Para su composición habrá que tener en cuenta que los destinatarios  son  jóvenes con diferentes grados de formación musical y desarrollo técnico.  Por ello las distintas partes de la obra tendrán que presentar un discurso adecuado que permita la interpretación de jóvenes con distinto grado de experiencia. Dicha  composición será concebida, bien como una obra unitaria dividida en tres partes o como un ciclo de tres obras independientes entre sí, cuya duración total se sitúe entre los 9 y los 15 minutos. En el primer movimiento (parte) la textura predominante será homofónica. En el segundo movimiento (parte) se incluirán pequeños momentos solistas de diferentes grupos instrumentales. En el tercer movimiento (parte) se incluirá un coro de voces blancas (a dos voces). De igual forma los compositores tendrán que tener otra serie de adaptaciones técnicas que vienen en los anexos de la convocatoria en relación a  los registros instrumentales (y vocales), elementos métricos, rítmicos, melodía, armonía, elementos formales, textura y formas de expresión.

El fallo del jurado se producirá el viernes 28 de febrero de 2014 de forma inapelable, adjudicando tres premios (aunque alguno puede quedar desierto) con incentivos económicos de 10.000, 5.000 y 3.000 dólares americanos respectivamente. Las obras ganadoras serán editadas por la organización y publicadas a través de página la web de los países con proyectos de Ibermúsicas e Iberorquestas. De la misma forma, las obras ganadoras se estrenarán en los países con los programas anteriormente citados, ofreciendo a los compositores las fechas y características de los mismos para facilitar así su asistencia.

Los compositores que quieran entran en esta concurrencia competitiva tienen que ser autores iberoamericanos mayores de 18 años que deberán presentar una única obra inédita que no haya sido dada a conocer al público antes. Se presentarán dos sobres: uno firmado mediante seudónimo con la partitura general completa escrita de forma legible  y acompañada por un CD o pendrive con la obra digitalizada en un archivo PDF así como un breve comentario alusivo a la obra presentada; un segundo sobre cerrado contendrá un disco compacto identificado con el mismo seudónimo utilizado en la partitura y donde además se   presentará el formulario de inscripción, una fotografía del compositor, una copia del pasaporte, un breve currículum vitae, el título de la obra, una declaración jurada en la que se acredite la originalidad de la obra así como una carta de presentación firmada.

Los  premiados deben comprometerse con la organización de la misma a suministrar la información y la documentación adicional necesaria, cumplir y colaborar en las actividades técnicas y divulgativas, realizar las correcciones y  ajustes requeridos a la obra premiada,   garantizar que no se violan derechos de autor o conexos de terceras personas, autorizar por escrito notarial el uso por tiempo indefinido del material para publicación y divulgación, a partir de medios físicos y virtuales y dar los créditos a los Programas Iberorquestas Juveniles e Ibermúsicas en todos los eventos, piezas, entrevistas y demás acciones de divulgación en las que participe.

Información

Unidad Técnica de Iberorquestas
San Fernando 14, Colonia Guerrero delegación Cuauhtemoc (entre las calles Zarco y Héroes)
Edificio A Primer Piso.
MÉXICO, D.F.
Tel: +52 5541550860. Ext: 7261
E-mails: carlosenriquecorcuera@gmail.com – idanyacardona@gmail.com
Web: http://www.ibermusicas.org

Referencias

• Bases de la convocatoria en PDF [enlace externo]
• Formulario de solicitud [enlace externo]
• Web de Iberorquestas

Iberorquestas

Una correcta formación desde edades tempranas es primordial para el desarrollo del talento musical. El I Concurso de Composición “Didáctica y pedagogía desde la interpretación musical” propone fomentar la creatividad y la innovación en el campo de la pedagogía musical así como  incrementar el repertorio didáctico. Este concurso va dirigido a compositores de cualquier edad y nacionalidad que deseen aportar su grano de arena  al progreso de la pedagogía musical. Para ello el concurso se divide en dos categorías: obras destinadas a ensembles escolares y obras enfocadas en la interpretación a manos de agrupaciones musicales de Enseñanzas Elementales de Conservatorios y Escuelas de música. Los concursantes deberán adjuntar a su proyecto una propuesta didáctica que oriente el trabajo que se puede realizar con la obra y las posibles adaptaciones de la misma y enviarlo junto con el justificante de inscripción al correo  sem-ee@hotmail.com. Dicha propuesta didáctica será valorada, junto con la obra, por un jurado formado por expertos en Composición y Didáctica musical, que anunciarán su veredicto el día 20 de julio. La obra ganadora será estrenada en el acto de entrega del premio y, tanto la partitura como la propuesta didáctica, publicadas en una revista de impacto internacional. Además la SEM-EE promocionará la obra para que sea interpretada por las agrupaciones correspondientes.

Para participar, es necesaria la inscripción en el concurso así como el ingreso de 15 EUR por derechos de inscripción o 10 EUR en el caso de ser socio de la SEM-EE.

