Por tanto, el olvido es necesario para no ponerse lírico y alabar el esfuerzo sin mirada crítica. Pues Títeres Etcétera, la compañía granadina responsable de este espectáculo, ya han demostrado con creces varias cosas. A saber, su buen oído musical y su conocimiento del medio teatral, tanto de pequeño como de gran formato. Cualidades que hace que cualquier teatro en España los quiera programar y más los teatros o festivales musicales, deseosos de que los niños se acerquen a ellos. Y en vez de fast food, ofrecerles platos gourmet o food for though, pues esas pequeñas cabecitas, y las grandes que las acompañan, también piensan. Así que no es de extrañar que Rita Consentino, la responsable del programa pedagógico del Teatro Real, embarcara al teatro en esta producción. Y que la compañía le propusiese esta obra de uno de los compositores ya olvidados, pero que los estudiosos siguen teniendo en consideración por el trabajo que realizó con los ritmos e intereses musicales de finales del XIX y primera mitad del XX. Tiempos en los que se desarrolló una gran parte del repertorio actual que se escucha en los teatros de ópera.

Empecemos, pues, con el cuento de este pequeño sastre que pasó de matar a siete moscas a luchar con un jabalí, dos gigantes y un unicornio que amenazaban el reino. Un cuento que nos cuentan dos actrices que hacen de sastras del teatro y una pequeña orquesta surgida del taller, en el que los operarios y aprendices saben tocar un instrumento. Incluso alguno es capaz de dirigir una orquesta con una aguja de hacer punto, encarnado por el director orquesta Tim Anderson. Y a partir de ahí, la desbordante imaginación de Etcétera, construye un sastrecillo, un rey, una reina, una princesa, un jabalí, dos gigantes (uno de los mejores hallazgos escénicos de la obra), un unicornio y todo un pueblo sobre la mesa en la que se cosen, se arreglan y se planchan los trajes que se usan en el teatro. Delante del público. Como si fuera sencillo, fácil, imaginar lo que nos están mostrando cómo lo están mostrando. De tal manera que, si no fuera porque alguna vez que otra la pequeña y estupenda orquesta (en la que suena bien hasta la percusión, punto flaco habitual de la formación titular de este teatro) opaca la voz microfonada de las actrices que cuentan el cuento, dos sastras interpretadas por Noche Diéguez y Yanisbel Victoria Martínez, el espectáculo musical, que no se olvide, sería técnicamente perfecto.

Tal vez se eche de menos una pizca más del corazón y del alma que Etcétera suele poner habitualmente en sus espectáculos y que seguramente irá adquiriendo a medida forme parte de su repertorio. Algo que no notan los pequeños espectadores que junto a sus padres han llegado pertrechados de ropa de abrigo esta fría mañana de estreno y salen con las pilas puestas, deseando seguir disfrutando con todo el attrezzo de otras producciones que el teatro ha sacado a la venta y expone en el lobby, los pasillos y las escaleras. Una vitalidad recibida por el personal de sala con sonrisas y caras llenas de contento de haber abierto las puertas y haber casi llenado la sala grande del teatro. Pues ven como los mayores van dando el testigo y los pequeños empiezan a tomarlo con normalidad. Igualando el ir a la ópera a jugar en el patio, a darle patadas a un balón o vestir princesas, jugar en la tablet y hasta, tan normal y cotidiano, como hacer los deberes, comer, dormir y soñar. Niños y niñas convertidos en pequeños sastrecillos y sastrecillas valientes que han descubierto, gracias a esta obra musical, que el ser pequeños no les hace menos fuertes, ya que la fuerza reside en la inteligencia y en la sensibilidad. Y esa es la fuerza de este montaje y de la pequeña gran compañía de Enrique Lanz que lo sube a escena.

Referencias

• Web de El sastrecillo saliente – Teatro Real (en español e inglés)
• Guía pedagógica para la obra El sastrecillo valiente del Teatro Real (en español)
• Reportaje de TVE sobre El sastrecillo valiente en el Teatro Real (en español)
• Web de la compañía Títeres Etcétera (en español e inglés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (1ª parte) (en holandés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (2ª parte) (en holandés)

Chefa Alonso es una de las improvi- sadoras de mayor trayectoria en España, y colabora habitualmente en proyectos de índole multidisciplinar, especialmente en aquellos en los que está involucrada la poesía. Por su parte, Rocío Cerón es una poeta y artista sonora que trabaja igualmente en contextos multidisciplinares.

Información

Librería Asociación Cultural – Enclave de libros
C/ Relatores 16
28012 – Madrid
Tel: 913 694 649
E-mail: enclavedelibros@hotmail.com
Blog: enclavedelibros.blogspot.com.es

Referencias

• Blog de Chefa Alonso
• Web de Rocío Cerón

Esta vez, el descoloque no ha producido el escándalo habitual. Seguramente, calmadas como están las masas operísticas españolas sabiendo que este será el último año de Mortier como director artístico del teatro y que ya hay otro para enderezar, dentro de lo posible y del gusto masivo, la herencia que ha dejado. Herencia, sí, puesto que las temporadas operísticas hay que realizarlas con varios años de antelación por los compromisos alrededor del mundo que tienen directores musicales, directores escénicos y, sobre todo, cantantes.

El caso es que el aplauso del día del estreno fue más bien tibio, aunque insistente y apasionado por unos cuantos espectadores. Los suficientes para hacer sentir al equipo artístico satisfacción por el trabajo hecho. Lo que contrastaba con el día del ensayo general con público. Día en el que el teatro estalló en bravos y aplausos sinceros desde el momento en que acabó la representación, aunque ni la voz ni la actuación del barítono Holger Falk, que hace de Cortez en el segundo reparto, acompañaran pero que tiene la presencia que le falta a Georg Nigl (aunque este brilla por la voz y sus capacidades interpretativas). Día de ensayo en el que se encontraba Xavier Güell, el director del festival español de ópera contemporánea, Operadhoy. Y de nuevo, en el día del estreno, se oía a la salida la eterna, e inútil, discusión ¿es o no es una ópera?

