Uz, a pesar de ser un grupo elegido por el Instituto Cervantes en el 2012 como propuesta para sus sedes y de haber tocado en el Festival de Jazz San Juan Evangelista (2010) y en los institutos Cervantes de Bremen (2011) y Casablanca (2012), entre otros sitios amables, no logró ni un solo concierto durante el 2013. Los tres miembros de Uz somos músicos con muchos años en la profesión, no somos recién llegados ni inexpertos que no sepamos qué hay que hacer para conseguir conciertos; es fácil: además de dominar tu instrumento después de años de estudios y tener ensayado un repertorio (en nuestro caso original, lo que en este país quiere decir abocado al abandono), haber escrito un buen dossier, haber grabado y publicado un disco y tener una web o una representación en redes sociales, tienes que ponerte en contacto con los dueños de los clubs o los programadores y convencerlos de que lo que les ofreces es interesante; tienes que llegar a un acuerdo sobre el caché que cobrará el grupo, aunque esto actualmente es una quimera ya que hoy en día solo se consiguen conciertos “a entrada”, lo que quiere decir que los músicos cobran solo un porcentaje de lo que se obtenga en taquilla y, sobre todo, esta es una exigencia que se ha generalizado entre los encargados de bares y programadores de música, tienes que encargarte tú de conseguir el público (llamar a los amigos, mandar correos, hacer difusión en medios digitales, elaborar un cartel, hablar con emisoras de radio y, si todavía te queda algo de confianza en el periodismo, avisar a algún periódico…).

Madrid se ha convertido, para los que creemos que la cultura y la gente son más importantes que el mercado y el dinero, y nos dedicamos en cuerpo y alma a ella (en mi caso a la música en sus múltiples facetas, intérprete, improvisadora, compositora, docente, organizadora de eventos y programaciones de free jazz e improvisación libre), para todos los jóvenes que infructuosamente buscan trabajo, para todos los mayores que no pueden pagar sus medicinas, la calefacción o incluso su alimento (la imagen de cualquiera de nosotros buscando comida en los contenedores ha dejado de ser literaria) en una ciudad con un futuro incierto, en una ciudad deprimida y deprimente que sufre un Gobierno corrupto que recuerda demasiado al franquismo (no olvidamos que son sus herederos), que nos roba por sistema y que nos engaña sin remordimientos. Los últimos gobernantes de la Alcaldía y la Comunidad representan lo peor de este partido, la codicia, la manipulación, la ignorancia, la incompetencia.

Aunque no acostumbro a mirar atrás con nostalgia, porque el pasado ya fue y es irrecuperable, y que no soy pro-PSOE, no puedo dejar de acordarme de la alegría que se vivía en Madrid y de la cantidad de conciertos que se programaban desde el Ayuntamiento y que disfrutábamos en los años ochenta con Tierno Galván como alcalde; en esos años, a pesar de tener mucha menos experiencia que ahora, a músicos que entonces éramos jóvenes, se nos contrataba con un caché más que digno y compartíamos escenarios con artistas que admirábamos y escuchábamos, Art Blakey, Don Pullen, Phil Wood, Pharoah Sanders.

En otro artículo que titulé Marca España denunciaba el hecho y la manera (de un plumazo, sin permitir que los responsables pudieran ni siquiera entrar en los despachos para recoger su material de trabajo) de la desaparición del Aula de Música de Alcalá de Henares, organizadora durante veinte años de los mejores cursos que hubo en Formación Musical del Profesorado. Y lo denuncié, no solo porque me afectara personalmente (tenía dos cursos de improvisación programados que obviamente no se dieron), y porque también afectaba a una profesora extranjera, colega mía, que venía desde Sao Paulo a dar un curso que no pudo llevar a cabo (nadie de los nuevos responsables elegidos se pusieron en contacto con ella para avisarla de la situación), sino porque creo que todas estas actuaciones forman parte de una política que no tiene otro objetivo que enriquecer y dar poder a los que ya son ricos y poderosos, a costa del bienestar de la mayoría de la población y en contra de sus derechos fundamentales; están dando lugar a una sociedad extremadamente pobre, triste, inculta, sin esperanza. El Gobierno del PP está convirtiendo este país en una ruina difícilmente recuperable y a la capital de España en una ciudad invivible.

Referencias

• Web de Chefa Alonso
• Uz en MySpace
• Vídeo de Uz en Vimeo

El caso que nos ocupa es una nueva producción de Sony, el CD titulado “Piano Works”, que incluye siete piezas del compositor castellonense Ramón Paus. Con motivo de esta publicación, entrevistamos al autor para preguntarle por su música, su visión como compositor del momento actual, y algunas otras cosas…

Este nuevo CD editado por Sony se presenta bajo el título “Piano Works”, pero lo cierto es que su escucha da la impresión de unidad. Aunque las piezas no pertenezcan a una colección determinada (¿o sí?), ¿existe un “hilo conductor”?

