Mixtur nace como un colectivo en la ciudad de Barcelona con el simple objetivo de contribuir en la creación, la pedagogía y la difusión de la música de nuestro tiempo. Centrando sus intereses tanto en la investigación como en la experiencia sonora en sí misma relacionada con otros campos.

En esta segunda edición del Festival Mixtur podremos contar con conciertos pedagógicos, en los que colaborarán el Taller de Músicos y la Escuela Superior de Música de Cataluña,  y otra serie de actividades programadas para difundir los proyectos de los jóvenes artistas del panorama actual. Podremos contar además con conciertos de grupos de procedencia nacional e internacional, estrenos absolutos de obras encargadas por la organización del festival, conferencias, espectáculos de danza, videocreaciones e instalaciones sonoras.

Una de las partes más destacables del festival es la programación de una Convocatoria abierta a nivel mundial, abierta hasta el pasado 15 de diciembre, con presentación de obras en varias categorías. La  primera es la de obras multidisciplinares en las que el fenómeno sonoro tenga un papel predominante, y se combine la música con cualquier otro campo de forma creativa. La segunda categoría es la de obras instrumentales en la que encontramos la modalidad 2A (obras instrumentales o mixtas interpretadas completamente o en parte por conjuntos formados por clarinete en Sib, piano, violín y violoncello o bien voz soprano, percusión, piano y violoncelo) y la modalidad 2B (encargo para una de las formaciones anteriores).  La tercera categoría es una convocatoria para intérpretes tanto solistas como ensembles. Por último, la cuarta categoría  es la de obras electroacústicas, para hasta ocho canales independientes para la difusión del audio.

Las obras seleccionadas se presentarán en el Festival Mixtur en los días 24, 25 y 26 de abril de 2014 que se realizará en Fabra i Coats, Fàbrica de Creació en Barcelona.

Información

Fabra Coats
Fàbrica de Creació de Barcelona
C/ de Sant Adrià, 20
08030 Barcelona
Tel: 932 566 150
E-Mail: convocatories@mixturbcn.com
Web: http://mixturbcn.com/

Referencias

• Web del Colec·tiu Mixtur
• Página en Facebook

Podríamos cambiar el verbo pintar por componer, según nos interese, o, sencillamente, por el verbo crear. Así es, los artistas de hoy deben crear “como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación”. Sería posible discutir aquí la pertinencia de hablar precisamente de “generación”, o polemizar sobre cuál es el lenguaje, técnica o procedimiento que exigen los tiempos actuales, si es que hay solo uno.

Respecto a lo primero y más allá de los grupos que se reúnen en torno a manifiestos estéticos o exposiciones asertivas de cualquier índole –cosa que últimamente ha ocurrido quizás con la denominada musique saturée de Raphaël Cendo y Franck Bedrossian-, no creo que exista hoy día la posibilidad de hablar de una generación de compositores –si nos limitamos a hablar de la creación musical contemporánea- que puedan reunirse bajo el abrigo estético de una generación. Quizás nos falte perspectiva histórica para ello.

No nos falta amplitud de ángulo, antes al contrario, para asegurar, respecto a qué exigen los “tiempos que corren”, que no existe una única técnica –algo obvio por otra parte- que responda a esta demanda de lo contemporáneo. Salta a la vista que la multitud, la heterogeneidad y la diversidad –y añadan a estos términos todos los sinónimos que deseen- de procedimientos, técnicas y lenguajes –sí, afirmo que la música es un lenguaje en tanto que objeto emisor y transmisor de conocimiento- que el compositor o compositora puede emplear hoy día son cuando menos mucho más acentuadas que en tiempos anteriores. Pero no nos engañemos, el creador de hoy tiene ante sí un mar abierto: puede adentrarse hacia lo profundo sin miedo a alejarse de la orilla, puede nadar más cerca de tierra, con la silla del socorrista a la vista o, sencillamente, contemplar cómo llegan las olas, una detrás de otra.

Teniendo esto en cuenta y en colaboración con el Krater Ensemble, hemos planteado una breve aunque interesante entrevista para presentar Dos/Bi, A contemporary music inmersion, el nuevo proyecto de este grupo de músicos y artistas con base en Donosti-San Sebastián.