Sin embargo, cualquiera que entre en el teatro, se siente en su butaca y se olvide de todo este ruido, se encuentra ante una obra que destaca por lo musical. Por la tradición con la que está hecha y por la contemporaneidad que incorpora. No hay pocos momentos, tal como se muestran en escena y se escuchan en el teatro, en los que se pudiese olvidar el apellido de contemporánea que se le pone a esta ópera. Por ejemplo, los aparentes dúos entre Cortés y Moctezuma o sus también aparentes arias. Es cierto, que esta obra no es ajena a esa investigación técnica sobre el sonido y su percepción que vienen desarrollando muchos músicos y otros indagadores del entorno sonoro desde hace bastantes años y que sigue hoy en día. Músicos que, como siempre ha ocurrido, no son ajenos a una reflexión alimentada por las noticias que de su mundo dan otros artistas, pensadores y, ahora, ingenieros y científicos (es falsa la tradición española de separar entre ciencias y letras). Pues esa y no otra es la contemporaneidad de Wolfgang Rihm o, al menos, la que muestra esta obra. De tal manera que uno escucha esta Conquista de México y se encuentra presente en lo musical pero ausente de un texto y de una palabra, cuya conexión dramática con el espectador se produce en un plano poético. Un plano en el que lo dicho literalmente produce una extrañeza, un enigma, para la consciencia y una relación, una verdad, tal vez, para la inconsciencia. Donde el reprimido y el que reprime coinciden en la misma persona, en el espectador que sentado en el teatro se escucha y se ve hoy. No en otro tiempo o con otros gestos, que se dieron antes, y que mantiene al haber sido educado en ellos para explicarse el mundo. Explicaciones y gestos que han sido ya modificados por nuevas incorporaciones de lo que la humanidad ha aprendido, ha comprendido y ha sido capaz de hacer, para bien o para mal. Una verdad incómoda, pues nos hace responsables únicos de lo que somos y de lo que hacemos, y que, como siempre ha hecho la ópera, esta obra es capaz de mostrarla con una belleza dramática.

Los momentos comentados en el párrafo anterior son perfectamente entendidos por el director  musical, Alejo Pérez, que conduce la orquesta desperdigada por el teatro y saca lo mejor de la percusión de la orquesta que normalmente defrauda y que en este caso pone notas de calidad al espectáculo. A la que las voces grabadas del coro impone un tiempo y un tempo que cumplir.

Más controvertidas son la dirección de escena de Pierre Audi y la escenografía de Alexander Polzin. A veces deudoras de un cierto toque performativo o de happening del flower power de los sesenta y setenta del siglo pasado. O por el uso acrítico de los típicos recursos que se relacionan con lo contemporáneo y que a veces sirven para parodiarlo. Como son la utilización de luces de colores psicodélicas y del teatro noh (esa bailarina japonesa que representa a Malinche). Algo que sucede al principio, augurando lo peor, pero que en el desarrollo del montaje van matizando, combatiendo, y venciendo todas las resistencias de este tipo de montaje para construir la historia sin anécdota que sirve Rihm. Donde la luz, el color y la espectacularidad de lo clásico hacen eco en lo que se ve en escena, como ese traje dorado de Moctezuma. O ese telúrico anochecer en el que Moctezuma tiene una revelación o intuición de lo que va a suceder, de la pérdida, de su perdida frente a un mundo que a la vez le fascina.

Sin embargo, no está La Conquista de México tan anclada en el hecho histórico al que hace referencia. No, no es inocente que Moctezuma sea en la partitura una soprano aguda y Cortés un barítono. No, no es inocente que todos los indígenas de México sean mujeres y todos los soldados y buscavidas que acompañan a Cortés sean hombres. Ese hecho musical y artístico ponen en escena la guerra de sexos en la que nos encontramos inmersos ahora, aquí, desde hace varios años. Una batalla absurda donde las haya en la que todos tenemos mucho que perder. Pues siempre que hay batallas, hay guerras, y en la cultura humana, en la civilización de los hombres, la única forma de vencer esta y cualquier otra guerra es “produciendo un terrible feminicidio” o  creando “una hembra terrible”, dos de los versos que cantan los protagonistas. Cuando “Masculino. Femenino. Neutro.” da igual. Ya que, como seres con capacidad de amar, los humanos necesitan al otro, al diferente, al que le hace diverso y distinto. Al que le hace atractivo. Pues ganar la guerra, deja al ser humano abandonado y solo. Una tragedia de la que los individuos, los ciudadanos, nos debemos liberar, aceptando la diversidad. También, la diversidad musical si no queremos hacer verdad que solo las flores y los cantos permanecen como canta el coro en esta ópera. Demos la bienvenida a una obra que ha tardado tanto en llegar a la cartelera española después de su duradero éxito en Alemania. Agotemos las entradas. Pues la diversidad nos hará libres. Libertad para encontrar el oro de Rihm, y de otros muchos compositores que no se creyeron eso de que la ópera ha muerto, y la mantienen viva y coleando.

Enlaces relacionados

• Web de La Conquista de México – Teatro Real (en español)
• Vídeo promocional de La Conquista de México (en inglés subtitulado en español)
• Análisis de La conquista de México de W. Rhim por José Luis Téllez (en español)
• Wolfgang Rhim: Die Eroberung von Mexico en versión de Ingo Metzmacher (disco)

Dentro de las propuestas programadas para este año se incluyen conciertos, conferencias, talleres, presentaciones de discos y foros de debate, así como los más destacados expositores. Una de las iniciativas de Sound-In ha sido crear vínculos entre la creación nacional y la iberoamericana, por lo que han sido invitados relevantes artistas del panorama musical actual peruano. Asimismo, el panorama vasco será representado mediante dos proyectos que reflejan las perspectivas del arte sonoro y experimental en esta región. La tecnología musical ha tenido un espacio importante en esta citación, en el que se ha podido conocer los últimos equipos de sonido así como sintetizadores e instalaciones sonoras.