No existe un hilo conductor claro salvo que hay varias piezas cuya energía de activación vino promovida por la sonoridad especial de los nombres de diferentes especies botánicas (Ipê Amarelo, Samambaia) que tuve la suerte de deleitarme con su observación en un paseo por el Jardín Botánico de Río de Janeiro. Si en cambio, son obras alumbradas en un espacio de tiempo no superior a siete u ocho años. Otras piezas de la colección como Linkaje y Maresias tienen una génesis más abstracta.

Los elementos descriptivos están muy presentes: los colores, las sensaciones… ¿Cómo concibes estos aspectos en nuestro tiempo? ¿Cómo eludir tópicos? (¿es necesario eludirlos?)

En general detesto la música llamada descriptiva ya que la considero como una devaluación de las capacidades intrínsecas al hecho musical. No desestimo en absoluto la conexión emocional, cromática y sensorial del autor con su obra o con el suceso catalizador de la misma. Sin esta conexión, para mí, el resultado de la experiencia asemeja a un guiñol con los hilos sueltos, sin tensión que le confiera movimiento, gesto y expresión. El hecho de que la contemplación de un Ipê me fascine y me lleve a un determinado estado de conciencia no quiere decir en absoluto que me ponga a describir con la música sus ramas y sus colores “Mickey Mousing”. Realmente después de pasar por el alambique, la relación directa no existe en absoluto. Creo que lo mejor para eludir tópicos es no pensar demasiado en ellos, ya que correremos el peligro de caer en el tópico antagónico.

Es evidente que hay una influencia jazzística en tu obra (también brasileña), y en estas piezas para piano parece muy patente. ¿Cómo consideras este hecho? ¿Te sientes cómodo en estos contextos híbridos?

El piano de jazz ha aportado mucho a la evolución técnica del instrumento en el XX. Sería incomprensible por mi parte no aprovechar algunos de estos recursos cuando sean útiles en un momento dado del desarrollo del trabajo. Para mí, la diferencia esencial entre el jazz y otras músicas no es otra que para poder ejercitar la primera de las músicas citadas es condición indispensable que el intérprete tenga un conocimiento vasto y profundo de la obra, ya que tendrá que ser capaz de desarrollar una improvisación sobre el material prevaleciente. El gran efecto sanador de las músicas improvisadas es que se produce una recuperación del presente a cada nueva interpretación, este conocimiento exhaustivo ya lo tenían los improvisadores-compositores del Barroco, luego se perdió.

Disiento amigablemente en la influencia brasileña de Piano Works, salvo un guiño a la Bossa Nova en Samambaia y el título de alguna piezas, tan sólo se trata de fenómenos casuísticos y no centrales.

Nunca me gustaron las capillas, ni las del jazz, ni las de la música para el cine, ni las de la llamada música contemporánea. Me he pasado la vida intentando aprender lo que yo consideraba bueno y enriquecedor de cada uno de estos confesionarios, para antes de notar el aliento del cura en mi nuca, salir escopetado. Cuando más libre me siento es intentando escucharme, en realidad para mí la pregunta es: y uno ¿ cómo suena?, a veces no consigo oírme, otras  me detesto y alguna que otra vez me perdono y reconcilio.

Además de lo que comúnmente se denomina “música de concierto”, has escrito mucha música para el cine, también para teatro y danza. En tu caso, ¿cómo “conviven” estas formas diferentes de hacer? ¿Son permeables? ¿Es bueno que lo sean?

Para mí, la diferencia sustancial radica en el hecho de cuando el encargo viene de otro creador (director de cine, coreógrafo, dramaturgo, etc.) o cuando es uno mismo el que se autoencarga. En el primer caso uno es deudor de la creación de otro y debe intentar adecuarse a los requerimientos estéticos y técnicos de una obra anterior (largometraje, obra coreográfica, teatral, etc), todo ello sin dejar de ser uno mismo e intentando aportar cierto aroma diferenciador.

En cuanto a la interpretación, háblanos un poco del trabajo con la pianista María Orejana.

María Orejana Salinas es una pianista excelsa, formada tanto en la escuela eslava como en la norteamericana, la conocí como alumna mía en un curso de Film Scoring. Yo tenía por aquel tiempo que grabar para la televisión una obra de piano, Certeza Marina, y simplemente ella se ofreció a hacer una prueba. Me quedé perplejo por la mezcla que hay en ella de rigor, precisión rítmica, comprensión profunda de los materiales y delicadeza. Cuando tuve que hacer la elección de intérprete para el proyecto “Piano Works”, ella siempre se mantuvo como un candidato de primera fila. Una vez elegida, durante aproximadamente nueve meses estuvo estudiando y elaborando las piezas. Nos solíamos ver cada cierto tiempo para ir avanzando en nuestros propósitos. En apenas tres días, María fue capaz de registrar todas las obras y apenas hizo un par de tomas de cada una de ellas. Recuerdo que se quedó exhausta después de finalizar las sesiones de grabación y mezclas.

Al hilo de esto, parece claro que en nuestro país vivimos un momento de gracia en la interpretación (y también en la creación, dicho sea de paso)…

Sí, por contradictorio que parezca creo que nunca ha existido en este país una pléyade de intérpretes y creadores tan diversa, enriquecedora y formada.