Como musicólogo podría decir que el discurso de un compositor acerca de su propio contexto creativo y de su obra es de una importancia fundamental –aunque siempre relativa- para la comprensión –si esto es posible- de su propuesta sonora. Sin embargo y más allá de fórmulas consabidas y afirmaciones que poco importan lejos del gremio de mi disciplina –cuyos límites, eso sí, están cada vez más diluidos-, es sugestiva la opinión que estos dos compositores de hoy tienen sobre algunas de las cuestiones que atañen precisamente a la posición del creador en la actualidad. Formación, tradición, lenguaje, arte e interdisciplinariedad son algunos de los conceptos a los que se alude en esta minientrevista realizada no por casualidad a Iñaki Estrada y Aurélio Edler-Copes, puesto que ellos son los autores de los estrenos absolutos que protagonizarán parte de los dos conciertos que Krater Ensemble plantea en esta inmersión: Bikota, para oboe y clarinete, e Infinite Walls, para violín y electrónica, respectivamente.

Una entrevista que tendrá sin duda su continuación en los foros de discusión que se abrirán tras sendos conciertos, en la misma Sala Club – Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián los próximos días 17 y 19 de junio, en ambos casos a las 20 h. Aquí los artistas no tendrán salida, podremos discutir con ellos y, lo puedo asegurar, tendrán que hablar.

Pedro Ordóñez: Iñaki y Aurelio, habéis vivido en varias ciudades. Roma, París, San Sebastián. Más allá de la formación: ¿qué creéis que os ha dejado cada una de ellas?

Aurélio Edler-Copes: La experiencia vital, las amistades, la posibilidad de conocer otras formas de vivir y de aprehender la realidad.

Iñaki Estrada: Las ciudades: te dejan la gente y la experiencia, el idioma, los afectos… es complejo. De Donosti tengo el arraigo, la tradición, dos idiomas… De París la experiencia, el hacer una mano a la música, los conciertos, la diversidad, ciertas amistades ¡y muchísima lluvia! también tengo el triste sentimiento de que lo que creí en su día diverso se está convirtiendo de a poco en un monopolio del IRCAM-Inter[Contemporain]. De Roma tengo la libertad, el aire y un cielo claro. Musicalmente no pasó nada, es una ciudad artísticamente echada muy p’atrás, una pena. Pero la experiencia con otros becarios, mis andanzas con la fotografía, la arquitectura… eso es algo que llevas siempre, aquello de la interdisciplinaridad (¡si es que aún sigue existiendo el palabro!).

Ah, de Londres: nada de nada, menudo chascazo el Royal College….

P.O.: ¿Pensáis que vuestra última obra es siempre la mejor?

A.E-C.: No necesariamente. Normalmente se dice que “la próxima será la mejor”. Tampoco lo creo. Pero la verdad es que me gustan mucho las que están todavía en la cabeza, en el mundo de las ideas, al mismo tiempo que me encanta que las ya escritas tengan vida y crezcan en las manos de los intérpretes.

I.E.: La última pieza no es la mejor o peor, pero es la que más denota las circunstancias del momento: intereses, fijaciones, descubrimientos propios o ajenos… Puede no ser la mejor, depende de dónde se sitúe en relación al proceso creativo que, normalmente, se desarrolla en más de una pieza. Mi trío Tangencias no es para nada mi mejor pieza pero sin ella no estaría ni de lejos donde estoy. Me hizo ver muchísimas cosas y avanzar o retroceder en ciertos lugares.

P.O.: Guardáis todo el material previo a la creación: borradores, bocetos, textos propios… ¿por qué?

A.E-C.: Todo no, pero bastante. Por una serie de razones… Quizás la partitura final sea tan sólo la “punta del iceberg”… Me gusta tener el registro del camino y de la investigación realizada en cada pieza.

I.E.: Y sí, lo guardo ¡todo, todo, todo!

P.O.: Sois conscientes de que utilizáis un lenguaje compositivo difícil de aprehender para la mayoría del público. ¿Creéis que es necesario conocer todo lo que rodea a una obra (técnica, aparato y justificaciones conceptuales, cualidades instrumentales…) para apreciarla o que es preciso dejar también lugar a lo instintivo

A.E-C.: No creo que sea difícil o, en todos casos, demasiado difícil de aprehenderlo. Tampoco me parece que haya que conocer todo lo que rodea a una obra para apreciarla. Cuando una obra nos arrebata, a un nivel profundo, no lo podemos explicar o justificar solamente a través de la razón.

