La crítica, aunque no suele pagar, tampoco ha sido complaciente con este montaje. Crónicas referidas habitualmente al día del estreno, aunque hay quien se ha visto los tres repartos que se suben a escena y establece sus comparaciones y sus rankings. La conclusión es que este espectáculo no era el que se merece una institución como el Teatro Real ni tampoco el Palau de les Arts valenciano donde se estrenó. Aunque no falta el crítico que destaca el que se haya hecho hincapié en el aspecto giocoso de la obra que, por fin, ha introducido el humor, la sonrisa y la risa en este teatro tan exquisito (bueno, en el Don Pasquale también hubo sus risas). Y, de hacer caso a las crónicas, es un montaje que se le impuso a Mortier por el consejo asesor que se le creó. Pues él no lo habría programado, habida cuenta de su animadversión a Donizetti, o eso se dice. Ni siquiera por el trendy Damiano Michieletto, director de escena de este L’elisir d’amore, que se encuentra en la cresta de la ola con trabajos en Salzburgo y La Scala de Milán. Al que hay que reconocerle que ha sido capaz de dar continuidad a un espectáculo como la ópera que habitualmente parece hecho de escenas, claro que esta composición musical le ayuda y se lo pone fácil.

Y, contando que este elixir se ha trasladado a una playa valenciana de hoy en día, popular, con cierto mal gusto y algo bakala, que el filtro de amor es un trasunto de drogas que poco pueden hacer ante el deseo y el dinero, y la vida una fiesta continua, una mascletá de apetitos carnales que la noche confunde, se puede acabar esta crónica sin temor de haberle escatimado nada al lector, excepto un poco de su tiempo, antes de pasar a otra cosa, por ejemplo, a la siguiente ópera.

Referencias

• Web de L’elisir d’amore del Teatro Real (en español e inglés)
• Vídeo promocional de L’elisir d’amore (en español e inglés con subtítulos)
• Análisis de L’elisir d’amore por José Luis Téllez (en español)
• Recopilación de críticas de L’elisire d’amore en la revista Beckmesser (en español)
• Celso Albelo cantando Una furtiva lágrima en el palacio Euskaldune – Temporada 2012 ABAO-OLBE (en italiano sin subtítulos)

Por tanto, el olvido es necesario para no ponerse lírico y alabar el esfuerzo sin mirada crítica. Pues Títeres Etcétera, la compañía granadina responsable de este espectáculo, ya han demostrado con creces varias cosas. A saber, su buen oído musical y su conocimiento del medio teatral, tanto de pequeño como de gran formato. Cualidades que hace que cualquier teatro en España los quiera programar y más los teatros o festivales musicales, deseosos de que los niños se acerquen a ellos. Y en vez de fast food, ofrecerles platos gourmet o food for though, pues esas pequeñas cabecitas, y las grandes que las acompañan, también piensan. Así que no es de extrañar que Rita Consentino, la responsable del programa pedagógico del Teatro Real, embarcara al teatro en esta producción. Y que la compañía le propusiese esta obra de uno de los compositores ya olvidados, pero que los estudiosos siguen teniendo en consideración por el trabajo que realizó con los ritmos e intereses musicales de finales del XIX y primera mitad del XX. Tiempos en los que se desarrolló una gran parte del repertorio actual que se escucha en los teatros de ópera.

Empecemos, pues, con el cuento de este pequeño sastre que pasó de matar a siete moscas a luchar con un jabalí, dos gigantes y un unicornio que amenazaban el reino. Un cuento que nos cuentan dos actrices que hacen de sastras del teatro y una pequeña orquesta surgida del taller, en el que los operarios y aprendices saben tocar un instrumento. Incluso alguno es capaz de dirigir una orquesta con una aguja de hacer punto, encarnado por el director orquesta Tim Anderson. Y a partir de ahí, la desbordante imaginación de Etcétera, construye un sastrecillo, un rey, una reina, una princesa, un jabalí, dos gigantes (uno de los mejores hallazgos escénicos de la obra), un unicornio y todo un pueblo sobre la mesa en la que se cosen, se arreglan y se planchan los trajes que se usan en el teatro. Delante del público. Como si fuera sencillo, fácil, imaginar lo que nos están mostrando cómo lo están mostrando. De tal manera que, si no fuera porque alguna vez que otra la pequeña y estupenda orquesta (en la que suena bien hasta la percusión, punto flaco habitual de la formación titular de este teatro) opaca la voz microfonada de las actrices que cuentan el cuento, dos sastras interpretadas por Noche Diéguez y Yanisbel Victoria Martínez, el espectáculo musical, que no se olvide, sería técnicamente perfecto.