Ya casi terminando, en tiempos como los que vivimos, en los que la cultura está seriamente amenazada, no podemos dejar de preguntarte por la situación actual. Tú, además de las labores compositivas, también tienes una intensa actividad en otros contextos relacionados con los colectivos de creadores. ¿Cómo ves la situación actual, sobre todo en nuestro país?

Siempre he creído que este país es profundamente inculto y cainita con sus creadores. No hace muchos días un ministro del gobierno ninguneaba y despreciaba  a una cinematografía que ha dado a Buñuel, Berlanga, Juan Antonio Bardem, Guerin, Gonzalo Suárez, Jaime Rosales, Almodóvar, etc. Hoy mismo Pablo Berger y Almodóvar han sido nominados a los premios Europeos del Cine (EFA). Yo he sido muchas veces testigo en mis estancias en el extranjero que la verdadera marca España se llama Antonio Gades, Paco de Lucía, Mompou, Albéniz, Toldrá, Amenabar, Alicia de la Rocha, Victoria de los Ángeles y tantos otros. Afortunadamente el ministro conservó la suficiente lucidez en su mente macroeconómica como para no arremeter, por lo menos ese día, contra nuestros pintores. En los tiempos que vivimos la máxima expresión cultural de los miembros del gobierno suele ser la de asistir a un partido de la Roja. ¿Qué se puede esperar de ellos?

Para terminar, háblanos algo de tus próximos proyectos, en qué estás trabajando ahora. Por cierto, el CD del que nos hemos ocupado ya ha tenido una buena difusión en forma de conciertos… ¿Se podrá escuchar en otros sitios?

Esta misma semana el pianista Eduardo Fernández ha hecho el estreno absoluto de Piano en Arles, una obra perteneciente al cuaderno “Piano Works” y que por respeto a dicho estreno no fue incluida en la grabación. En los próximos meses voy a tener los estrenos de Prosa Disidente con el pianista Iván Martín en los ciclos del CDMN de Alicante, en Mayo se estrenará en Barcelona la obra para piano y viola Madera Ocaso a cargo del pianista Eduardo Fernández y el viola Yuval Gotlibovich. También Iagoba Fanlo interpretará la obra para violonchelo solo Víspera en la Semana de Música Religiosa de Cuenca. A su vez, es muy probable que Eduardo Fernández interprete en junio obras de “Piano Works” en Oslo. Ya el pianista Josu Oquiñena ha hecho lo propio en Alemania y Polonia y José Menor en la sala Spectrum de Nueva York.

Como proyecto a medio plazo tengo la grabación de mis, hasta ahora, seis cuartetos de cuerda, dado que dicha formación es una paleta donde el compositor es vulnerable al máximo y no se puede esconder detrás de nada, se entenderá la ilusión que me hace este desafío.

Información

Piano Works / Ramón Paus
María Orejana (piano)
SONY Classical 88883718232
ASIN: B007B5CPAK

01. Garbí [06:06]
02. Maresias [17:52]
03. Samambaia [04:24]
04. Linkaje [19:21]
05. Aléia [05:19]
06. Azul de Prusia [15:23]
07. Ipê Amarelo [08:55]

En el primero de los conciertos, titulado Músicas Posibles, contarán con la colaboración del saxofonista alemán Andreas Prittwitz (saxos, clarinete y flauta) en una fusión de estilos y músicas tales como el jazz, la música contemporánea y la música étnica, de forma innovadora. Y abordarán fundamentalmente, obras de Perico Sambeat, Makus, Stockhausen y los propios de A, Prittwitz y J. Guillén.

En día 17, tendrá lugar el concierto titulado Músicas Vigentes, y en esta ocasión, grupo Neopercusión contará con la colaboración de la soprano Raquel Andueza y la pianista Anna Fernández Torres. Interpretarán unidos, el estreno en España de unos de los Songbook de George Crumb, en concreto el segundo de un total de siete, titulado A Journey Beyond Time, Songs of Despair and Hope. Además, sobre esta misma idea, Miguel Gálvez, orquestará tres canciones folclóricas españolas en las que conservará la melodía principal para volcar todo su ingenio en el acompañamiento y crear una atmósfera alrededor de cada canción de acuerdo al contenido del texto y la melodía. Su título no podría ser otro que el de Spanish Songbook 1. Además tendrá lugar el estreno absoluto de la pieza Cantiga de Amigo del compositor sevillano Alberto Carretero. Una obra para soprano y tres percusionistas que hunde sus raíces en la lírica medieval galaico-portuguesa pero desde una visión actual.

Información

Centro Cultural Galileo
C/ Galileo, 39
Madrid
Tel: 91 591 39 01

Referencias

• Concierto Músicas Posibles Facebook
• Muestra del concierto Músicas Posibles
• Concierto Músicas Vigentes Facebook

Ahora han grabado su segundo CD, titulado “Free space” (del que ya hablamos en una reseña reciente), y a cuyo hilo escribe este sugerente texto el poeta Fernando Menéndez. Proveniente del material que finalmente no ha sido incluido en el disco, presentamos las dos piezas que pueden escucharse desde los reproductores que se encuentran debajo del texto: Tres palabras y Los piconeros.