La programación

La presente edición comenzaba el jueves 10 de octubre con una “Demo-performance” de Deivhook & Yamaha DTX; al mismo tiempo en otra sala se realizaba el “Taller Impro-Music” por Beatmac. Una hora más tarde tenía lugar “Poesía UZI”, de Olivier Boigandreau. Continuaría con “Ableton Live” en directo, y la jornada acababa con La geometría y el temblor, Música \ Poesía \ Arte en escena, una propuesta interdisciplinar con música de Sergio Blardony y Edith Alonso, textos de Pilar Martín Gila y Juan Carlos Suñén, con la interpretación de Prado Pinilla (actriz), Andrés Gomis (saxofones) y Antony Maubert (electroacústica), bajo la puesta en escena de la artista plástica Marta Azparren.

El segundo día, viernes 11, comenzaba con “Instrumentos híbridos: la visión francesa de Arturia”, para continuar con “Innovación espectral: síntesis VA con KORG KingKORG y la resurrección analógica de MS-20 mini”. Tras ello, pudimos asistir a “Creación musical con Ableton Live, en el estudio o en directo”; seguido por “Theremin: magia sonora y virtuosismo expresivo”. Y la mañana finalizaba con “Moog: las señales de la síntesis”, y “Diseño sonoro con modelado analógico -los sintes de Novation”.

Por la tarde tuvo lugar la presentación de “SIERRA, centro de arte, investigación y producción artística intermedia en entorno natural”, con sus directores, Victoria Rodríguez y Rubén Barroso. En otra sala se llevaba a cabo un “Taller Impro-Music”, impartido por Beatmac. Más tarde podiamos asistir a la presentación de “Mute Sound Records”, con el director, Pedro Bericat. Avanzada la tarde pudimos acudir a”Beatbox Live Looping, el show de Beatmac”, y después, “Desde la crisis: ruidos y experiencia en la música experimental peruana”, con Luis Alvarado (comisario, investigador, productor discográfico y director de Buh Records). El día terminó con la proyección del documental Ruido vulgar: extremos sonoros en Lima, con la presencia de su director, Luis Alvarado.

El sábado 12 comenzó con una mesa redonda titulada “Producción y difusión del arte sonoro y las músicas experimentales”, con Xabier Erkizia, Montserrat Palacios, Luis Alvarado y Adolfo Núñez, y actuando como moderador: Miguel Álvarez-Fernández. Más tarde, tuvo lugar la propuesta “Chernóbil: ecos audiovisuales del accidente nuclear”, con Joan Cerezo (investigador y coleccionista de sintetizadores analógicos). La tarde empezó con un taller “Diseña tu propio sintetizador Atari Punk Console-LFO”, impartido por Noiseandroid. Y continuaba con la presentación del disco “Homenaje a Aram Slobodian”, que recopila –por primera vez en formato CD- piezas del compositor armenio, junto a obras de nueva creación compuestas por socios y simpatizantes de la AMEE. Con Josep Lluís Galiana (miembro de la Junta Directiva de la AMEE) y los investigadores expertos en la obra de Slobodian Rubén Gutiérrez del Castillo, Ferrer-Molina y Miguel Álvarez-Fernández (comisario del proyecto). Mientras tanto, pudimos asistir al taller Impro-Music, impartido por Beatmac. Una hora más tarde tuvo lugar la presentación del disco “Rostros en la multitud” de Edith Alonso, editado por Luscinia Discos, en el contó con la presencia de la compositora, del productor José Iges y de la directora de la discográfica, Sarah Vacher. A las 18,30 h. tuvo lugar la presentación del disco “Transitions”, de Avelino Saavedra y Josep Lluís Galiana, editado por Luscinia Discos. Con la presencia de los artistas y Sarah Vacher.

A las 19 h. tuvo lugar el concierto de Avelino Saavedra, Josep Lluís Galiana y Edith Alonso; a las 20 h. el concierto “Proyecto Sirius 2013″: Ensemble Sinkro. A las 21 h. el concierto “Music for two singers”: Montserrat Palacios, y para las 21,30 h. la performance ELECTROJABUGO  (GASTROSOUNDSMÁQUINADANSE), de Rubén Barroso. A las 22 h. el concierto de Pedro Bericat y Marisa Pons, y a las 22,30 h. el concierto “Jardín”, con Raúl Gómez.

El cierre de Sound-In tiene lugar hoy domingo con un buen conjunto de actividades: a las 12 h. presentación de “El Compositor Habla”, con su directora Ruth Prieto. A las 12 h. el taller “Diseña tu propio sintetizador Drawradio”, impartido por Noiseandroid. A las 13 h. presentación de “SONM, La Fonoteca de Arte Sonoro y Música Experimental” del Centro Puertas de Castilla (Murcia), con Jesús de la Peña, director y Susana López, coordinadora. A la misma hora, presentación de los trabajos de los alumnos del “Taller Impro-Music”, impartido por Beatmac. Ya por la tarde, a las 17 h. Korg presentará “Gadgets sonoros con posibilidades extremas: las gamas KORG Volca y Monotron/ Monotribe”. A las 17,30 la misma marca  de sintetizadores presenta “Innovación espectral: síntesis VA con KORG KingKORG y la resurrección analógica de MS-20 mini”. A las 18 h. ZentralMedia presenta “Creación musical con Ableton Live, en el estudio o en directo”. Media hora más tarde FutureMusic presentará “Theremin: magia sonora y virtuosismo expresivo”. A las 19 h. FutureMusic presenta “Moog: las señales de la síntesis”. A las 19,30 Yamaha presenta “Magia audiovisual con Tenori-On”. ZentralMedia presenta a las 20 h. “Instrumentos híbridos: la visión francesa de Arturia”. Y la jornada y la feria finalizará a las 20,30 h. con la presentación Diseño sonoro con modelado analógico, los sintes de Novation” a cargo de ZentralMedia.

En conclusión, un paseo por diferentes aspectos del arte sonoro y la música electroacústica (y sus derivaciones), sumado a una buena cantidad de demostraciones comerciales, talleres didácticos, y otros interesantes eventos.

Información

Sound-In, Feria ESTAMPA
Matadero de Madrid
Plaza de Legazpi, 8
28045 – Madrid
E-mail: sound-in@estampa.org / info@mataderomadrid.org
Web: http://www.mataderomadrid.org

Referencias

• Web de Sound-In
• Web Estampa
• Programa completo

“La geometría y el temblor” propone el diálogo entre disciplinas, tomando como punto de partida una idea vertebradora: la creación de una geometría y su puesta en movimiento. A partir de esta premisa se desarrollan dos obras musicales y una videocreación.