I.E.: Lenguaje difícil… En primer lugar deberíamos aclarar si la música es un lenguaje, para mi nada de nada, no es siquiera discutible así que de ahí en adelante me baso n la interpretación de la pregunta: ¿que si lo que hacemos es incomprensible o difícil de entender? ¿Qué nos hace suponer que una persona aficionada a la música “entiende” una sonata de Mozart? Para mí una obra no se justifica por un texto, eso ha sido y es siempre aberrante. Puede entenderse mejor, pero los manifiestos siempre han sido un asunto más publicitario que otra cosa. Aclaras qué quieres hacer, por qué, y lo haces. Pero si el manifiesto se convierte en un manual de instrucciones es que tu música no sirve por sí misma… Tampoco me preocupa un público que en lugar de conocer busca reconocer. No es simplemente que no “entiendan” la música, tampoco lo hacen con el arte en general. La verdad es que no escribo más que para mí, así son las cosas. Tengo mis opiniones y mis afinidades. No me importa reconocer una buena partitura aunque deteste la estética. Y ahí está el error, asociar las filiaciones a la calidad.

P.O.: ¿Qué visión tenéis del pasado? ¿Cómo afrontáis la tradición académica y cómo os situáis en ella?

A.E-C.: El interés que pueda tener en episodios del pasado es algo que tiene más que ver con una curiosidad puntual que con la necesidad de seguir o dar continuidad a una serie de acontecimientos históricos. No obstante y por supuesto, mi trabajo es parte de una tradición musical –a la que debo mucho- y espero que pueda contribuir, a su manera, a enriquecerla y a llevarla aún más lejos.

I.E.: Estudié con José Luís Campana, alumno de Jacobo Ficher, a su vez alumno de Korsakov. Para mí la tradición es la base de la música. Todo es o se convierte en tradición. Lo que no lo hace simplemente no permanece largo tiempo, así de simple. Me sitúo como una línea más en el tiempo, un tiempo diferente, eso sí, pero básicamente con las mismas reglas. El contrapunto sigue vigente, la armonía… lo que cambia es la forma en que esos conceptos se interpretan tal y como ocurrió, por ejemplo, entre modalidad y tonalidad…

P.O.: ¿Estáis de acuerdo conmigo en que la voz sea quizás el instrumento que más cambios ha sufrido en el siglo XX-XI?

A.E-C.: Prácticamente todos los instrumentos de la cultura occidental han sido objeto de experimentaciones e investigaciones en el último siglo y la técnica instrumental, e incluso la lutería, en algunos casos ha avanzado considerablemente. No creo que la voz sea el que más haya cambiado, pero uno de los que más, eso seguramente.

I.E.: En cuanto a la voz: para nada! Escucha la voz en la ópera de Héctor Parra, ¿te parece un cambio tremendo respecto a cómo la usa Ravel en sus poemas de Mallarmé? La voz, más bien los cantantes, presenta una resistencia, que no un arraigo, tremenda. Claro que existen ejemplos puntuales pero, por poner un ejemplo absurdo: ¿dónde está el tratado de técnicas extendidas de la voz? Tienes el libro de Michael Edward y poco más. La voz en general, será cosa entre los cantantes y los compositores, no ha evolucionado a la altura de los demás instrumentos, a mi modo de ver. Claro que tenemos partituras como Thema, Stimmung… además de las del querido maestro de Aurelio Edler-Copes [Georges Aperghis], pero de ahí a que sea algo común, pues me parece que no… Habrá sufrido más cambios, pero es que no había sufrido cambio alguno… visto así?!?!?

P.O.: ¿Creéis que posible una “traducción” entre disciplinas? ¿Es posible relacionar arte, música y poesía más allá de sus limitaciones materiales hacia una convergencia interdisciplinar real? ¿Cómo es vuestra experiencia con artistas de otras disciplinas?

A.E-C.: “Traducción” quizás sea una palabra demasiado fuerte… “Diálogo” tal vez fuese más realista ya que no creo que se pueda, por ejemplo, “traducir” –en un sentido estricto- un cuadro o una poesía en música. No obstante creo que se pueden establecer paralelos o asociaciones entre diferentes disciplinas que permitan llegar a puntos de convergencia enriquecedores e interesantes artísticamente.