Tal vez se eche de menos una pizca más del corazón y del alma que Etcétera suele poner habitualmente en sus espectáculos y que seguramente irá adquiriendo a medida forme parte de su repertorio. Algo que no notan los pequeños espectadores que junto a sus padres han llegado pertrechados de ropa de abrigo esta fría mañana de estreno y salen con las pilas puestas, deseando seguir disfrutando con todo el attrezzo de otras producciones que el teatro ha sacado a la venta y expone en el lobby, los pasillos y las escaleras. Una vitalidad recibida por el personal de sala con sonrisas y caras llenas de contento de haber abierto las puertas y haber casi llenado la sala grande del teatro. Pues ven como los mayores van dando el testigo y los pequeños empiezan a tomarlo con normalidad. Igualando el ir a la ópera a jugar en el patio, a darle patadas a un balón o vestir princesas, jugar en la tablet y hasta, tan normal y cotidiano, como hacer los deberes, comer, dormir y soñar. Niños y niñas convertidos en pequeños sastrecillos y sastrecillas valientes que han descubierto, gracias a esta obra musical, que el ser pequeños no les hace menos fuertes, ya que la fuerza reside en la inteligencia y en la sensibilidad. Y esa es la fuerza de este montaje y de la pequeña gran compañía de Enrique Lanz que lo sube a escena.

Referencias

• Web de El sastrecillo saliente – Teatro Real (en español e inglés)
• Guía pedagógica para la obra El sastrecillo valiente del Teatro Real (en español)
• Reportaje de TVE sobre El sastrecillo valiente en el Teatro Real (en español)
• Web de la compañía Títeres Etcétera (en español e inglés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (1ª parte) (en holandés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (2ª parte) (en holandés)

A este espectáculo le falta cabeza, dirección, visión y entusiasmo por el material que se traen entre manos. Nadie pone en duda que la colonización fue una cosa de hombres que seguramente produjo muchas dudas en las mujeres. Tanto en las que llegaron con la intención de cristianizar como las que, perteneciendo a la clase superior de los indígenas, desposaron con el fuerte hombre blanco que mataba a su pueblo. ¿Realmente lo eran esos muertos de hambre que llegaban desde España en busca de fortuna? Eran otros tiempos. Tiempos en los que la espada imponía una forma de hablar y el cuerpo a cuerpo sucedía en la cama y en el campo de batalla. Algo que se debería haber tenido en cuenta a la hora de actualizar este artefacto musical, tanto en el texto como en la escena. Pues un clásico, por poco representado que sea, por muy recuperado que esté, es un clásico porque tiene una verdad para los seres humanos que lo disfrutan en cualquier época. Una verdad que cambia y se disfraza según la época pero que contiene algo rocoso que resiste y ha resistido al tiempo. Y que ofrece, a quien lo chupa, un sabor mineral y, a quien lo toca, una textura que tampoco es del gusto de todos.