La primera pieza, Entre el murmullo y el vuelo, escrita por Sergio Blardony a partir del poemario Ordet (Amargord, 2012) de Pilar Martín Gila, para actriz, saxofones soprano y bajo y electrónica, traza su discurso mediante una serie de estratos desencadenados por la recitación y la electrónica, una urdimbre de voces del pasado presentada en diálogos imposibles. En un plano distinto y observante, el saxofón solista, a través del ruido, el silencio o el aire, busca conexiones entre ellos.

La segunda obra, Lo que empieza a ser contorno de Edith Alonso sobre el libro de poemas La habitación amarilla (Barthleby, 2012) de Juan Carlos Suñén, está concebida para actriz, saxofón bajo e intérprete electroacústico en escena, y alterna partes escritas con improvisadas, siguiendo una interpretación libre del discurrir del texto poético. Las partes improvisadas exploran un mundo que palpita en los umbrales del presente, en la renovación continua del instante.

Como tránsito entre estas dos obras, aparece la videocreación Tracto, pieza de Marta Azparren –la cual realiza también la puesta en escena- con música de Sergio Blardony, en la cual se explora el interior de un saxofón bajo, como si de un organismo comunicante se tratara, mediante una endoscopia. Un vídeo que fue Mención Especial del Jurado en el pasado MADATAC 04, y que se ha exhibido en diferentes festivales como Art Beijing 2013 (Pekin), Kassel Dokfest (Kassel), el IVAHM (International Video Art House Madrid 2012), o el EXiS Experimental Film and Video Festival Seoul (Corea del Sur).

Un excelente plantel de intérpretes

Además de los compositores y autores de los textos, el equipo está formado por artistas de reconocido prestigio como el saxofonista Andrés Gomis, el improvisador electroacústico y compositor Antony Maubert, y la actriz Prado Pinilla. Sergio G. Domínguez es el responsable de la iluminación y a cargo de la difusión sonora estará Marcos Ortega.

El evento en Matadero está realizado en colaboración con el XX Festival Punto de Encuentro AMEE y, en CentroCentro, cuenta con una Ayuda para Iniciativas Culturales de la ONCE en su edición 2013.

“La geometría y el temblor” fue montada en 2012 en el Centro de Poesía “José Hierro”, donde se hizo un pase privado, y su estreno oficial tuvo lugar este pasado julio en El Escorial, dentro del Ciclo Clásicos en Verano que organiza la Comunidad de Madrid.

Información

Función 10 octubre, 18,30 h.
Sound-In, Feria Estampa 2013
Central de Diseño de Matadero Madrid
Plaza de Legazpi, 8
28045 Madrid
E-mail: sound-in@estampa.org / info@mataderomadrid.org
Web: http://www.mataderomadrid.org

Función 17 octubre, 20 h.
Ciclo Favorables
CentroCentro
Plaza de Cibeles, 1
28014 Madrid
Información general: 91 480 00 08
E-mail: info@centrocentro.org
Web: http://www.centrocentro.org

Referencias

• Web de Sound-In (Feria Estampa)
• Información y dossier sobre “La geometría y el temblor”
• Página en Facebook

En esta entrevista con el ensemble hablaremos de este aspecto pedagógico y del otro evento de actualidad estos días: el estreno de “Los caminos inciertos” en el XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, el día 29 de septiembre a las 19 h., un espectáculo multidisciplinar sobre el que hemos preguntado a sus componentes. Sin olvidar los proyectos futuros del grupo, que pasan por encargos a compositores de relieve internacional.

TDM parece ya un proyecto plenamente consolidado. ¿Cuánto tiempo lleváis con él?

TDM Trío De Magia nace en junio de 2007 cuando coincidimos Ricardo Capellino (saxofones), Sisco Aparici (percusiones) y Carlos Apellániz (piano) en un concierto monográfico del compositor Mauricio Sotelo en la “III Mostra Internacional de Música Contemporánea de Sueca” (Valencia). En este concierto, además del repertorio a solo que Mauricio posse para cada uno de estos instrumentos, interpretamos su obra De Magia que marcó este proyecto…

En este tiempo el grupo ha cambiado algo su composición, ¿quiénes lo formáis en la actualidad?

Desde 2012, TDM Trío De Magia lo formamos, en el plano meramente instrumental, Sisco Aparici, Ricardo Capellino y Lluïsa Espigolé.

Pero también hemos querido profundizar en las posibles combinaciones que esta formación ofrece, por lo que contamos, con bastante regularidad ya en todos nuestros proyectos, en la difusión y control de la electrónica con Vicent Gómez y en el asesoramiento escénico y teatral (dependiendo del proyecto concreto) a cargo de Carles Royo. Pero también hay ya más gente implicada detrás de las siglas TDM como la publicidad, diseño, gestión económica… Como puedes observar la “familia crece”, y nosotros encantados.

Comienza una nueva temporada y TDM lo hace, si no nos equivocamos, el 29 de septiembre en el XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, con el espectáculo “Los caminos inciertos”. Cuéntanos un poco sobre este proyecto.

Este espectáculo es una coproducción de IFIDMA y TDM-Trio De Magia, compuesto con obras de Pierre Jodlowski, Alberto Posadas, Sergio Blardony, Voro García y Roberto López-Corrales.

En éste la idea del viaje, del camino y del caminar –como aspectos recurrentes en el arte de nuestro tiempo-, el tránsito de un punto a otro, los trayectos posibles, las direcciones múltiples, lo incierto del recorrido aventurado que se abre paso donde no hay un cauce establecido… constituye el leitmotiv del espectáculo “Los caminos inciertos”, que efectivamente arranca nuestra temporada 2013-2014 y se presenta articulado en torno a cinco obras de estos autores contemporáneos que exploran, desde perspectivas diferentes y vínculos con la palabra y las artes visuales, ideas relacionadas con la temática del viaje, el tránsito y el caminar.

Será una interesante y arriesgada propuesta en que lo lumínico, lo auditivo, lo gestual, lo sensual (si se quiere) y lo sugestivo marcarán todo este viaje. Pensamos que quién tenga oportunidad de asistir el próximo domingo 29 de Septiembre a las 19 h. a esta propuesta que abre el Festival Internación de Música Contemporánea de Tres Cantos, no puede perdérselo de ninguna de las maneras, sin duda alguna merecerá la pena.