I.E.: La interdisciplinaridad, si es que el palabro existe, es posible, cómo no serlo. Todas las artes tienen puntos comunes y otros exclusivos. Crear puentes entre lo comunes así como servirse de los exclusivos no es para nada imposible. El asunto es, como siempre, equilibrar unos con otros. Yo he tenido experiencias con museos, con pintura, instalaciones… y lo que me llevo, más que el trabajo sonoro en si es la forma en que entiendo y entiende la otra parte el mismo trabajo o concepto, eso es lo que me enriquece. Eso mismo me ocurre con los instrumentistas, es otra disciplina al interior de la música….

Se me acaba la batería y ¡¡¡no tengo cargador!!! ¿Seguimos la discusión, o monodiscusión, en Donosti?

NOTAS

[1] Rafael Agredano, Texto fundacional de la Revista Figura, activa en Sevilla entre 1983 y 1986, citado en José Antonio Chacón, La Ruta del Arte Contemporáneo en Andalucía, Sevilla, Fundación José Manuel Lara, 2004, p. 115.

Información

Sala Club – Teatro Victoria Eugenia
República Argentina, 2
20004 – Donostia-San Sebastián
Tel: 943 481160
Fax: 943 481969
E-mail: victoria_eugenia@donostia.org
Web: http://www.victoriaeugenia.com

Referencias

• Web de Krater Ensemble
• Web de Aurélio Edler-Copes
• Blog de Iñaki Estrada

Este año están previstos varios eventos que permiten adivinar las líneas que irá desarrollando este apartado en futuras ediciones. Así, vamos a poder disfrutar durante la semana del Festival de proyecciones en la calle con música en directo, conciertos o puntos de exhibición y venta de BSO de compositores españoles, con presentaciones y coloquios que contarán con la asistencia de los mismos.

Desde un punto de vista más académico, se realizará un Cursillo en el Conservatorio Superior de Música. Por su parte, la Sede de la Universidad de Alicante acogerá los días 7 y 8 de Junio el primer Encuentro “Lo Sonoro en el audiovisual”, en el que especialistas universitarios o reconocidos profesionales de ámbito nacional desarrollarán ponencias relativas a la música o el sonido en el producto audiovisual, desde el cine hasta la publicidad o los videojuegos, abriendo un espacio a la reflexión e investigación, y cuyas conclusiones serán objeto de publicación. En este marco tendrá lugar la presentación de un novedoso trabajo de análisis musicológico del profesor y músico alicantino Vicente Ruiz.

El palmarés del Festival contará a partir de este año con un Premio dedicado a reconocer la obra de los más destacados profesionales de la disciplina. En esta edición será entregado a José Nieto, ganador de seis premios Goya y compositor de referencia en el cine español de los últimos años del siglo XX.

[Nota de prensa proporcionada por el Festival de Cine de Alicante]

Información

Festival de Cine de Alicante
Web: http://www.festivaldealicante.com
Sede: FuturaFilms Producciones Audiovisuales
Tel: 670346194
E-mail: info@festivaldealicante.com

Referencias

• Información sobre la sección de Música para la Imagen
• Programa Street Music en PDF [enlace externo]

Para otorgarles la trascendencia que merecen estos términos, Vertixe Sonora Ensemble, agrupación en la cual recaerá la interpretación, convoca  cuatro conciertos, cada uno de los cuales enfocará su programa en uno de estos principios, y contarán con la participación de una personalidad invitada relacionada con el programa propuesto. Además, el ciclo contará con la intervención en cada uno de los encuentros, del músico y musicólogo Emilio Lede, que contextualizará cada una de las propuestas sonoras de una forma didáctica y amena.

Vertixe Sonora, formado por artistas sonoros, artistas plásticos, músicos de jazz, intérpretes clásicos y personalidades del mundo de la danza y el teatro, dedica su actividad musical, desde su creación, a la difusión y la reflexión en torno a la música contemporánea así como a promover la creación actual a través de la interacción vanguardista de la ciencia, el arte, la música y el pensamiento contemporáneos, tal como queda reflejado en este nuevo ciclo de conciertos.

Do Audible transcurrirá entre los días 2 de junio y 13 de noviembre en distintas ciudades de Galicia, siendo la entrada completamente libre y gratuita hasta completar aforo en pos de acercar la esencia de la música contemporánea a un público lo más general posible.

