ahora aborrecen sus padres. Música que bien se podría programar en el famoso festival Sónar barcelonés. Y que en un momento del espectáculo es interrumpida por una música romántica o tardoromántica, que aparece y desaparece con la misma brusquedad, después de un prolongado tiempo saliendo de una radio vintage que podría haberse encontrado tanto en las tiendas del barrio hipster de Malasaña como en el Rastro madrileño o en los Encantes barceloneses.

Tal vez, esto fuera moderno en su tiempo. Y será necesario estudiarlo como fenómeno en los estudios de musicología y los músicos profesionales deberán conocerlo. Un hito de una línea de tiempo musical. Ocurrido hace nada, apenas quince años. Pero hoy ya parece un aparato del pasado. Carne de instalación de museo de arte contemporáneo. De los museos historicistas que tanto se promueven, fijados más en las fechas clasificatorias que en la materia que tienen las obras. Esa cosificación academicista que mata o reduce a nada lo poético, lo verdaderamente revolucionario, lo que permite la revisión de lo que pensamos y amamos y, por ende, de nosotros mismos.

Hay alguna deserción antes de tiempo, inexplicable pues el espectáculo es bonito, al menos para el espectador habitual de obras contemporáneas en festivales, y no va contra nadie. Tampoco lo justifica su duración, una hora y cuarto perfectamente aguantable. Como tampoco es justificable la insistencia en aplaudir y algún que otro bravo entusiasta de la sala al final de la obra, cuando la gran mayoría del público, por no decir la totalidad no se enteró de cuándo había acabado. Como corresponde a algo que no tiene principio y, por tanto, tampoco final.

El espectáculo es lo que es. Dejará en la memoria esos bonitos aros de humo que más o menos en la mitad del espectáculo el actor-interprete saca de una caja mientras los cuenta y suena un pulso. ¿Dónde se quedó la sencilla poesía que tiene esta parte del montaje y que tenía toda la obra según las crónicas de la época en que se estrenó en Madrid? Quién lo sabe, la habrá raptado el tiempo. El tiempo implacable que todo lo envejece o lo empolva, esperando que alguien lo reinterprete y le devuelva el brillo que, quizás, alguna vez tuvo.

Enlaces relacionados

• Página de Max Black en el Festival de Otoño a Primavera de Madrid 2013 (en español e inglés)
• Vídeo de Max Black (en francés con subtítulos en inglés)
• Web oficial de Heiner Goebbels (en inglés)

Es el caso de esta tercera edición del Festival SOXXI, que dará comienzo el 16 de febrero, y que –según señalan sus organizadores- se plantea como “un proyecto para la difusión de la Cultura y las Artes Contemporáneas que a través de sugerentes propuestas que buscan la mezcolanza y mestizaje de las diversas artes que en su escenario confluyen.” Así, el festival propone trabajos en torno a la percusión, la electroacústica, la videocreación, la danza, la voz, el teatro y la pintura, entre otras disciplinas, a partir de obras ya clásicas del repertorio contemporáneo, así como de otras de reciente creación.

De febrero a julio, con un concierto mensual, el festival nos invita a degustar un programa en el que sonarán obras de autores como Luis de Pablo, Polo Vallejo, Alberto Bernal, Iannis Xenakis o Louis Aguirre, interpretadas por grupos y solistas como Neopercusión, Fusion Percussion Duo, Valencia Percussion Academy, Grupo Vocal MUSICANT, Karolina Leedo, Proyecto SOXXI o el dúo Eloy Lurueña y Pedro Ortuño.

Todos los conciertos son de entrada gratuita y tendrán lugar a las  19, 30 h. en el Centro Cultural Calixto III de la localidad de Canals, una población de la comarca La Costera, al sur y al interior de la provincia de Valencia. La dirección y producción del Festival SOXXI corre a cargo de la Asociación Ap-Art, cuyo objetivo es la difusión de la cultura el arte contemporáneo, con Joan Soriano y Alicia Arnau en la dirección artística.

El programa

La apertura del festival el 16 de febrero nos permitirá asistir a una propuesta que se centra en la música española, con compositores plenamente consagrados, aunque de generaciones muy diferentes, como Luis de Pablo –con su obra La Prie-Dieu sur la terrasse, de 1973- y Polo Vallejo –con Tactus, bastante más reciente, de 2005-, y el estreno absoluto  del proyecto Tectónica Sonora II, para instrumentos de metal, trombón y electrónica en vivo, realizado por el dúo que protagoniza el concierto: el percusionista Eloy Lurueña  y el trombonista Pedro Ortuño.

El siguiente concierto tendrá lugar el 9 de marzo y nos presentará a un joven y prometedor dúo de percusión, Fusion Percussion Duo, que ofrecerá un programa con piezas del repertorio clásico contemporáneo para la formación y del repertorio internacional más reciente, así como un estreno absoluto del compositor alicantino J. Manuel Castelló.

Ya en abril, el sábado 13, llega la siguiente propuesta, protagonizada por el espectáculo Imposible Inside, una propuesta del compositor Alberto Bernal, en la que, como nos indica la nota de prensa, “se mezcla el vídeo-arte, las sutilezas melancólicas del cello, la flexibilidad de la flauta y el ritmo y los colores de la percusión con diferentes estrenos nacionales y estrenos absolutos del autor madrileño“. Bernal también nos propone interactuar con una instalación que estará expuesta durante todo el festival.

El 18 de mayo el escenario del SOXXI se llenará de contrastes con la fuerza de la música de Xenakis contrapuesta a delicadas piezas para ensemble vocal de autores japoneses, en un concierto protagonizado por VPA (Valencia Percussion Academy) y el Grupo Vocal MUSICANT.

El cierre será el 6 de julio y estará dedicado al compositor cubano afincado en Dinamarca Louis Aguirre, que asistirá al festival impartiendo una conferencia-concierto el día 5 de Julio, en el que hablará sobre su poética compositiva. El concierto del día siguiente se anuncia como colofón espectacular al ciclo, en el que uno de los ensembles más importantes de nuestro país, y de reconocida trayectoria internacional, Neopercusión, compartirá escenario con la solista eslovena Karolina Leedo y los miembros de Proyecto SOXXI.

En definitiva, otro interesante festival que, de nuevo, sortea los peores momentos de la situación cultural en nuestro país. Un “salir adelante” que intuimos tiene su explicación en el compromiso, trabajo y esfuerzo de sus organizadores y participantes, y que imaginamos no justamente remunerado. Que al menos este trabajo sea reconocido y valorado, es un mínimo al que no se debería nunca renunciar.

Información

Centro Cultural Papa Calixto III
Confluencia calles fray Matias Ferrer y calle Valencia
Canals (Valencia)
E-mail: info@canals.es
Web: http://www.canals.es/canals/index.php/cultura/centro-cultural.html