En esta propuesta llama la atención el reto de conjugar la idea de concierto con el componente escénico y multidisciplinar (vídeocreación, la palabra, la presencia de la electrónica espacializada…). ¿Cómo lo habéis concebido? ¿Es un “concierto escenificado” o piensas que está más cerca del teatro musical?

Realmente, si hubiese que catalogar de algún modo, podríamos decir que se trata de un concierto, pero en este caso abrazado por una propuesta de ambientación lumínica, que acompaña sin ilustrar, y un tratamiento del movimiento escénico inspirado en las leyes del teatro. Todo ello convertido finalmente en una propuesta escénica multidisciplinar, donde lo más importante es, que cada una de las disciplinas realice su función común en esta simbiosis artística, con la principal finalidad de acercarla al público, sobre todo al oyente no familiarizado con este tipo de propuestas.

Dos de las obras son encargos anteriores de TDM, pero el resto serán estreno absoluto. Y las estéticas de los compositores, muy variadas. ¿Cómo se combina en un mismo programa obras tan diversas? Desde luego, hay una temática –el viaje- que imaginamos ayuda a vertebrar todo…

Exactamente, como tú dices, es el concepto de viaje es el que vertebra este proyecto. En un viaje siempre confluyen elementos viejos con nuevos, sitios ya conocidos que son redescubiertos y sitios por descubrir que se nos presentan de maneras múltiples. Andamos como hemos aprendido, por nuevos caminos y no sabemos muy bien que nos depara el siguiente paso. Este concepto, junto con el tratamiento de la luz y el movimiento, y sus enlaces con la electroacústica, el vídeo y la palabra poética, se compacta en un conglomerado único y dirigido a los sentidos.

Y después de esta actuación, ¿qué tenéis programado?

Durante este último trimestre de año vamos a estar en diferentes puntos de la geografía española como San Sebastián y Madrid acercando la música actual a diferentes tipos de oyentes con ganas de experimentar nuevas propuestas, pero sobretodo a los estudiantes de música. Después ya nos centraremos de lleno hasta final de año en la VIII Academia Internacional TDM que como bien sabes ha sido de nuevo apoyada por la prestigiosa fundación alemana Ernst Von Siemens.

Una de las señas de identidad de cualquier ensemble es el trabajo con los compositores vivos, y TDM no es en absoluto una excepción, con una política de encargos muy interesante y ambiciosa. En “Los caminos inciertos” todas las obras son producto de encargos vuestros, ¿quiénes serán los próximos?

Ya hemos recibido los primeros esbozos de una nueva obra de Ramón Lazkano para trío de saxofón bajo, percusiones y piano la cual hemos empezado a leer y trabajar, y estamos convencidos que va a ser sorprendente el resultado final. El estreno estará previsto para diciembre, dentro del ciclo de conciertos de la Academia Internacional debido en parte también porque Ramón será uno de los compositores invitados de esta edición, aunque haremos algunas interpretaciones más antes de finalizar el presente año.

Para 2014 tenemos previsto otra encargo del compositor francés, aunque afincado en Berlín, Raphaël Cendo, cuya venida a la Academia Internacional nos servirá como punto de inicio de la propuesta. Como ves, dos líneas compositivas totalmente diferentes, lo cual nos encanta porque nos abre un mundo extraordinario de posibilidades de repertorio que va acumulando en su bagaje TDM.

Hay otras más en las que se han empezado los primeros contactos para el futuro próximo aunque es muy pronto para descubrirlas aún, habrá que esperar. Como ves, las ideas no paran y el “camino”, aunque “incierto”, se irá poco a poco definiendo… [risas]

Otra de las propuestas interesantes de TDM es su Academia Internacional, que cumple este año su 8ª edición. ¿Cuál es el objetivo de este proyecto?

La Academia Internacional TDM surgió para ofrecer a los jóvenes estudiantes un acercamiento integral a la música contemporánea, con un enfoque práctico y teórico en el que se alternasen las clases magistrales de saxofón, piano y percusión con las de composición, conciertos, conferencias, así como también otras actividades paralelas como la Convocatoria Compositores TDM, el panel de lectura, talleres de música electroacústica y de presencia escénica…

Durante tres días la Academia actúa como un espacio de interpretación, reflexión y creación artística, una plataforma de diálogo y de intercambio artístico a nivel internacional, y que ofrece a las jóvenes generaciones de interpretes la posibilidad de acercarse a las creaciones más contemporáneas gracias al trabajo conjunto de interpretes-solistas y compositores.

Entre otros, hemos contado con la presencia de Toshio Hosokawa, Philippe Hurel, José Manuel López López, Héctor Parra, Mauricio Sotelo, Pierre Jodlowski, José Luis Torá, Marcus Weiss, Claude Delangle, Marie-Bernadette Charrier, Christian Dierstein, Isao Nakamura, Jean Geoffroy, Alberto Rosado, David Alonso, Dimitri Vassilakis.

¿Cómo se estructura la Academia?, hemos visto que hay diferentes talleres…

Gira todo en torno básicamente a ocho tipos de actividades y todas ellas interrelacionadas entre sí: clases magistrales instrumentales y de composición, conferencias y presentaciones, un panel de lectura de estudiantes de composición (dentro del 3er Concurso TDM), talleres de música de cámara, música electroacústica, presencia escénica… Y, cómo no, un ciclo de conciertos con alumnos, profesores invitados, solistas…

Como puedes ver, crear los horarios de clases, conciertos, talleres…, para que se pueda asistir al máximo número de actividades es un handicap importante que nos supone cada año bastante tiempo organizativo, pero el resultado final es que son tres días musicales a pleno rendimiento para todos aquellos que cojan puentes festivos para “descansar” [risas otra vez]

Sobretodo de lo que nos sentimos orgullosos es de la experiencia vital (musicalmente hablando) que supone esta interrelación con artistas internacionales y alumnos que aportan y muestran sus ideas, objetivos, propuestas…, y de los diálogos que se establecen con un único fin común, la música actual.