El programa

El Museo de Belas Artes de A Coruña será el escenario del primero de los cuatro conciertos que conforman el ciclo. El domingo 2 de junio a las 12h., el programa Palabras, palabras, palabras… contará con la participación de la poetisa y cantante Maite Dono, galardonada con el Primer Premio Internacional Libros del Egoísta y el Premio Esquío de Poesía en Lengua Galega, que nos acercará al punto en el que palabra y sonido confluyen a través de resonancias fónicas, las inflexiones del habla, el ritmo o la entonación con el propósito de enardecer nuestros sentidos. Vertixe sonora Ensemble interpretará en este primer concierto obras de Peter Ablinger, Arturo Fuentes y Fran MM Cabeza de Vaca.

El miércoles 19 de junio a las 20h., Vertixe Sonora Ensemble se trasladará al Liceo de Ourense, donde tendrá lugar el segundo concierto del ciclo. Bajo el título Visións Sonoras, este segundo programa tiene como objetivo indagar en nuestra experiencia perceptiva y la profunda relación que guardan la música y las artes visuales en nuestra época. Casi es posible afirmar que en el ámbito de las artes contemporáneas, el audiovisual es el producto de mayor envergadura. En esta ocasión en la que la música realiza un recorrido por el sonido y lo visual, la intervención recaerá en manos de José Antonio Lamas, profesor del departamento de Neurociencia, quien nos hará una breve introducción sobre la sinestesia, la percepción conjunta de varios sentidos, hacia la cual ha surgido un renovado interés debido al crecimiento de la experimentación audiovisual y la era digital. Vertixe Sonora interpretará en esta ocasión obras de Pierre Jodlowsky y Pedro García Velásquez.

El siguiente encuentro no se producirá hasta el miércoles 6 de noviembre en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra. El programa O son natural hace referencia a la corriente artística Land Art, término acuñado por primera vez a finales de la década de los sesenta por el escultor y compositor americano Walter de María y las obras de los compositores que conforman este programa (Esalas Järnegard, Alexander Khuebeev, Jacobo Gaspar y José María Sánchez Verdú) son claros referentes de este pensamiento contemporáneo. El invitado de este tercer concierto será el artista Fernando Casás, que nos describirá las interrelaciones entre la práctica artística y el entorno natural.

El último concierto del ciclo será el miércoles 13 de noviembre a las 20h., en la Casa do Saber de Lugo. Espacio y música han estado íntimamente relacionados desde que cabe recordar. Testigos de ello son los numerosísimos mitos y leyendas que existen en torno a la música y la arquitectura desde la antigüedad. Pero el pensamiento contemporáneo le ha conferido un tratamiento especial a esta interacción. Autores como Xenakis, Stockhausen, Boulez o Lucier no solo han mantenido presente la idea espacial de la música sino que han hecho uso de elementos sonoros acústicos propios del espacio como la resonancia y la reverberación, convirtiéndolos en componentes esenciales en la composición y creación musical. El arquitecto Alfredo Sirvent tratará, en este último encuentro, la configuración arquitectónica de los espacios de recepción de la música. Vertixe Sonora clausurará este ciclo de conciertos con la interpretación de obras de Manuel Rodríguez Valenzuela, Ramón Souto, y uno de los mayores referentes contemporáneos de la relación entre música y espacio: Iannis Xenakis.

Referencias

• Web de Vertixe Sonora Ensemble
• Web de la Xunta de Galicia

Impartido por Chefa Alonso, profesional docente con amplia experiencia, saxofonista y percusionista de free jazz e improvisación libre, compositora de música teatral y danza, directora de orquestas de improvisadores, doctora en improvisación libre y composición por la Universidad de Brunel (Londres) y fundadora y, en una primera etapa, directora de la orquesta de improvisadores de Andalucía, Entenguerengue, perteneciendo también a otras formaciones como FOCO (orquesta de la Asociación Musicalibre) u OMEGA (Orquesta de Música Espontánea de Galicia).