Información

Sociedad para la Educación Musical del Estado Español
Palacio de Albaicín C/  Los Pinares
39180 Noja, CANTABRIA
Tels: 609 43 14 62 / 616 20 06 81
E-mail: sem-ee@hotmail.com
Web: www.sem-ee.com

Referencias

• Web de la SEM-EE
• Web de Artseduca
• Bases del concurso en PDF
• Boletín de inscripción

Sin duda son los aspectos sociológicos de las reflexiones de este autor los que escandalizan al mundo culto musical y más a los musicólogos. Ven en este libro un abaratamiento. Pues no se puede ofrecer un estudio al estilo norteamericano, un paper incluido como artículo en el libro, con el objetivo de mostrar que la música de la chacona, un desvergonzado baile colonial español, se ha convertido en el ADN musical y llegar a Ligeti, compositor que inspiró dicho paper, para continuar con el blues y acabar con Led Zeppelin.

Y eso que el autor, que estudió y se graduó en composición musical antes que en periodismo, también da en el libro alimento a los técnicos ortodoxos de la música. Con breves descripciones de partituras o de técnica musical para justificar la calidad de las obras, para aquellos para los que la técnica está antes que lo verdaderamente humano, lo imperfecto, que habitualmente desprecian de una manera tan sutil que se les confunde con sabios. Olvidan quienes los escuchan que esa defensa y aplicación de la técnica trajo consigo muchos males en el pasado siglo XX, muchas censuras, la necesidad de separar lo puro de lo impuro. Son esos tecnócratas, los mismos que favorecen la huida de músicos consagrados a ese campamento del campus de Marlboro en Estados Unidos. El refugio, lo llama el autor. Músicos que gracias a su fama podrían pasarse el verano de festival en festival, forrándose. Viviendo en hoteles de lujo a cargo de las organizaciones que les contratan de forma habitual, en vez de compartir cuarto con otros músicos como ellos y disfrutar de un más que precario desayuno de rancho o de tener que servir mesas como uno más. Como uno de los alumnos. Un campus en busca de lo que el autor llama la musicalidad. Lo que seguramente es la búsqueda de lo puramente humano. La humanidad musical que no es patrimonio ni de la alta ni de la baja cultura. Ni de un tipo de música o de otra. Y que ninguna técnica da, por muy virtuoso que se sea. Pues, por muy grande que sea la música, es superficialmente sencilla (la pianista Uchida, dixit).

Y en esta búsqueda de lo humano, recuerda Alex Ross, en el capítulo que dedica a Verdi, artículo que escribió con motivo de los cien años de su muerte, la preferencia de este compositor por cantantes, que lejos de tener voces perfectas y bellísimas, se comprometieran con el drama. Que es lo mismo que decir, comprometerse con lo que cuentan, comprometerse con la vida, con lo que surge y muere con ella.

Compromiso humano y con los humanos. Los iguales. Esa es la línea que va uniendo los capítulos. En lo que lo mismo da que se hable de Björk o de Radiohead. De Esa-Pekka Salonen (del que cuenta que escucha a Shakira en el gimnasio) o de Mozart (al que su padre recrimina y recuerda la necesidad de ser práctico en la vida). De John Luther Adams, en la descripción del libro, más un vaquero trasplantado a Alaska que un moderno compositor que transforma las fuerzas de la naturaleza en sonidos y luz, o de Brahms, al que al autor le gustaría oír en el momento de su muerte. De los miles de jóvenes chinos que llenan conservatorios, ávidos de la fama que da el pop, o de los chicos de los deprimidos suburbios americanos, donde la música supone algo más que un fenómeno cultural, un territorio fuera de la deshumanizada sordidez que les rodea. Ambos, poniendo de manifiesto que todavía existe posibilidad para la emoción espontánea que se produce en la vida frente a la música. Que crece escuchando a Berlioz en el atractivo auditorio de Pekín con forma de huevo, a pesar de su mala acústica, o en un concierto de Bob Dylan, cuya música siempre cambia como corresponde a una composición escrita en cursiva. De un John Cage, que compone silencio para que se oiga la música de la vida que ocupa la Sexta Avenida, siempre distinta, o de Schubert, pura contradicción.

Todos ellos han compuesto en un sitio, en un lugar, en un tiempo, en unas circunstancias determinadas. Sin embargo, producen emoción y conversaciones más allá de cuándo y dónde se crearon. Ahora que la reproducción con aparatos que caben en un bolsillo o en una mano permiten a la música a travesar el tiempo y el espacio. Oír la Heroica de Beethoven dirigida por Leonard Berstein, ambos muertos, justo antes o después de Sonic Youth. Escuchar a Kurt Cobain, también muerto, sin solución de continuidad tras una sinfonía de Mahler, otro cadáver. Y, por supuesto, apagar el aparato que emite esa música y comprobar como la experiencia desaparece para introducirse en esa reserva de ruido que es el silencio. Donde se encontrará la nueva música que nos dejará perplejos, ya no solo en una sala de conciertos. Ya no. Escuchar el silencio. Escuchar en silencio. Escucha esto, lee esto. El ruido eterno de lo humano.

Referencias

• Microsite de Escucha Esto (en español)
• Blog de Alex Ross (incluye selecciones musicales capítulo a capítulo) (en inglés)
• Lista de reproducción de Escucha esto en Spotify
• Playlist de Escucha esto en iTunes realizada por el autor

El objetivo de este encuentro es el estudio de la figura de Frederic Mompou, a veces poco reconocida en el siglo XX, así como la influencia que su obra ha ejercido en la música actual. Adolf Pla, profesor de la ESMUC, ha destacado además la necesidad de incorporar la obra del compositor español al programa pedagógico musical.