Además de vosotros como grupo residente, habrá invitados importantes, tanto en el campo interpretativo como en el de la composición…

Este año, como te he comentado anteriormente vendrán Raphaël Cendo y Ramón lazkano en composición. En cuanto a las Masters instrumentales los profesores invitados en esta edición son Marie-Barenadette Charrier (saxofón) y Christian Dierstein (percusión) junto con TDM, Sisco Aparici (percusión), Ricardo Capellino (saxofón) y Lluïsa Espigolé (piano). Después Vicent Gómez se encargará del taller de electroacústica y Carles Royo del taller de presencia escénica.

A todo ello hay que sumar que en los conciertos participarán, aparte de TDM, los profesores invitados, los alumnos de la Academia y algunos solistas que invitaremos para la interpretación de algún repertorio concreto que estamos definiendo.

Para terminar, una pregunta que desgraciadamente hacemos de forma ya habitual: ¿cómo véis el panorama actual en relación a la música de nuestro tiempo? ¿Se ve algún “brote verde” después de la tormenta?

La verdad es que este tema es por igual simple y complicado dependiendo del prisma que cada cual adopte, o tenga para ver, querer entender y contestar a la pregunta, por lo que habrán tantas posibles respuestas como diferencia de prioridades tenga, respecto a la música contemporánea, cada uno de los que las conteste….

Somos conscientes de las dificultades sociales y económicas de nuestra sociedad actual, TDM la sufre a diario, como el resto de los mortales. Y somos conscientes de que la música actual a la que nosotros nos dedicamos a diario “en cuerpo y alma” es complicado que llegue a grandes masas que puedan aportar una situación “más desahogada” para crear nuevos proyectos interesantes. Muchos de nuestros mayores siempre reflexionan que la “crisis” ellos la han tenido siempre y en todas las épocas, por lo que  algunos de ellos no tiemblan en cómo “capear” más o menos la situación coyuntural dura que les toca vivir actualmente. Esta reflexión permite ser extrapolada al panorama de la música actual.

La música contemporánea siempre ha estado en otro nivel de consideración del panorama de la música clásica, por muchos motivos muy conocidos por todos y que no entraremos aquí a valorar, pero está claro que a la música de hoy tampoco nunca la han acompañado grandes recintos, temporadas de abono, marketing de grandes solistas…, aunque algunos tengan mayor o menor apoyo, claro está.

Por todo ello, con “brotes verdes”, sin ellos, con mayor apoyo o sin ninguno, con más energía o con más aún…, la idea final y la respuesta, más o menos, a tu pregunta es que creemos en lo que hacemos y lo seguiremos haciendo a pesar de toda dificultad que nos encontremos. Aunque no sea fácil, si algo hemos aprendido del panorama actual es que es momento de reflexión, actuación consciente, de ser creativo y reinventarse para continuar, porque todo esto que hacemos es para todos nosotros, de una u otra forma, vital.

Referencias

• Programa del XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos
• Web del Trío De Magia
• Web del proyecto “Los caminos inciertos”
• Academia Internacional

Lo cierto es que viendo y escuchando Il postino se nota, se siente, que tiene ese carácter popular que caracteriza a los productos llegados de Los Ángeles, y más de Hollywood, verdadera máquina de hacer blockbusters. Ese género que para bien o para mal ha arrebatado a la ópera el carácter popular que tuvo en su momento, como ya intuyó Puccini que haría. Y al igual que la mayoría del cine que llega de allí, aunque sea con la coartada de alternativo o con el sello de qualité que pueda dar un Oscar o un premio en Sundance o de la crítica de Nueva York, lo cierto es que esta obra está hecha con la clara intención de ser popular y de dar a los cantantes libertad para cantar, incluido el hacer filigranas y gorgoritos con la voz si se presenta la ocasión. Nada de cantar reptando, boca abajo, etc. Lo máximo que se atreve el director de escena es poner al cartero, el tenor Leonardo Capalbo, en calzoncillos y a desnudar el busto y de espaldas a Matilde Neruda, la soprano Cristina Gallardo-Dômas, ante su marido Pablo Neruda, interpretado por el tenor Vicente Ombuena. Un ejercicio de sentimentalidad plana, que no tiene porque no ser verdadera ni dejar de ser cierta. Un ideal romántico que muchos y muchas persiguen, y se empeñan en vivir. Estamos, pues, ante un producto light, del estilo de una mayonesa o un queso ligeros, que por mucha grasa que se les quite siguen conteniendo el suficiente colesterol como para atorar las arterias varias veces. Y todos tan contentos, creyendo que están a dieta.

Se podrá discutir la necesidad de satisfacer a la nueva, emergente y pudiente clase social estadounidense de la cultura hispana y en español, que amenaza con convertirse en el segundo grupo étnico de Estados Unidos. También se puede discutir el hecho de que la lengua española, la palabra, es tan solo la expresión y el producto de una cultura que no es la anglosajona, y a esta cultura hay que darle sus óperas. Lo único cierto es que esta es una ópera hecha para las masas sin ningún pudor, que carga las tintas en una tradición romántica poco específica de una cultura concreta y más deudora de un melting pot global. Con sus mínimos comunes denominadores que hacen que no haya dudas en decir que esto es y no deja de ser nada más que una ópera y punto, si es que a estas alturas hay alguien que sepa lo que es esto. Cuya originalidad es tener un libreto en español y como figura de referencia a un poeta chileno y universal. Que para gusto y disgusto, hace sus guiños a la contemporaneidad incluyendo en escena música grabada que se hace sonar en un viejo tocadiscos. De nuevo lo light, evitando llevar el recurso a sus últimas consecuencias. Evitando lo bueno, tanto en lo musical como en lo literario, para abrazar el buenísmo. Evitando el sentimiento para abrazar el sentimentalismo, su fingimiento. A los que una orquesta que suena bien y agradable, unos cantantes que también lo hacen bien, si no se les exige grandes dotes actorales, una escenografía resultona y una eficaz dirección de escena les dota de credibilidad ante un público y una crítica que no sabe qué hacer con lo que les ofrecen. Pues por un lado están deseando aplaudirlo, lo han pasado bien, pero por otro se dan cuenta, pues no son tontos, de que esto ya no puede ser hecho hoy. De tal forma que todo se queda en un análisis técnico de la calidad de las voces y no de lo que esa calidad ofrece a lo que se cuenta y se canta. A lo que le acompaña una apurada reseña del desempeño de la orquesta y muchas páginas y mucho interés por la buena mala salud de Plácido Domingo que le permite salir con bien de los últimos achaques sufridos y seguir subiéndose a los escenarios e imponer programaciones.