Las instalaciones de la librería alternativa Enclave de libros acogen el evento en su espacio formativo los próximos 24, 25, 26 de mayo de 2013, con una duración de 12 horas: el viernes, de 18 a 21 h.; el sábado, de 11 a 14 h. y de 16 a 19 h.; y el domingo, de 11 a 14 h. Para inscribirse, se recuerda que es imprescindible llevar al curso un instrumento de expresión artística (instrumental musical, corporal, textual…) y reservar su plaza por correo o por teléfono antes del domingo 19 de mayo, el aforo se limita a un máximo de 20 personas. El precio del curso completo es de 65 euros por persona.

Información

Librería Asociación Cultural – Enclave de libros
C/ Relatores 16
28012 – Madrid
Tel: 913 694 649
E-mail: enclavedelibros@hotmail.com
Blog: enclavedelibros.blogspot.com.es

Referencias

• Blog de Chefa Alonso
• Blog de Talleres de Chefa Alonso

En esta ocasión, el proceso creativo generado por los músicos de la orquesta -Luisa Mora (flauta), Tony Bárbara (saxofón), Pedro Cortejosa (saxofón), Gustavo Domínguez (clarinete), Eloísa Cantón (violín), Marta González Pisonero (viola), Carmen García (violonchelo), Raúl Cantizano (guitarra flamenca), Alejandro Rojas-Marcos (teclado), Javier F. Berrocal (guitarra eléctrica), Antonio Murga (guitarra eléctrica), Sergio Rojas-Marcos (bajo eléctrico), Emilio Salvatierra (percusión), Sancho Campos (percusión)- interacciona con el de los pintores –Maite Béjar, Blanca Orozco, Chema Rodríguez-, generando una performance colectiva en un espacio artesanal multidisciplinar de Sevilla, Rompemoldes, antiguo corral de artesanos recientemente rehabilitado por el Ayuntamiento de Sevilla para fomentar la artesanía de la zona, recuperar antiguos oficios en decadencia y fomentar actividades artísticas contemporáneas. Un espacio de trabajo común, de venta directa, de muestras y exposiciones que recoge un conjunto de dieciocho talleres especializados en distintas disciplinas artesanas trabajando de forma independiente y en proyectos comunes en este singular recinto.

La cita es el domingo 19 de mayo de 2013 a las 12,30 h., y el precio de entrada es voluntario.

Información

Espacio de Creación Artesanal – Rompemoldes
C/ San Luis 70
41003 – Sevilla
E-mail: info@rompemoldes.com
Web: http://rompemoldes.com

Referencias

• Web de Entenguerengue
• Web de Maite Béjar
• Web de Blanca Orozco
• Web de Chema Rodríguez

Este concierto, de carácter programático, tendrá lugar el viernes 19 de abril a las 19,30 h., en el Museo de Navarra. Las obras que han inspirado la creación de los dos autores son Sentimiento trágico (piano), Apología interna (dúo de guitarras), Bihurrikeritan, inspirada en la serie de tintas sobre papel “El periódico”, (acordeón y guitarra), Autoconciencia (saxofón soprano y acordeón), y El muro /Klavierquartett (piano, clarinete, oboe y flauta). El Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK (iniciativa privada sin ánimo de lucro creada en Pamplona en 2010 con el objetivo de promover, estudiar y difundir obras de nueva creación) ofrece Oroitzapenak (acordeón) y Argirantz (acordeón), dos obras pertenecientes a proyectos recientes que completarán el programa de este concierto.

A los datos biográficos del autor y su influencia en el arte contemporáneo del siglo XX, se le añadirán comentarios explicativos de los autores sobre la interpretación de las obras que le otorgarán un carácter didáctico al concierto. Las profesoras Francesca Croccolino y Nekane Iturrioz coordinan el conjunto de cámara, en cuyas manos recae la interpretación de estas siete obras, formado por nueve estudiantes de grado superior del Consevatorio Superior de Navarra: Iñigo Mikeleiz (acordeón), Maite Martínez de San Vicente (piano), Juan Cazcarra (acordeón), Ander Percaz (guitarra), Mikel Auzmendi (guitarra),  Enric Martí (saxofón soprano), Adrián Hernández (clarinete), Irene Ruiz (flauta) y Gabriel Atienza (oboe).

La entrada es gratuita y se realizará una segunda interpretación del programa el martes 30 de abril a las 19 h., en el Auditorio “Fernando Remacha” de la Ciudad de la Música. La organización de este concierto didáctico ha contado con la colaboración del Museo de Navarra, CTL Escuela de Imagen y Sonido, Conservatorio Superior de Navarra, Centro de Música Contemporánea GARAIKIDEAK y de la familia Martín-Caro y Soto.