Colaborarán en la organización del Simposio el Museo de la Música, el Auditorio de Barcelona, la Fundación Frederic Mompou, la Fundación Victoria de los Ángeles, la SGAE de Cataluña, Banco Sabadell, Lacoste y Jané Ventura.

El programa recogerá conferencias alrededor de Mompou con ponencias como las de Ramón Andrés, Narcís Bonet, Francesc Cortés, Luis Vidal o Víctor Estupé, entre otros. Una mesa redonda, compuesta por diversas personalidades, será moderada por la periodista Mónica Pagés. Se organizarán conciertos en L’Auditori, proyecciones cinematográficas y una exposición en el Museo de Música bajo el título “El sonido de la luz. Mompou/Gaudí”.

El plazo de inscripción, que comenzó el 12 de noviembre, finalizará el próximo miércoles 12 de diciembre.

Información

Escuela Superior de Música de Cataluña
Carrer de Padilla, 155, Edificio del Auditorio
08013 Barcelona
Tel: 933 52 30 11
Web: www.esmuc.cat

Referencias

• Simposi Frederic Mompou
• Web de la ESMUC
• Inscripción

De esta manera todos podemos asistir a materias que nos resulten interesantes, aunque no sean nuestra especialidad o no nos interese seguir profundizando. En el apartado musicólogo encontramos las siguientes clases:

“La universidad de los tres peniques: música y compromiso. Kurt Weill”, impartida por Ruth Piquer, Julio Arce y otros; departamento de Musicología; a las 18-19,30 en la Plaza de Ópera.
“Una Francia distinta: identidad e historia en el rap francés”, impartida por Isabelle Marc; a las 12,30-13,30 h. en La Buena Vida.
“Grafiti y hip hop en la España actual”, impartida por Francisco Reyes; departamento de Comunicación Audiovisual; a las 17,30-19 h. en Patio Maravillas.
“La danza como elemento de cohesión grupal:práctica colectiva, Expresión Musical y Corporal”, que realizará Ríos Vallejo; a las 16,30-18 h. en la Plaza de Ópera.

Recomendamos asimismo visitar el enlace que conecta con el listado de todas las clases ya que ahí se nos informa de horarios y lugares de otras materias, que aunque no hablen de música, puede ser igualmente de vuestro interés.

Información

E-mail: lacompluenlacalle@gmail.com
Web/blog: http://lacompluenlacalle.blogspot.com.es/
Página de facebook: http://www.facebook.com/LaUniversidadEnLaCalle
Twitter: @lacompluenlacalle

Referencias:

• Listado de clases [enlace externo]
• PDF horario [enlace externo]

La Asociación INSTRUMENTA se crea por el interés común de museos, gestores, coleccionistas, constructores, docentes, investigadores y restauradores de ámbitos públicos y privados, y que pretende dar reconocimiento y valor social a este patrimonio e impulsar el desarrollo de medios para su conservación, documentación y difusión. La asociación tiene como objetivos difundir y fomentar el interes por los instrumentos musicales. El instrumento musical asume desde su nacimiento, el papel de traductor y potenciador de la magia y la fuerza de la comunicación compartida de los sentimientos. Su evolución es un fiel testigo de la necesidad de comunicación, más allá del habla, entre los individuos de todas las culturas y civilizaciones. La primera reunión de la cual surge la asociación se realizó el 15 de octubre del 2011 en el Real Conservatorio de Música de Madrid.

PROGRAMA

Sábado 24 de noviembre de 2012

10 a 10,30 h.   Apertura de las jornadas
10,30 a 12,30 h. TEMA: Coleccionismo y preservación de instrumentos musicales en España

Romà Escalas: “La colección del Museu de la Música de Barcelona. Un museo según criterios internacionales. Historia y proyecto museológico moderno”

Elena Vázquez: “Las colecciones históricas en los museos de titularidad estatal. El ejemplo del Museo del Pueblo Español y sus siguientes reconversiones”

Eva Jiménez (RCSMM) y Fernando Muñoz (GLAE): “La conservación y  la restauración de instrumentos de música: diferencias y metodología.  Recopilación de textos”

Joaquín Díaz: “La colección de la Fundación Joaquín Díaz y ampliación de objetivos de las colecciones de instrumentos en Urueña. Museos basados en colecciones etnográficas”

12,30 a 13 h. Descanso
13 a 14 h. MESA REDONDA sobre el tema con la presencia de Renato Meucci. Modera: Cristina Bordas

Almuerzo

15,30 a 19 h. TEMA: Presentación de colecciones y de Instru-mentos históricos o sus reproducciones

Visita a la colección del Museo del Traje (Elena Vázquez)
Colección de la Fundación La Fontana (Barcelona)
Colección Hazen (Madrid)
Monacordio Bermudo (Rafael Marijuán)
Copia del bajo de violón de Gabriel de Murcia (GLAE)
Instrumentos populares (José Moltó)