El resultado es un lleno importante del teatro, una vez vencida la resistencia y el escepticismo que le precedieron y que produjeron una compra dubitativa de entradas. El resultado es una agradable velada sin sobresaltos para una tarde-noche de verano. Una coartada cultural. Y hasta política, si lo siguiera siendo el típico conflicto entre derecha e izquierda, entre fascismo y comunismo (¿pero no habíamos quedado que fueron lo mismo?). Hay amor, o lo que se piensa que es amor. Y hay amistad, o lo que se piensa que es amistad, entre clases. Convirtiéndose, probablemente sin quererlo, en una ratificación del statu quo. La confirmación de una idea y de la globalizada visión anglosajona del mundo. Escrita y cantada en español. Que nombra referentes culturales hispanos sin mostrarlos (¿qué se sabe de Neruda después de ver esta ópera? ¿Y de Allende? ¿Y de Chile? ¿Y del exilio que por razones económicas y, en definitiva, ideológicas sufren tantos latinoamericanos?). Convirtiéndose en aquello que el proyecto artístico de Catán quería evitar: hacer óperas dobladas al español. Pues no dejan de ser óperas que suenan en otro idioma, pertenecientes a otra cultura. A una cultura a la que miles de personas se aferran porque lo que ven, o lo que intuyen, fuera de ese constructo cultural es lo desconocido, para lo que todavía no tienen palabras. Un abismo que les provoca un sentimiento de miedo, de terror. Mejor quedarse donde uno se encuentra y felicitarse por ello. A salvo, seguro. Una conclusión que deja en el aire dos preguntas: ¿se puede señalar a este público por quedarse en el refugio?, y ¿el arte no es riesgo, aunque sea un riesgo controlado? Una respuesta afirmativa a la última ¿no debería significar que los que aman el arte, aman también el riesgo artístico? Preguntas que sobrevuelan sobre la reciente historia de la música que recuerda lo feliz que fue Schönberg jugando al tenis en Los Ángeles donde llegó huyendo del horror con nombre conocido: el nazismo.

Referencias

• Página del Teatro Real para Il Postino (en español)
• Conferencia de José Luis Téllez sobre Il Postino (en español)
• Clip promocional de la ópera de Los Ángeles para Il Postino (en español)
• Il Postino de Catán – grabación realizada en el Théâtre du Châtelet (en español)
• Playlist de YouTube sobre Il Postino del Théâtre du Châtelet (en español y francés)
• Comprendo – Duetto Cristina Gallardo-Domâs y Plácido Domingo (en español con subtítulos en inglés)
• Florencia en el Amazonas de Catán – Acto I, escena 1 (en español)

Ahora han grabado su segundo CD, titulado “Free space” (del que ya hablamos en una reseña reciente), y a cuyo hilo escribe este sugerente texto el poeta Fernando Menéndez. Proveniente del material que finalmente no ha sido incluido en el disco, presentamos las dos piezas que pueden escucharse desde los reproductores que se encuentran debajo del texto: Tres palabras y Los piconeros.

EL NÚMERO ACASO EXISTIERA COMENZARA Y CESARA SE CIFRARA  ILUMINASE

Haciendo astillas de Mallarmé, sentado ya en el mimbre creo que “Free space” (Quinteto Cova Villegas, Clamshell Records) es el globo terráqueo que de niño no tuve. Quizá por eso el jazz y desde tan pronto: que un imberbe, como si fuera un cátedro de Oxford, pusiera el dedo al azar en cualquier rincón del mundo y dijera: yo estuve ahí.

“Cae la pluma rítmica suspendida de lo siniestro para sepultarse en las espumas originales”, y este nuevo golpe de dados para revelarme que en un pajar cinco músicos cuestionan melodías y socavan ritmos. Pájaros endémicos con una “X” en su trino. Un quinteto lo cuento con los dedos de mi mano:

Cova
Cy
Diego
Jorge
Ildefonso

ornitologean al Duque (“Sophisticated lady”) y masajean a Dave Holland (“Conferencia de los pájaros”) en un octubre que antes mayeaba.

Cae la pluma rítmica en las espumas originales y por los cortes de “Free space” se desliza con especial empeño la intriga melódica. El ritmo, en cambio, siempre es cumplidor, asume sus tareas aunque se agite. Y la voz de Cova Villegas –laribamba larimbambamplanerella laribambamositerella leiramombaririlanla lirilam-  pide atención, audiencia neonata a pesar de los pases. “Silencio la tierra va a dar a luz un árbol”, el consabido quinteto con solista muta introducciones hasta aparentarlas en finales; se demora porque en la demora está la libertad. El mundo, el verdadero, el soterrado, es de quienes leen antiguos repertorios; de quienes vanguardizan lo castizo. A Don Álvaro Carrillo (“Un poco más”), que imagino con nocturnidades y alfiler de nácar, lo revisten de dulce intemperie la garganta de la Villegas, la guitarra de Cy Williams.

Pero a la luz de interrogatorio o celosía de confesionario la verdad apura: Quinteto Cova Villegas es un grupo subversivo pues subversivo es todo lo que pretende sacar de quicio a tanta vida enquiciada. Y el quicio, el frame palúdico del jazz, es lo atmosférico o por simular incisión: el ultrahibridismo. Pues nada de eso, el jazz desalambra: como desalambra el aristosaxo de Ildefonso Rodríguez y el contrabajo y la batería de Jorge Frías y Diego Gutiérrez: nórdicos y concentrados los dos últimos, nada vaporosos, como retumbando en ellos la sangre nunca citada del oficio, aunque se tocara, y miren hasta dónde vuelvo, en el mismísimo Club de la Serpiente.