EL NÚMERO ACASO EXISTIERA COMENZARA Y CESARA SE CIFRARA  ILUMINASE

Haciendo astillas de Mallarmé, sentado ya en el mimbre creo que “Free space” (Quinteto Cova Villegas, Clamshell Records) es el globo terráqueo que de niño no tuve. Quizá por eso el jazz y desde tan pronto: que un imberbe, como si fuera un cátedro de Oxford, pusiera el dedo al azar en cualquier rincón del mundo y dijera: yo estuve ahí.

“Cae la pluma rítmica suspendida de lo siniestro para sepultarse en las espumas originales”, y este nuevo golpe de dados para revelarme que en un pajar cinco músicos cuestionan melodías y socavan ritmos. Pájaros endémicos con una “X” en su trino. Un quinteto lo cuento con los dedos de mi mano:

Cova
Cy
Diego
Jorge
Ildefonso

ornitologean al Duque (“Sophisticated lady”) y masajean a Dave Holland (“Conferencia de los pájaros”) en un octubre que antes mayeaba.

Cae la pluma rítmica en las espumas originales y por los cortes de “Free space” se desliza con especial empeño la intriga melódica. El ritmo, en cambio, siempre es cumplidor, asume sus tareas aunque se agite. Y la voz de Cova Villegas –laribamba larimbambamplanerella laribambamositerella leiramombaririlanla lirilam-  pide atención, audiencia neonata a pesar de los pases. “Silencio la tierra va a dar a luz un árbol”, el consabido quinteto con solista muta introducciones hasta aparentarlas en finales; se demora porque en la demora está la libertad. El mundo, el verdadero, el soterrado, es de quienes leen antiguos repertorios; de quienes vanguardizan lo castizo. A Don Álvaro Carrillo (“Un poco más”), que imagino con nocturnidades y alfiler de nácar, lo revisten de dulce intemperie la garganta de la Villegas, la guitarra de Cy Williams.

Pero a la luz de interrogatorio o celosía de confesionario la verdad apura: Quinteto Cova Villegas es un grupo subversivo pues subversivo es todo lo que pretende sacar de quicio a tanta vida enquiciada. Y el quicio, el frame palúdico del jazz, es lo atmosférico o por simular incisión: el ultrahibridismo. Pues nada de eso, el jazz desalambra: como desalambra el aristosaxo de Ildefonso Rodríguez y el contrabajo y la batería de Jorge Frías y Diego Gutiérrez: nórdicos y concentrados los dos últimos, nada vaporosos, como retumbando en ellos la sangre nunca citada del oficio, aunque se tocara, y miren hasta dónde vuelvo, en el mismísimo Club de la Serpiente.

Sin salir del mimbre repaso mi vida y me veo mitad estándar mitad inesperado. Pero en este caso cada parte de la fracción se desinhibe según el momento. Cuando te crees estándar irrumpe, ornitológicos ya para los restos, la excepcional versión en “Free space” de “Xilguerín parleru”: altazor contra el academicismo musical y la adicción al estribillo. Tema original de la canción popular asturiana, en “Free space” se convierte en crisol espacial y temporal.

Como todo oído tiene su escaparate y su trastienda, es importante el inventario de los ultramarinos: álbum de brillante retaguardia: su base rítmica, sus efectos sonoros, percusivos completan la geometría de un sonido muy cenital, con pocos ángulos oscuros.

Y permítanme, para acabar con rotundidad ajena –pues voy camino de caer en un recalcitrante circunloquio- citar de nuevo al maestro Huidobro: “La poesía no debe imitar el aspecto de las cosas sino seguir las leyes constructivas que son su esencia y que le dan la independencia propia de todo lo que es.” Que lo que vale para lo poético valga para lo jazzístico. Y así es. Así lo demuestra Quinteto Cova Villegas con su “Free space”. Y yo aumentando mi dilatada banda sonora. Fuera por fin del mimbre y la vigilancia.

Fernando Menéndez

Tres palabras
Duración: 10’16″

Los piconeros
Duración: 13’20″

Hay que advertir que el que firma esta reseña habla exclusivamente desde la visión del músico y nunca del experto (no tiene mérito, es la única posición que podría adoptar en este caso). Y es desde esta perspectiva que me enfrento a una música que sienta su base en el free jazz pero se extiende a otros territorios muy alejados de un estilo que precisamente se caracteriza por no serlo, o al menos, por huir de serlo. Entonces, la escucha deberá ser indagativa mucho más que analítica, más en un sostenerse en ella que en el intento de acotarla; porque aquí el destripe analítico aportaría poco o directamente nada (¡y demónios, qué poco amigo soy de las convenciones analíticas!). De este modo me sumerjo en esta música de luces múltiples, intentando dejar atrás la mayor cantidad de ropa.