10 a 12 h. TEMA: Documentación de instrumentos y colecciones en España

Romà Escalas: “La afinación del fortepiano en España. El temperamento del instrumento de F. Fernández de 1828”

Renato Meucci: “Información sobre el nuevo Grupo Internacional de Estudio sobre Organología (dentro de la Sociedad Internacional de Musicología) y exposición sobre las fuentes utilizadas para su libro Instrumentaio”

José Luis Romanillos: “Información sobre el centro de  estudios ‘José Luis Romanillos’ de la vihuela y la guitarra española (Sigüenza, Guadalajara)”

Víctor Pliego de Andrés: “Los instrumentos musicales en la enseñanza y el estudio de la organología en el Conservatorio de Madrid”

12 a 12,30 h. Descanso

Pedro Rubio: “Análisis metodológicos para la catalogación de instrumentos de viento: el clarinete histórico”

Luis Ángel Payno y Eva Jiménez: “Presentación de la propuestas para el censo de instrumentos musicales y sus colecciones en España”

13,30 a 14 h. MESA REDONDA con los ponentes e invitados. Moderan: Joaquín Díaz y Romà Escalas

Clausura y despedida

Exposición: Durante las dos jornadas habrá una muestra de libros e instrumentos presentados por socios y no socios sin fines comerciales.

Información

Salón de Actos del Museo del Traje CIPE
Avenida de Juan de Herrera, 2
28040 Madrid
Metro: Moncloa (líneas 3 y 6) Línea 6 (Ciudad Universitaria)
Líneas de autobús: 46, 82, 83, 132, 133
Email: jornadas@instrumenta.info
Web: http://www.instrumenta.info

Referencia

• Las Jornadas en la web de la asociación INSTRUMENTA
• Programa en PDF de las Jornadas [enlace externo]

Alberto Bernal y Sergio Luque son dos compositores altamente experimentados en el terreno de la creación electroacústica, el arte sonoro y todas las derivaciones que se pueden encuadrar dentro de la denominación “sonologia”. De todo ello conversamos con ambos.

Lo primero que pasa por la cabeza al ver el planteamiento del posgrado en Sonología Aplicada a la Creación Musical que váis a impartir en el CSKG (Centro Superior Katarina Gurska), es cómo no existía ya algo así en Madrid (algo más adelantados iban en Barcelona, con todo lo que se ha ido haciendo desde la UPF). Da la impresión de que hay una tendencia a seguir en esa constante anacrónica, en cuanto a formación superior se refiere, que nos lleva a sorprendernos ante cosas que deberían haber estado aquí ya hace bastante tiempo…

ALBERTO BERNAL: Es cierto que hay un vacío en este sentido, así como una considerable demanda. Consideramos que existía la necesidad de poder cursar un plan de estudios oficial en sonología, y todo lo que, de manera más o menos redundante, asociamos directamente al término: composición con nuevos medios, electroacústica, música algorítmica, composición interdisciplinar, instalaciones sonoras…

SERGIO LUQUE: Y pensamos que era necesario un planteamiento orientado hacia la creación musical. Una aproximación que partiera de las necesidades reales de los creadores, de sus requerimientos tanto teóricos como prácticos.

A.B.: En cierto sentido, es un paso natural y necesario hoy en día que un centro musical ofrezca algo así.

Al hilo de este mismo asunto, da la impresión de que en muy poco tiempo observamos cómo empiezan a florecer estudios superiores de música en muchas universidades y centros superiores. Y en el terreno de lo que llamamos “sonología”, también se está produciendo una oferta apreciable, y que da la sensación que podría ampliarse en poco tiempo. ¿Hay “mercado” o pensáis que existe algún peligro de sobredimensionamiento? (obviamente, no os pedimos un análisis en profundidad, sino únicamente vuestra percepción desde una perspectiva en la que seguro que este aspecto está sobre la mesa).

S.L.: Hasta el momento, nos parece que todas las opciones de estudios alrededor de música y tecnología que hay en España tienen programas, enfoques y prioridades muy diferentes entre sí. Al mismo tiempo, Alberto y yo llevamos varios años dando clases y talleres sobre estos temas y no deja de sorprendernos el gran número de personas interesadas por conocer más sobre las posibilidades creativas abiertas por las nuevas tecnologías. Estas personas suelen tener edades y perfiles de lo más variado, por ejemplo: compositores — tanto de formación académica como autodidacta —, músicos experimentales, artistas sonoros, intérpretes de música contemporánea, improvisadores, ingenieros de sonido, etc.

Entrando en materia sobre el posgrado, ¿cuál ha sido el planteamiento de partida? Es decir, al diseñar un proyecto así, ¿cómo se aborda un programa tan amplio, dirigido a un alumnado de intereses que pueden llegar a ser muy diversos? ¿Cómo se sistematiza el estudio de algo tan disperso y de tan difícil acotación?

S.L.: Nuestro planteamiento de partida fue crear un posgrado con la combinación de disciplinas que consideramos más interesante y provechosa para los diferentes tipos de perfiles que están interesados en el acercamiento a la creación musical comprendido por la sonología. Este acercamiento concierta el conocimiento de música, acústica y tecnología para la elaboración de música instrumental o electroacústica, improvisación con nuevos medios, instalaciones sonoras, etc. Pensamos que la forma de abordar este programa es enseñando, de manera sistemática y didáctica, el uso de las herramientas teóricas y técnicas necesarias para el trabajo creativo en estas áreas; herramientas como: composición algorítmica asistida por ordenador, estética, fundamentos físico-matemáticos de la música y del sonido; lenguajes de programación para la creación de audio digital (Max/MSP y SuperCollider); técnicas de grabación para diferentes contextos.