Información

Museo de Navarra. Sala Julio Martín-Caro
Cuesta de Santo Domingo, 47
31001 Pamplona
Navarra
Tel: 848 42 64 92

Referencias

• Biografía de Julio Martín-Caro
• Blog del Centro de Música Contemporánea Garaikideak

Dirigido por el pianista y director de orquesta Jean-Pierre Dupuy, esta tercera edición del TIMC se celebra, por segundo año consecutivo, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Será los días viernes 15 y sábado 16 de febrero, y tendrá como compositores invitados a Anna Bofill, Edith Alonso, Consuelo Díez, Alfonso Casanova y José Luis Carles.

Además del trabajo entre compositores e intérpretes, el TIMC prevee la realización de una interesante actividad: se trata de una composición mixta para piano, electroacústica, imágenes y textos, cuyo proceso de creación se desarrollará entre enero y septiembre de 2013. En una primera fase se trabajará la parte electroacústica a partir de grabaciones del sonido del piano con fragmentos interpretados por el pianista Jean Pierre Dupuy. Estas grabaciones servirán para crear una serie de materiales sonoros electroacústicos que irán superponiéndose y combinándose a modo de orquestación con la partitura escrita para piano. Al mismo tiempo, en torno a la idea de tiempo, se irán recogiendo textos, dibujos, verbalizaciones, mediante grabaciones de sonido e imágenes, a partir de entrevistas a distintos grupos de personas.

En definitiva,

PROGRAMA

Viernes 15 de febrero
Clases magistrales de interpretación

9 a 11 h.: Olivier Messiaen: Modo de valores e intensidades. Anton Webern: Variaciones Opus 27.
Intérprete: Jessica Sempere (piano)

11 a 12 h.: Anna Bofill: El silencio transcurre.
Intérprete: Jean-Pierre Dupuy (piano)

12 a 14 h.: Franco Donatoni: Clair. Elliot Carter: GRA
Intérprete: Eduardo Molero (clarinete)

14 a 15 h.: Olivier Messiaen: Cantéyodjayá
Intérprete: Idoia Rodríguez (piano)

Sábado 16 de febrero

9 a 11 h.: Edith Alonso: La bóveda celeste (música mixta con dispositivo electroacústico)
Intérprete: María Jesús Egido (piano)

11 a 12 h.: Consuelo Díez: Magma (música mixta con dispositivo electroacústico)
Intérprete: Idoia Rodríguez (piano)

12 a 13 h.: Alfonso Casanova: Breverías (piano solo)
Intérprete: Jean-Pierre Dupuy (piano)

13 a 15 h.: Estratos temporales – Lazos temporales (multimedia)
Compositor: José Luis Carles. Imágenes: Cristina Palmese. Textos: Lola Martínez. Dirección: Jean-Pierre Dupuy.
Intérpretes: alumnos del taller, Jean-Pierre Dupuy y Rafael Vargas de Prado

Información

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Alcalá, 13
28014 Madrid
Teléfono: +34 91-524 08 64
Fax: +34 91-524 10 34
Web: http://www.realacademiabellasartessanfernando.com

Referencias

• Información sobre el taller en la Real Academia de BBAA de San Fernando
• Web de Jean-Pierre Dupuy

Bitácora nos invita a vivir una aventura, de poco más de una hora de duración, en la que el espectador se fundirá con la naturaleza y se emocionará con la sensualidad y belleza de los elementos que tienen cabida en esta obra. Imágenes y sonidos ambientales y electrónicos se entrelazarán con poesía, el piano de Prisuelos y los sugestivos movimientos de López Gabarró. El público se verá inmerso en una amalgama de emociones humanas diversas y, en ocasiones, contradictorias. Este drama, de conmovedora profundidad, mantendrá al espectador expectante desde el primer acorde hasta el último.

La obra se representará el 2 de febrero del 2013 a las 19,30 h. en el Auditorio Centro de Arte de Alcobendas.