Pero no son aguas hostiles, nada de eso. Al disco se entra fluidamente, deslizar más que empujar. El primer corte, Conferencia de los pájaros (pieza original de Dave Holland, uno de los innovadores del contrabajo en el jazz), es una invitación a un cónclave bien particular donde, tras la presentación a solo del contrabajo, la voz va transformándose desde recursos propios de la improvisación libre (en este caso bajo la sugerencia del canto de los pájaros), para moverse hacia una expresión melódica que parlamenta en lenguas imposibles, lo que hace que nunca pierda ese componente de extrañamiento que nos hace disfrutar a la vez que reacomodarnos inquietos en el sillón de la escucha.

Después llegará Konstance’s deligth, donde el amplio referente autoral que se indica junto al título en la contraportada: “Jemeel Moondoc. Introducción sobre un motivo de Fran Lowe” pronto se hace inútil para la escucha de una pieza que va conformando su materia musical desde una concepción nuevamente cercana al ruido, desde lo casi melopéico, para enseguida hacer forma del carácter introductorio inicial. La siguiente pista nos conduce a un bolero de rítmica insólita, Un poco más (Álvaro Carrillo); y algo más allá encontramos Free Space, que da título al disco y que como la siguiente pieza, la mítica Sophisticated Lady de Duke Ellington, nos permite observar el trabajo del quinteto desde una perspectiva ahora sí plenamente jazzística (en los términos free que hemos hablado), aunque siempre al encuentro de lo imprevisible (aquí un ritmo inesperado, allá un tratamiento tímbrico o textural evasivo…).

Abismos

Y en estas andaba uno, aparentemente bien trazado el viaje, cuando en la siguiente pieza, Xilguerín parleru (otra vez los pájaros), inesperadamente se obra el milagro: afloran entonces los aromas orientales y el tren queda detenido en un espacio que pendula entre la sonoridad de los kempul y los reyong javaneses y una China aún no aprehendida, la del tradicional hulusi, esa especie de híbrido entre gaita y flauta de bambú. ¡Y todo esto a partir de una canción popular asturiana! El abismo se hace más profundo. La materia vocal se entrelaza con un clarinete bajo que –y esto es muy, muy extraño- sigue hablando todo el tiempo en el idioma tímbrico del hulusi. Es curioso, qué fácil es poner un escalofrío sobre la tradición occidental. Pero, ¿no estaré alucinando? En la caída, empieza a preocuparme la posibilidad de haber quedado enganchado en alguna escarpia de un oriente que sin duda siempre me ha atraído.

Llega la siguiente pieza. Se trata de Rosa morena, cuyo origen brasileño no debería mostrarme mundos sonoros más allá de los continentes africano y suramericano. Pero no es así, al menos al comienzo vuelve a moverse Oriente a mi alrededor. Como si se tratara de un móvil de Calder, la africana kalimba torna en láminas gamelanianas, los armónicos del contrabajo en delicadas percusiones de un juego de Reong, las sonajas en… ¡Sonajas, por favor, por qué no!

El viaje termina con una sorpresa final que figura titulada dentro de un signo de omisión en la carátula del CD, quizá un retorno a algo que se había dejado pendiente, seguramente a los sabores asturianos que rodean –junto a mi Oriente y al África y la América de todos- este registro discográfico.

Al final, en esa extraña e inexacta reconstrucción que la memoria hace después de la escucha, uno retoma los diferentes sabores, las formas insinuadas y las explícitamente dichas, y observa, en definitiva, que donde más a gusto se ha encontrado es en esos espacios de introducción o de salida, en las detenciones, en los abismos… Si hablara en términos de la tradición llamada “clásica”, debería referirme a esos momentos mágicos –casi siempre resistentes al análisis de convención- que no se encuentran en la dialéctica de los temas, ni siquiera en el centro del desarrollo, ni en una modulación rica, certera o ingeniosa. Se trata de espacios fronterizos, anticlimáticos sin clímax cercano, sonoridades ambiguas, puentes y transiciones que parecen evidenciar que no vienen ni conducen a ningún lugar pero que, en ningún caso, resultan superfluos. Por el contrario, de no existir, la obra probablemente perdería gran parte de su sentido, sufriría un tipo de desmoronamiento sólo perceptible por el oyente atento. Esto, de la misma manera que en “Free Space”, ocurre muy a menudo en toda la tradición clásica (sólo hay que poner los oídos en guardia, Mozart hará el resto). O al menos esos fantasmas se me han ido apareciendo en el sugerente viaje que plantea este excelente quinteto.

Información

Free Space / Quinteto Cova Villegas
Cova Villegas (voz), Cy Williams (guitarra, kalimba), Diego Gutiérrez (batería), Jorge Frías (contrabajo), Ildefonso Rodríguez (saxo tenor, clarinete bajo, hulusi).
Clamshell Records. Serie Vector
Ref.: CR12

01. Conferencia de los pájaros (Dave Holland) [5'28"]
02. Konstance’s delight (Jemeel Moondoc. Introducción sobre un motivo de Frank Love) [12'00"]
03. Un poco más (Álvaro Carrillo) [8'50"]
04. Free space (Jeanne Lee) [6'46"
05. Sophisticated lady (Duke Ellington) [5'52"]
06. Xilguerín parleru (popular asturiana). Ala memoria de Juan Uría Maqua [10'20"]
07. Rosa Morena (Dorival Caymmi) [4'56"]
08. (…)

Este Encuentro se distingue por poseer un programa de los más variados estilos, que busca el equilibrio entre lo conocido y lo novedoso, abarcando desde la música medieval hasta el jazz o la música contemporánea, lo que ha convertido al festival en un referente musical, no solo en la región extremeña, sino en toda España y Portugal.