A.B.: Para ello hemos buscado los docentes que nos parecían más apropiados en cada una de las áreas del posgrado: junto a nosotros dos estarán también Juan Carlos Blancas (muy conocido dentro del mundo de las grabaciones de campo) para la parte relacionada con las técnicas experimentales de grabación y postproducción en general, y el profesor de filosofía Ramón del Castillo, quien ha explorado en profundidad las relaciones entre la música de nueva creación  y distintas esferas del pensamiento, la psicología y las ciencias sociales.

Y una pregunta que quizá debería haber estado al principio: ¿cómo definiríais el término “sonología”?

A.B.: Después de dar muchas vueltas con diferentes nombres para el posgrado, nos parecía que el término “sonología” era la mejor denominación para todas aquellas áreas de la creación musical que parten de la materia sonora y su conocimiento, como las ya mencionadas: electroacústica, composición algorítmica, instalaciones sonoras, grabaciones de campo… Además de ello, pensamos que la denominación es apropiada por la asociación con otros centros fuera de España, como el Instituto de Sonología de La Haya, cuyo planteamiento consideramos muy cercano al que queremos crear aquí en Madrid.

En la presentación del posgrado queda claro cómo éste se implica en el ámbito creativo, desde una mirada interdisciplinar. Pero también habláis de su aplicación en otros contextos, como la pedagogía, la interpretación o la musicología. ¿Os proponéis algún enfoque partircular en estos aspectos o su aplicación en estas áreas deberá surgir de la propia práctica creativa?

S.L.: Los recursos teóricos y prácticos impartidos en el posgrado pueden ser enfocados —durante el mismo posgrado- al desarrollo de aplicaciones en distintas disciplinas, y estas aplicaciones pueden formar parte del proyecto personal que los alumnos van a elaborar durante el curso.

A.B.: Lo interesante de la mirada interdisciplinar es también que no únicamente traspasa disciplinas creativas, sino que puede incluir determinadas facetas de otras disciplinas aparentemente no creativas. Por ejemplo, hay instalaciones basadas en el mero fenómeno sonoro que son herramientas fantásticas para la comprensión de lo que es el sonido, y cuya aplicación en la enseñanza de la música puede resultar muy interesante. Lo mismo puede aplicarse al conocimiento de herramientas de análisis sonoro y sus distintas formas de representación (como los sonogramas); para determinados estudios musicológicos puede resultar de gran interés. Queremos decir con ello que, aunque el enfoque fundamental del posgrado sea hacia la creación musical, los conocimientos que se adquieran pueden resultar de gran valía en otras áreas no específicamente creativas.

De la materia que abordáis se deduce que la tecnología debe tener un papel de mucho relieve. ¿Con qué equipamiento contáis para el posgrado? ¿Cómo es el laboratorio del CSKG?

A.B.: Afortunadamente, vivimos en un tiempo en el que la inmensa mayoría del trabajo sobre la materia no requiere una infraestructura gigantesca y exclusiva como en la época de los grandes laboratorios (como el Bell Labs en Estados Unidos, el Estudio de Música Electrónica de la WDR en Alemania o el IRCAM en Francia). Con la evolución y el empequeñecimiento de los ordenadores acaecido en los últimos años, casi podría decirse que uno tiene un laboratorio así, ya no en sólo en casa, sino también en la mochila en la que va el portátil. La tecnología, en su gran mayoría, se ha convertido en software, y los equipamientos que demanda no son tanto los grandes aparatos de los laboratorios del siglo pasado, sino la información y base adecuadas como para que ésta se convierta en un medio al servicio del compositor, y no viceversa.

S.L.: Sí, los requerimientos han cambiado, gran parte del trabajo que antes se realizaba en un estudio de electrónica ahora se realiza de manera privada. Es por esto que para el posgrado pensamos en una equipación que responda a las necesidades actuales, que proporcione las herramientas a las que los estudiantes probablemente no tienen acceso, como es el caso de equipos profesionales de grabación y de escucha.

 En la web del CSKG aparecen, además del posgrado, un grado en sonología y un apartado de seminarios sobre esta materia, aunque no nos ha quedado claro si estas propuestas académicas están ya activas. ¿Son estudios todavía en preparación o ya es posible cursar un grado en sonología?

A.B.: Efectivamente, el CSKG también oferta el grado en sonología junto con el resto de especialidades y, como tal, puede cursarse ya este año. Algunas de sus materias son específicas de la especialidad y serían impartidas también por algunos de los docentes que impartiremos el posgrado, y otras son comunes al resto de especialidades. Puede verse un plan de estudios detallado en la web del CSKG.
Respecto a lo que se anuncia como seminarios, la idea es ofrecer la posibilidad de un acercamiento más esporádico a la materia para aquéllos que no puedan cursar el posgrado, y a la vez ofrecer una serie de actividades complementarias para los alumnos del posgrado, tanto por la diversidad de enfoques que se ofrecerían como por la presencia de ponentes invitados para la ocasión.