Sin salir del mimbre repaso mi vida y me veo mitad estándar mitad inesperado. Pero en este caso cada parte de la fracción se desinhibe según el momento. Cuando te crees estándar irrumpe, ornitológicos ya para los restos, la excepcional versión en “Free space” de “Xilguerín parleru”: altazor contra el academicismo musical y la adicción al estribillo. Tema original de la canción popular asturiana, en “Free space” se convierte en crisol espacial y temporal.

Como todo oído tiene su escaparate y su trastienda, es importante el inventario de los ultramarinos: álbum de brillante retaguardia: su base rítmica, sus efectos sonoros, percusivos completan la geometría de un sonido muy cenital, con pocos ángulos oscuros.

Y permítanme, para acabar con rotundidad ajena –pues voy camino de caer en un recalcitrante circunloquio- citar de nuevo al maestro Huidobro: “La poesía no debe imitar el aspecto de las cosas sino seguir las leyes constructivas que son su esencia y que le dan la independencia propia de todo lo que es.” Que lo que vale para lo poético valga para lo jazzístico. Y así es. Así lo demuestra Quinteto Cova Villegas con su “Free space”. Y yo aumentando mi dilatada banda sonora. Fuera por fin del mimbre y la vigilancia.

Fernando Menéndez

Tres palabras
Duración: 10’16″

Los piconeros
Duración: 13’20″

La idea fundamental de la que parte esta convocatoria está en relación con la propuesta de que una obra de arte como la ejemplificada, perteneciente a un genio tal como lo fue el autor cordobés, sostiene la universalidad adecuada para inspirar desde otra concepción artística distinta a la literatura y  desarrollar  una nueva obra de arte. El texto de Góngora es una ventana abierta a múltiples interpretaciones y recreaciones cuya lectura provee de un gran número de imágenes y concepciones mentales divergentes. La experimentación sonora puede propiciar que esta versatilidad sobresalga desde una  visión contemporánea con nuevos postulados que  ayuden al centenario texto a albergar posibilidades de expresión y  abstracción todavía inéditas.

Podrán participar en la convocatoria artistas sonoros iberoamericanos, sin límite de edad tanto de forma individual como representando a un colectivo. Se podrá presentar una sola obra a la selección con una extensión de entre 8 y 15 minutos en formato wav de 2 o 4 canales. La fecha límite de recepción será el viernes 30 de septiembre de 2013, fallando el jurado antes de un mes y pudiendo seleccionar  hasta 4 obras.

El artista o grupo, autor de cada obra seleccionada recibirá un premio de 1500 dólares y serán presentadas en una instalación sonora que el CCEC realizará durante el mes de noviembre de 2013.

Información

Centro Cultural España Córdoba (CCEC)
Entre Ríos 40 – (5000) córdoba, Argentina
Web: www.ccec.org.ar
Tels:  (+54351) 4332721, 4341647
E-mail: lavacaresponde@ccec.org.ar

Referencias

• Bases del concurso
• Web de Hipermédula

El estreno se enmarca dentro del festival Clásicos en Verano 2013, que organiza la Comunidad de Madrid, y que recorre, durante el verano y del 1 de julio al 31 de agosto, diferentes localidades de esta comunidad autónoma. La presentación del festival tuvo lugar el pasado martes 25 de julio, donde se resumió una programación formada este año por 90 conciertos interpretados por 67 formaciones musicales en entornos históricos de 46 municipios.

Las obras

Estructurado en tres partes, cada una correspondiendo a una obra de diferente autoría, “La geomería y el temblor” mantiene su unidad a partir de la utilización de una escenografía única, que va cumpliendo diferente función de una pieza a otra.

Entre el murmullo y el vuelo, es la obra con la que se abre el espectáculo. Escrita por Sergio Blardony a partir del poemario Ordet (Amargord, 2012) de Pilar Martín Gila, para actriz, saxofones soprano y bajo y electrónica, traza su discurso mediante una serie de estratos desencadenados por la recitación y la electrónica, una urdimbre de voces del pasado presentada en diálogos imposibles. En un plano distinto y observante, el saxofón solista, a través del ruido, el silencio o el aire, busca conexiones entre ellos.

La segunda pieza, Lo que empieza a ser contorno de Edith Alonso sobre el libro de poemas La habitación amarilla (Barthleby, 2012) de Juan Carlos Suñén, está concebida para actriz, saxofón bajo e intérprete electroacústico en escena, y alterna partes escritas con improvisadas, siguiendo una interpretación libre del discurrir del texto poético. Las partes improvisadas exploran un mundo que palpita en los umbrales del presente, en la renovación continua del instante.

A modo de tránsito entre estas dos obras, se encuentra Tracto, una videocreación realizada para el espectáculo por Marta Azparren con música de Sergio Blardony, en la cual se explora el interior de un saxofón bajo, como si de un organismo comunicante se tratara, mediante una endoscopia. Esta pieza de videoarte obtuvo una mención especial del Jurado en el pasado festival Madatac 04, y se ha paseado por otros ciclos como el Art Beijing 2013, Kassel Dokfest o el IVAHM.

Intérpretes de lujo

El equipo artístico se completa con intérpretes de muy reconocido prestigio internacional, como el saxofonista Andrés Gomis, el improvisador electroacústico y compositor francés Antony Maubert, y la actriz Prado Pinilla, con un papel vertebrador y realmente complejo a lo largo del espectáculo.

La artista visual Marta Azpárren será también la encargada de la puesta en escena, con diseño de iluminación de Sergio G. Domínguez y difusión sonora, en cuadrafonía, a cargo de David Juárez.

“La geometría y el temblor” es una producción interdisciplinar de IFIDMA, que fue montada y preestrenada en el Centro de Poesía José Hierro de Getafe, en marzo del pasado año.

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Información

Centro de Arte Matisse
Sala Cristóbal de Morales
C/ San Francisco 18
San Lorenzo de El Escorial
28200 – Madrid
Tel: 91 890 17 87
E-mail: salacm@centrodeartematisse.com
Web: http://www.centrodeartematisse.com/sala.htm

Referencias

• Ficha del espectáculo en la web de Clásicos en Verano 2013
• Programa en PDF de Clásicos en Verano 2013
• Ficha del espectáculo (dossier, etc.) en la web de IFIDMA