El Festival Ibérico de Música de Badajoz se celebrará entre los días 26 de mayo y el 13 de junio, y, haciendo gala de su carácter cultural y didáctico, y por tercer año consecutivo, promoverá durante su primera semana el III Festival Joven, que tendrá lugar del 27 de mayo al 1 de julio, en el que el FIBM ofrecerá a jóvenes estudiantes de toda la península a punto de finalizar su formación o que acaben de hacerlo la oportunidad de participar en el festival y de familiarizarse con el entorno y la vida de un músico profesional. Además, el FIBM fomenta y favorece la valoración del patrimonio de la ciudad, celebrando sus conciertos en diversos espacios públicos como la Alcazaba o la iglesia de San Agustín, localizados en el casco antiguo de Badajoz, permitiendo así que, tanto turistas como ciudadanos de a pie, sean conscientes del patrimonio artístico e histórico que les rodea.

III Festival Joven

En su tercera edición, el Festival Joven demostrará superarse cada año en calidad. Alrededor de cuarenta jóvenes alumnos del Conservatorio Superior de Música de Badajoz demostrarán su destreza, actuando como solistas o en pequeñas agrupaciones de cámara en el Auditorio del nuevo edificio Caja de Ahorros de Badajoz.

El 27 y 30 de mayo a las 20,30h., los profesores de piano del Conservatorio Superior de Música “Bonifacio Gil”, Ángel Sanzo y Alexander Kandelaki, presentarán a sus alumnos que interpretarán obras de P. Hindemith, N. Médtner, A. Scriabin, M. Ravel, I. Stravinsky, W. A. Mozart, F. Chopin, R. Schumann e I. Albéniz.

El martes 28 de mayo será el turno del Tío Medea, el Trío Amadeus (violín, clarinete y piano) y el Cuarteto de Cuerda Glissandum, guiados por el pofesor de violín y música de cámara Joan Alonso. Interpretarán obras de D. Milhaud, A. Arutiunian y A. Dvòrak.

El Quinteto Mastropiero, a cargo de la profesora de viola Daniela Tudor, ofrecerá el miércoles 29 de mayo ofrecerá un programa con obras de S. Barber, J. Turina y J. Brahms.

El último concierto del III Festival Joven recaerá en manos del Ensemble Valencia Percussion Academy que, en colaboración con el Coro Lux contemporánea y bajo la dirección de Víctor Segura y Joan Soriano, cerrarán el Festival con obras de Steve Reich, Alberto Bernal e Iannis Xenakis.

Festival Ibérico de Música

El Festival Ibérico da su pistoletazo de salida el domingo 26 de mayo a las 20,30h., en el Patio de la Biblioteca de Extremadura, dentro del espacio de la Alcazaba. El concierto de inauguración recae en manos de la Banda Municipal de Música de Badajoz, fundada en el año 1867, dirigida por Vicente Soler Solano y que siempre fue y será un referente claro en los orígenes del Festival. Para esta inauguración, contará con la participación del Coro Proyecto Berlioz, guiado por la soprano pacense Celia Sánchez del Río. Ambas agrupaciones ofrecerán un programa conmemorativo al bicentenario del nacimiento (1813) de dos de los más grandes compositores de la época romántica, Richard Wagner y Giuseppe Verdi e interpretarán, además, una de las obras maestras de Héctor Berlioz: La Gran Sinfonía Fúnebre y Triunfal.

El siguiente encuentro será el sábado 1 de junio. Esta vez los protagonistas serán agrupaciones de jóvenes músicos extremeños y portugueses, amateurs y de los conservatorios de Alentejo y Extremadura, que un año más darán vida a la propuesta del FIBM Música en la calle/Música na rua en la que el festival se aleja de sus escenarios habituales para hacer partícipe a todo el público en general. Los grupos de jóvenes se repartirán por el centro de la ciudad, ofreciendo a los transeúntes un agradable paseo musical que dará comienzo a las 12,30h. Un año más la Banda 14 de janeiro regresará como invitada al templete de San Francisco.

El domingo 2 de junio el Ensemble NeoArs Sonora, nacido en 2008 y consagrado a la interpretación música contemporánea así como a la difusión y promoción de la misma, actuará a las 12h., en el Teatro López de Ayala en un concierto para toda la familia. La agrupación interpretará La Voz de la Tierra, una obra de Rafael Liñán que introduce escenas sonoras que varios compositores actuales han creado sobre animales y elementos de la Naturaleza.

El miércoles 5 de junio a las 21h., el escenario será la Iglesia de Santo Domingo, en la cual el Ensemble de Brandemburgo interpretará los Conciertos de Brandemburgo n. 1, 3 4 de J. S. Bach en homenaje a un activo socio y amigo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz, Gaspar Rodríguez, fallecido el pasado mes de marzo.