La amplitud de la materia implicada bajo la denominación “sonología” lleva a pensar en que podría ser tratada transversalmente. Es decir, que en otros estudios que se imparten bajo un grado superior, quizá sería lógico que apareciera en algún momento. ¿Habéis contemplado esta posibilidad? ¿Puede la sonología ser materia transversal, por ejemplo, en composición o en musicología?

S.L.: Sí, definitivamente. Me parece que el conocimiento teórico y práctico de las disciplinas comprendidas por la sonología ya es necesario para los estudiantes del grado de composición y puede ser muy ventajoso para los estudiantes de musicología, por ejemplo, el uso de herramientas de análisis o de visualización de parámetros que comentaba anteriormente Alberto.

¿Y quizá en el contexto interpretativo también?

A.B.: Incluso también para la interpretación es un ámbito altamente interesante. Es evidente que, para un intérprete, las posibilidades de tocar con una orquesta o un grupo grande son mucho menores (y más caras) que hacer un recital con electrónica. La electrónica se convierte, así, en una posibilidad muy directa de ampliación del repertorio de los intérpretes. Con las posibilidades tecnológicas actuales y un conocimiento adecuado del medio, plantear recitales de instrumentos acústicos con electrónica puede llegar a ser algo relativamente sencillo y factible de realizar de forma autónoma por los propios intérpretes.

Finalmente, pensando en que el posgrado posiblemente generará cierta producción artística de los alumnos, ¿habéis pensado en su muestra pública? ¿Se presentarán los trabajos en forma de espectáculo, instalación sonora, etc. en algún espacio concreto?

S.L.: Al final del curso se presentarán las obras realizadas por los alumnos a lo largo del año, las cuales podrán estar en distintos formatos, por ejemplo: cinta (medios fijos), electrónica en tiempo real, música instrumental —con o sin electrónica- e instalaciones.

A.B.: En este sentido es interesante también comentar las posibilidades de colaboración que el CSKG, como centro superior de enseñanza musical, ofrece; no únicamente la posibilidad concreta de que estudiantes de instrumento estrenen obras de los alumnos de sonología, sino también el hecho de que se produzca una interacción en la otra dirección, en aras de esa transversalidad del contenido que antes comentábamos.

S.L.: Estas obras serán presentadas en el concierto de fin de curso, en un lugar todavía por concretar.

Que servirá como colofón, como una forma eficaz de observar los resultados en la práctica creativa…

A.B.: En el fondo, esto viene a ser lo más importante. El subtítulo del posgrado “aplicada a la creación musical” hace precisamente referencia al fin último de nuestro planteamiento: no se trata de estudiar la sonología en sí misma (algo que, por otra parte, sería absolutamente inabarcable en un año), sino de posibilitar su incorporación como medio creativo en la realización de obras concretas. Por tanto, el verdadero objetivo del posgrado es la creación, con todo lo que ello implica: desde la primera toma de contacto con el medio hasta el momento en que las obras se preparan y se presentan en público, pasando por todos los posibles estadios intermedios como la reflexión estética y el paulatino dominio de los procedimientos utilizados.

Información

Katarina Gurska
Centro Superior de Enseñanza Musical
C/ Genil, 13
28002 Madrid
Tel.: +34 91 563 55 55
Fax: +34 91 563 91 25
E-mail: em@katarinagurska.com
Web: http://www.katarinagurska.com

Tras la anterior edición y el importante trabajo que se desarrolló, los organiza-dores han creído necesario un nuevo Encuentro que manifieste las propuestas llevadas a cabo así como las experiencias que puedan ofrecer buenas prácticas de sostenibilidad para las Escuelas de Música sin perder la calidad educativa. Por este motivo se invita a participar a expertos conocedores de la problemática desde dentro, como profesores y directores así como presidentes de diferentes asociaciones, para que entre todos se pueda llegar a consensuar soluciones a través de las diferentes alternativas que se propongan.

Durante el encuentro, que tendrá lugar en el Centro Playa Dorada de Noja, se podrá asistir a ponencias de expertos invitados, experiencias de las Escuelas, mesas redondas y talleres.

Información

II Encuentro Nacional de Escuelas de Música
C/ Los Pinares
Noja – 39180
Santander
Tel: 609 431 462
E-mail: sem-ee@hotmail.com
Web: http://encuentroem.webnode.es

Referencias

• Boletín de inscripción para el Encuentro [enlace externo]
• Cartel del Encuentro
• Web de la SEM-EE

Mi nombre es Chefa Alonso, doctora en improvisación y composición por la Universidad de Brunel, Londres, autora del libro  Improvisación libre. La compo-sición en movimiento (Dos Acordes, 2008).

Me he enterado por la prensa especia-lizada (Sul Ponticello y Doce Notas) de la expulsión fulminante del equipo directivo del Aula de Música, de la Universidad de Alcalá de Henares, así como de la cancelación de todos los cursos que este estupendo equipo directivo (Maria José y Verónica) había previsto y organizado para el próximo curso 2012-2013.