Información

Auditorio Centro de Arte
C/ Mariano Sebastian Izuel, 9
28100 Alcobendas, MADRID
Tel:  (34) 91 229 49 40
Web: www.centrodeartealcobendas.org

Referencias

• Tumblr de Hermes Luaces
• Web de Mario Prisuelos

Este año las Jornadas se celebran, por primera vez, en el marco de La Cárcel, concretamente en la Sala Ex.Presa de este nuevo centro cultural que fue la antigua prisión provincial ahora rehabilitada en un espacio multidisciplinar dedicado a fomentar la creación artística.

La inauguración del festival será el jueves 1 de noviembre a las 12,30 h. a cargo del Dúo Santos-Rivas y el Trío Dæxis, con un programa de cámara dedicado a la primera mitad del siglo XX en el que estas formaciones segovianas interpretarán, cada una en una parte del concierto, obras de Claude Debussy, Prokofiev, Milhaud, Charles Ives, Aram Khachaturian.

El siguiente día será el dedicado a su director Flores Chaviano, y se podrá asistir al estreno de dos obras del compositor: Segovia de Leyenda y  Brisas de Caibarién. El programa incluye, además, la que quizá es la obra más reconocida a nivel internacional de Chaviano, La cubanita, que será interpretada por uno de los grandes intérpretes guitarrísticos de nuestro tiempo, J. Antonio García Fuertes, que también nos ofrecerá otras dos piezas: Son número 3 y Quasi una canción. Igualmente se podrán escuchar las piezas Escenas de Yoruba, interpretada conjuntamente por el Antiguo y el Nuevo Ensemble de Segovia, así como otras tres obras para instrumento solo que abrirán el concierto: La ciudad, para saxofón alto, Oru de igbodú, para marimba, y Son de Noviembre, para clarinete bajo.

La jornada del sábado 3 comenzará a las 19,30 h. con el programa de improvisación “Dialogus in Musica” del que hablamos más adelante y con “Improvisaciones a dos pianistas”, una presentación del disco de Marisa Manchado Torres y Ana Vega Toscano, también dedicado a la improvisación, esta vez en conexión con algunos aspectos de las filosofías orientales.

El TMC12 (Taller de Música Contemporánea de Segovia) y el Aula de Música Contemporanea del Conservatorio Profesional de Música de Segovia serán los encargados de cerrar las Jornadas, el domingo 4 a las 12,30 h., con un programa internacional que incluye obras de John Cage, Eugène Bozza, Patrice Sciortino, György Ligeti y Vinko Globokar, y una improvisación final.

Protagonismo de la improvisación y lo interdisciplinar

Un aspecto que resalta de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia es que en la mayor parte de sus programas se proponen encuentros con otras artes. Así, el concierto inaugural tendrá, junto al Dúo Santos-Rivas la presencia de la videocreación de Tinkers, y con el Trío Dæxis, la proyección de las pinturas de Emilio Zaldívar. El concierto homenaje a Flores Chaviano tendrá integrada action painting de Raquel Bartolomé, la danza de la compañía Camille Hanson y la videoproyección de Carolina Uñón. Y las proyecciones de Antoni Campuzano estarán presentes en el concierto de Marisa Manchado y Ana Vega Toscano del día 3.

Este aspecto interdisciplinar se une a la presencia muy relevante de la improvisación, presente, como hemos visto, en buena parte de los programas planteados a lo largo de las Jornadas, con la participación del Aula de Improvisación del Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza de Madrid, el día 3 en un acto titulado “Dialogus in Musica”, previo al concierto de Manchado-Vega Toscano, y que se prolongará desde las 00,30 h. a la madrugada en una nueva sesión en la Sala Beat titulada “Contemporanean Session”. El cierre del ciclo estará igualmente protagonizado por la improvisación contemporánea, en este caso Big Bang-Big Crunch que realizará el Aula de Música Contemporánea del Conservatorio Profesional de Música de Segovia para despedir su concierto.

Informacion

LA CÁRCEL_Segovia Centro de Creación
Av. Juan Carlos I, s/n
40004 Segovia
Tel: 921 466 706 (Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Segovia)
E-mail: info@lacarceldesegovia.com
Web: http://www.lacarceldesegovia.com

Referencias

• Información en la web de LA CÁRCEL
• Programa de las Jornadas en PDF
• Cartel de las Jornadas en PDF [enlace externo]
• Biografía de Flores Chaviano en la Wikipedia
• Web del Trío Dæxis
• Conservatorio Profesional de Música Teresa Berganza
• Conservatorio Profesional de Música de Segovia