El Patio de la Biblioteca de Extremadura vuelve a acoger al Festival el sábado 8 de junio con la actuación, a las 22,30h., del grupo multiétnico y multicultural Ogún Afrobeat. Las manifestaciones musicales de diferentes culturas también tienen cabida en el Festival Ibérico de Música bajo el concepto World Music. El grupo Ogún Afrobeat, formado por músicos nigerianos, cubanos, norteamericanos y españoles traerán al festival ritmos y melodías de África, América y Europa, en una simbiosis de estilos tradicionales y de funk, disco y soul. Interpretarán piezas clásicas del multiinstrumentista y cantautor nigeriano Fela Kuti junto a composiciones de los miembros de la banda.

El Palacio de Congresos “Manuel Rojas” de Badajoz se convertirá en el escenario para el siguiente concierto del Festival, que tendrá lugar el día 9 de junio a las 21h., y que recaerá en manos de la Orquesta Sinfónica de ESML (Lisboa) formada por jóvenes estudiantes de música portugueses y dirigida por Vasco Pearce De Azevedo. La Orquesta ofrecerá un programa con obras de los compositores portugueses Joâo Madureira y Nuno Corte, del compositor alemán Paul Hindemih y de W. A. Mozart. El pianista Pablo Márquez Carrascal actuará como solista invitado.

El lunes, 10 de junio a las 21h., en el Teatro López de Ayala, la agrupación creada por el Festival Ibérico de Música de Badajoz interpretará La canción de la tierra de Gustav Mahler en la versión de Arnold Schönberg para orquesta de cámara. Grandes intérpretes extremeños o próximos a la región como la mezzosoprano Elena Gragera, el  tenor manchego José Ferrero o el actual director titular de la OEX serán invitados a participar en esta agrupación

El martes 11 de junio a las 20,30h., disfrutaremos en el Salón Noble de la Diputación de Badajoz el concierto que llevará a cabo el grupo de música antigua La Real Cámara., dedicados principalmente y desde su creación en 1992 a la recreación de música española. El concierto, titulado “Boccherini y la Música Ilustrada Española”, nos ofrecerá los Cuartetos para clave,  violín, viola y violonchelo G 259, junto a obras de compositores del siglo XVIII como Enrique de Ataide y Portugal y Manuel Canales.

El penúltimo concierto será a cargo de la pianista Tamar Beraia, un recital que tendrá lugar el miércoles 12 de junio a las 21h., en el Teatro López de Ayala. Esta pianista georgiana de reconocible talento presentará un programa de estilos muy diferentes que incluirá obras de Bach, Busoni, Chopin, Wagner, Liszt, Messiaen y Albéniz, haciendo gala de la diversidad y variedad de estilos y épocas que caracterizan a este singular festival.

Para finalizar el Festival, el concierto de clausura recaerá en manos de la OEX (Orquesta de Extremadura), dirigida por Álvaro Albiach. Será en el Palacio de Congresos “Manuel Rojas” de Badajoz el día 13 de junio a las 20,30h., y el programa lo conformarán las obras encargo de la Sociedad Filarmónica a los compositores extremeños Jerónimo Gordillo y Juan Ignacio de la Peña, el concierto para saxofón y orquesta de Glazunov que interpretarán la OEX en colaboración con el excelente saxofonista valenciano David Alonso y, como broche final, la popular sexta sinfonía de Beethoven.

Un total de quince actuaciones y conciertos que harán las delicias de los habitantes de Badajoz y de todos aquellos amantes de la música que deseen acercarse a compartir con la región extremeña esta muestra del arte musical ibérico que se ha sucedido a través de la historia.

Información

Sociedad Filarmónica de Badajoz
Teatro López de Ayala
Plaza Minayo
06002 Badajoz, Extremadura
Tel: 924 01 31 40 / 625 19 90 41
E-mail: sfilarmonicaba@gmail.com
Web: www.sfilarmonicaba.net

Referencias

• Web del Teatro López de Ayala
• Programa de conciertos [PDF]

El concierto se inscribe dentro del ciclo “3 mujeres, 3 estilos, 3 noches”, y reune en esta ocasión a este grupo ecléctico que trabaja en el entorno del jazz contemporáneo, las estructuras del postbop, la modalidad y la improvisación abierta. Su repertorio va desde temas de Cole Porter (Love for Sale) o de Duke Ellington (Sophisticated lady), a la canción popular asturiana, española y latinoamericana (Piconeros o Tonada de la luna llena), pasando del blues al fado e incluyendo también composiciones originales. Todo ello con una sonoridad propia que les identifica.