Yo era una de las profesoras contratadas para ofrecer dos cursos de improvisación y creatividad, uno dirigido a profesores de música de Conservatorios, Escuelas de Música e Institutos y otro, interdisciplinar, para jóvenes universitarios interesados en la música, danza, teatro, artes plásticas, circo…

Además, este equipo había contactado e invitado a Marisa Fonterrada, una autoridad en Educación Musical en Brasil, colaboradora de Murray Schafer (no sé si les suena este compositor y pedagogo canadiense), para venir a dar un curso sobre Educación Musical Creativa. A la profesora Marisa Fonterrada se le había enviado, desde el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, una invitación oficial para dar este curso, invitación en la que ella se basa para gestionar una ayuda de su universidad (UNESP, en Sao Paulo) y del Gobierno de su país, para costear los gastos de viaje y alojamiento que la Universidad de Alcalá no podría cubrir.

Ya me imagino que les preocupa poco haber prescindido de dos excelentes profesionales en la gestión y organización de cursos de Especialización Musical, avalado por más de veinte años de un trabajo continuo y excepcional y tampoco les preocupará la formación creativa de los profesores de música, así como de los jóvenes estudiantes, pero ¿no les produce la menor inquietud el desprestigio que esto va a suponer para la Universidad, puesto que su decisión afecta también a invitados extranjeros de una enorme valía? La invitación ya está hecha y enviada. ¿Cómo van a justificar la desaparición, de la noche a la mañana, de un Centro Universitario con veinte años de historia y actividad impagable? ¿Quién se va a poner en contacto con esta profesora invitada para decirle que el compromiso adquirido ya no tiene valía?

Los políticos de este momento hablan mucho sobre la importancia de crear seguridad en los mercados internacionales, promoviendo y defendiendo la “Marca España” ¿Pertenece este tipo de comportamiento, como el que denunciamos, a ella?

La cultura también alimenta.

Mi total solidaridad con María José, Verónica y el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. Como dicen en mi tierra “sempre marchan os millores”.

Chefa Alonso

Y no es esta una mala noticia cualquiera, no, porque se puede decir que el Aula de Música tiene viso histórico en el hacer educativo y cultural de nuestro país (algo acorde con el prestigio histórico de la universidad fundada por Cisneros en el último año del siglo XV). No en vano por ella pasaron –en una época donde todavía casi nadie paraba por estas tierras, no lo olvidemos- figuras enormes de la música europea y americana. Compositores, intérpretes e investigadores del arte musical que lograron ser atraídos por el buen hacer académico y el hambre de conocimiento musical que se respiraba en ese país de pandereta, toros, fútbol, paella y tórrida playa que todavía era España, y que parece algunos se empeñan, en una especie de alarde valleinclaniano, en rememorar a cada momento. No es cuestión de aburrir con nombres, pero daré unos cuantos, para que la memoria no nos juegue una mala pasada y se pueda pensar que inflamos el drama: Samuel Adler, Paul Badura-Skoda, Helmut Lachenmann, Jonathan Harvey, Sylvano Busotti, Bryan Ferneyhough, Philippe Hurel, Mauricio Kagel, Maria João Pires, Charles Rosen, R. Murray Schafer, Salvatore Sciarrino… Y no cuento los españoles, que son multitud también, aunque sí diré que algunos fueron “restaurados” en el conocimiento público del país gracias a esas venidas desde esa Europa que todavía nos inspiraba cierta desconfianza y temor. Ahora, desde otra perspectiva muy distinta, terror es lo que nos produce. Curiosa paradoja, sí señor, si al final ha sido esa cultura centroeuropea que afloró en el Aula de Música en sus años de gloria la que indirectamente le echa el cierre, sirviéndose de los verdugos del recorte, éstos, con unas formas muy nuestras, eso sí.

El que escribe no puede ocultar que ha tenido un vínculo intenso con el Aula de Música, no sólo porque allí tuve mi última formación compositiva con uno de sus protagonistas, José Luis de Delás, sino porque después hubo iniciativas que no lograron fraguarse, en buena parte  debido a la carrera hacia la destrucción que parece que emprendieron quienes la han hecho desaparecer definitivamente (u otros de similar talante). Ésos y otros frustrados intentos de iniciar proyectos novedosos dejaron también personas en el camino, algunos amigos, como ocurrió cuando se creó el CENAH (Centro de las Artes de la Universidad de Alcalá), fundado realmente para fagocitar cualquier independencia de las aulas universitarias dedicadas a las artes, eliminando de un plumazo y con nocturnidad, igual que lo ha hecho ahora con toda la institución, por ejemplo, a su nuevo director, dejándola definitivamente huérfana de esta figura. Por cierto, es curioso, el CENAH ha desaparecido del directorio de centros en la web de la universidad alcalaína. Misterios en los pasillos de la ilustre institución…

Pero al principio hablé de incredulidad con rostro de hogaza, y no es del todo cierto. Esto se veía venir desde hace tiempo. Los últimos cambios en la gestión del Aula de Música, que incluían la autofinanciación (cuando cualquier hijo de vecino sabe que esto es inviable en una actividad de este tipo), parecían pergeñados para labrar el desastre. La vuelta de espalda de la Fundación Caja Madrid supuso un punto de inflexión en ese lento desangrarse, y ahora resulta interesante recordar que, en sus orígenes, el Aula de Música recibió el respaldo de instituciones como la Confederación Empresarial Independiente de Madrid (CEIM) o el Instituto de Crédito Oficial (ICO). Empresarios y entidades financieras públicas apoyando la cultura, ya era raro entonces, pero… ¡cómo cambian los tiempos! Hoy, cuando intentamos organizar un acto cultural o educativo, sólo recibimos facturas con membrete de administración pública en concepto de “cesión de espacio público”. Dar, lo que se dice dar, nada; o como mucho, las migajas de la vergüenza.