Información

Bogui Jazz
C/  Barquillo 29 (esquina C/ Piamonte)
Metro: Chueca (Línea 5) y Banco de España (Línea 2)
Tel: +34 91 521 15 68
E-mail: info@boguijazz.com
Web: http://www.boguijazz.com

Referencias

• Información sobre el concierto en la web del Bogui Jazz

UZ Tres Tubos es un trío formado por Chefa Alonso (saxo soprano y percusión), Miguel Ángel Bestard (tuba) y Marcos Monge (saxo tenor y clarinete bajo). Chefa Alonso nos dice: “Somos improvisadores y nos emociona la búsqueda y las aventuras arriesgadas.” Y continúa comentando cómo se ha gestado este registro: “Prescindir de la compañía y el abrigo que una sección rítmica ofrece y dejar al desnudo tres tubos sonando, no es fácil, pero es un desafío interesante: poder intercambiar dentro del trío las funciones de solista, de acompañante, arreglista espontáneo, base rítmica… ser uno y ser muchos, sin dejar que la música se caiga.”

En las notas de los autores que aparecen en el CD, Miguel Angel Bestard habla sobre la pieza Setamà como “un juego de palabras, un 7 hecho a mano.” Marcos Monge explica que Monkatis se inspira en la pieza Where ever the Jone Bugs go de Archie Shepp, “una melodía que en tempo rápido da la impresión de estar en el aire, en cambio el tempo lento la convierte en una pesada marcha“. Por su parte, Chefa Alonso habla del carácter de Cabeza de ratón, otra de las piezas que aparecen en este disco, como “La importancia de lo pequeño. El tema se basa en un ostinato, en 6/4, que se desfigura, construyendo algo consistente que se podría morder y alimenta.”

Información

Sala Clamores
C/Alburquerque, 14
Tel: 91 4457938
Web: http://www.salaclamores.com

Tres Tubos UZ
Clamshell Records, Serie Vector
Ref: CR06

01. Esperándola (Chefa Alonso) [6:08]
02. Setamà (Miguel Angel Bestard) [4:05]
03. Las Palmas Nouakchott (Marcos Monge) [5:36]
04. Algo latino (Ch. Alonso) [5:49]
05. Monkatis (M. Monge) [3:38]
06. Swing (Ch. Alonso) [3:43]
07. Martín pescador (Ch. Alonso) [3:37]
08. Fantasía india (M. Monge) [7:44]
09. Calypso oriental (Ch. Alonso) [4:38]
10. Falso indio (M. Monge) [4:16]
11. Cabeza de ratón (Ch. Alonso) [5:44]

Con la desaparición de las titulaciones de Maestro Especialista en Educación Musical, a excepción de las menciones específicas en el Grado de Maestro que se llevan a cabo en algunas de las universidades españolas y el pequeño porcentaje de créditos que se imparten en la subespecialidad de música en el Máster en Profesor de Enseñanza Secundaria, no existe ningún plan de estudios que contemple la educación musical como especialidad en la Educación Obligatoria. Consideramos esencial e imprescindible una formación musical amplia, actual y metódica del futuro docente. Esta situación demanda una especialización en pedagogía musical que permita adquirir los contenidos específicos de la materia y aplicar su didáctica en la enseñanza de la música en el ámbito de la educación Infantil, Primaria y Secundaria.

El profesorado encargado de impartir el curso será Jeff Jerolamon, profesor de la especialidad de Jazz en el Conservatorio de Música de Valencia y José Mª Peñalver Vilar, Área de Música, UJI.

Información

Fundació Universitat Jaume I-Empresa
Web: http://www.fue.uji.es

Referencias

• Información sobre el curso en la FUE-UJI

La improvisación libre, actividad básica de la creatividad humana, ha tomado en los últimos años en Europa un protagonismo y una fuerza en determinados círculos y ambientes artísticos que contrasta con la indiferencia con la que es tratada por la mayoría de la instituciones académicas y culturales de nuestro país.

Estamos hablando de la improvisación libre, es decir, una improvisación no ligada a géneros musicales específicos, sino vinculada al lenguaje y la expresión personal, al propio instrumento, al sentido de lo colectivo como motor de crecimiento, a la confianza en el individuo, a un espíritu de igualitarismo. En fin, una actividad que quiere darle la espalda al capitalismo atroz que está sumiendo nuestras sociedades en la desesperación y la ruina.

Un aspecto de la improvisación que ha prendido en estos últimos años en Europa es la conducción y las orquestas de improvisadores. La conducción, un director que se sitúa al frente de una orquesta de improvisadores, existe desde hace más de veinte años y supone una novedad en la historia de la música contemporánea, ya que, mediante el uso y la interpretación de una serie de señales – un lenguaje de signos para improvisadores-,  establece un vínculo entre la composición escrita y la improvisación. Pero estas señales, a su vez, permiten una interpretación flexible y dan la oportunidad a los improvisadores de trabajar con su propio lenguaje, al mismo tiempo que deben ser interpretadas adecuadamente, según el contexto musical del momento. Indican maneras de comportarse dentro de un contexto de improvisación colectiva.

Las cinco propuestas programadas en el Bogui son proyectos vinculados a la asociación Musicalibre, en cuanto que están formados por socios de la misma. Esta asociación, con mas de quince años de existencia, es el colectivo más activo en España en el desarrollo y la programación de la improvisación libre.

[Información proporcionada por la Asociación Musicalibre]

Información

Festival Internacional de Jazz de Madrid
Web: http://www.esmadrid.com/festivaljazz/

Referencias

• Web de la Asociación Musicalibre