La “cultura de la excelencia”

No hay más que pasarse por cualquier web de universidad española para atragantarse de “excelencia”. La Universidad de Alcalá de Henares no sólo no es excepción, sino que en su presentación se habla en estos términos: “Durante los siglos XVI y XVII, la Universidad de Alcalá se convirtió en el gran centro de excelencia académica: en sus aulas enseñaron y estudiaron grandes maestros como Nebrija, Tomás de Villanueva, Ginés de Sepúlveda, Ignacio de Loyola, Domingo de Soto, Ambrosio de Morales, Arias Montano, Juan de Mariana, Francisco Vallés de Covarrubias, Juan de la Cruz, Lope de Vega, Quevedo…” Así que estamos ante la “excelencia histórica”, aquella que no sólo alude a lo que puede venir sino también a de dónde venimos, algo que debería dejar poso y obligar a la reflexión sosegada en las decisiones drásticas. “Excelencia” es talento, algo que nunca faltó entre las paredes del Aula de Música y sí parece escasear en las altas instancias.

Pues bien, señores, tomando sus palabras, ¿qué es sino “excelencia”, por ejemplo, traer a un Aula de Música a un pianista y teórico como Charles Rosen? ¿No es suficiente con que enseñe en las universidades de Harvard, Oxford o Chicago? Un pianista como él, heredero casi directo –a través de su maestro Rosenthal- del pianismo lisztiano, ¿no es merecedor de la calificación de “excelente”? ¡Pues si hasta tiene un premio Pulitzer! Pues no, no parece suficiente. La “excelencia” parece moverse en otros lares, en los de los políticos, los banqueros, los empresarios de as de oros en la solapa y de bastos en la manga… Ciertamente, estamos ante los mismos complejos nacionales que nos asaltaban tiempo ha, cuando el rechazo a la cultura no era todavía encubrimiento, sino que nos servía para la afirmación. Hemos pasado sin solución de continuidad del “y a eso lo llaman arte… ¡Bah!, si eso lo hace un niño” al “Miró es deslumbrante, increíble, un verdadero genio. ¿Que qué me dice?, ¿a mí?, pues no sé…”. Podemos adivinar fácilmente el final de la frase: ”…mi hijo hace cosas así”.

Todo esto parece responder tristemente a un problema cultural crónico, que arrastramos desde hace mucho, demasiado tiempo. Fueron los desastres del 98 y la explosión intelectual que surgió a su alrededor los que nos hicieron tomar conciencia plena por vez primera. La pérdida definitiva del imperio no nos sentó bien, reconozcámoslo. Y después… después vendrán muchos grandes a incidir en ello, y Machado a decirlo con voz clara en un conocido poema de un conocidísimo poemario referido a Castilla, perfectamente extensible al resto de España: Castilla miserable, ayer dominadora, / envuelta en sus andrajos desprecia cuanto ignora. Y, como escribe el pianista Josep Maria Colom en una carta recién enviada a las redes sociales sobre la triste desaparición del Aula de Música, en la que fue docente desde su inicio: “El precio de una cosa lo conoce cualquiera; captar el valor es más sutil y requiere cultura y responsabilidad. La pena es que la mayoría de quienes manejan el poco dinero público que va quedando no ven ni quieren comprender la diferencia.”

Y así nos va. Dándole a la podadora sin compasión ni contemplaciones, cortando las mismísimas raíces (se diría que con al menos un punto de sadismo innecesario), creyendo los brillantes jardineros que luego saldrá algo de la tierra, aunque lo que brote sea una pura deformación. O, peor aún, sabiendo que no crecerá nada, que no importa volver a dejar el país como un desierto. Porque quitar infraestructuras y recursos en la educación musical es, en un país como el nuestro, convocar al desastre. No, no teníamos tanto, no estábamos nada sobrados, cualquier golpe bajo nos hace daño, más que pupa. Pero si, encima, la estocada es tan vil y traicionera, si se hace con nocturnidad y alevosía, tan cobardemente, no nos queda más remedio que pensar que es imprescindible el grito de defensa y acusación. Se hace cada vez más necesario alzar la voz contra aquellos que piensan que todo se soluciona despachando lo desconocido, lo que estorba por carencia propia, creyéndose que es una prenda sobrante en su vestidor por el mero hecho de que desconocen su utilidad en las malas noches de invierno. Una palabra que no les gustará oír, pero ante la que sólo podrán defenderse con hechos demostrables en su quehacer académico: INCULTURA.

Referencias

• Web del Aula de Música (¿por cuánto tiempo?)
• Blog ¿Adiós Aula de Música?