No es de extrañar, que lo que se oye y se ve se convierta, para el que asiste despierto a la representación, en una ilustración banal. Desde la propia música, lo más cuidado del montaje, poniendo de manifiesto, una vez más, que el interés de Mortier es lo musical y entiende lo escénico como ilustrativo, por mucho que le pese a muchos. Incluida esta pretendida recreación contemporánea de la semiópera inglesa. Pues actualizar no es sustituir elementos antiguos por contemporáneos. Tampoco llenarla de referencias a la actualidad para acercarla al público, y menos aún a un público que desconfía de todo lo que le huele a o enseña la patita de contemporaneidad. No, el arte del pasado no se convierte en arte del presente porque los actores usen boxers, lleven trajes de camuflaje, empuñen metralletas y beban cerveza con los amigotes en Chiapas para relajarse entre riot y riot. Si a eso se le añaden que algunas voces, no muchas, tienen un fondo de musical americano, un deje, una resonancia, solo cabe calificar el espectáculo de despropósito. Aunque sea bienintencionado, pues en esta propuesta, ante la oscuridad y cierto aire de desprecio que siempre desprende la imagen de Currentzis, se encuentra el amable, cercano y cariñoso director de escena Peter Sellars. Pero, ya se sabe, de buenas intenciones está el cementerio de los espectáculos lleno. Y cualquier defensa de los mismos siempre resultó un ataque al arte.

Referencias

• Web oficial del Teatro Real de The Indian Queen (en español e inglés)
• Video promocional de The Indian Queen (en español e inglés subtitulado en español)
• Análisis de The Indian Queen por José Luis Téllez para el Teatro Real (en español)
• Críticas de The Indian Queen recogidas en la revista Beckmesser (en español)
• Teaser de la Ópera de Perm para The Indian Queen (en ruso)
• Encuentro con Peter Sellars sobre The Indian Queen en la Ópera de Perm (en inglés con traducción simultánea en ruso)
• Lista de reproducción de The Indian Queen en YouTube

Así pues, cada edición llevan a cabo su cometido a través de tres categorías en las que aúnan y recogen el fruto de su filosofía: “Ciclo de Música Contemporánea”, que concentra la creación sonora del presente y todas las posibilidades técnicas y musicales que supone; “Otras Músicas”, que acoge tendencias sonoras poco usuales en la formación de festivales como el folk o el “reciclaje artístico sonoro”, una interesante propuesta de Razikletas (28 de noviembre); y “Nuevos Intérpretes”, ciclo que ofrece la oportunidad a grandes promesas de la música que, quizá por su juventud, no encuentran espacios en los que demostrar su enorme talento.

El Festival Bernaola se desarrollará a lo largo de todo este mes, desde el 2 al 30 de noviembre, y se situará en diversos espacios y emplazamientos de Álava, como el Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi, el Museo de Bellas Artes y la Escuela Municipal de Música Luis Aramburu. La entrada a los conciertos es libre a excepción de las formaciones que actuarán los días 8 y 30 de noviembre.

El ciclo “Música Contemporánea”

Siempre es gratificante e interesante ser testigos de la creación de nuevos escenarios que acojan diferentes puntos de vista de la música. No obstante, en Sul Ponticello nos enfocaremos en el ciclo que nos atañe, el de Música Contemporánea. Con amplio espacio de actuación, el programa de este ciclo estará conformado por seis conciertos intercalados entre las otras dos categorías.

El primer concierto dedicado al “Ciclo de Música Contemporánea” será el jueves 7 de noviembre a las 20,30h., en el Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi. El concierto será a cargo de GRUPO ENIGMA, la Orquesta de Cámara Auditorio de Zaragoza, agrupación consagrada desde su creación en 1995 al ámbito de la música contemporánea en el panorama español. Con dos conciertos y una mesa redonda, GRUPO ENIGMA nos deleitará con obras de Sergio Blardony, Consuelo Díez, Guillermo Lauzurica, Gabriel Erkoreka, Mario Carro y Jesús Torres.

El 9 de noviembre a las 20,30h., nuevamente en el Conservatorio de Música Jesús Guridi, tendrá lugar el segundo de los conciertos del ciclo. A cargo de Espai Sonor, formación instrumental nacida en 2003 y consolidada en la difusión de la música contemporánea y bajo la dirección de Voro García, el público presenciará la interpretación de las obras de otros cuatro autores españoles dedicados a la creación actual: Iñaki Estrada, Josué Moreno, Miguel Ángel Berbis y José Manuel López.

El tercer concierto del ciclo irá de la mano de Ensemble Sinkro, una agrupación en la que destaca la multidisciplinariedad de sus componentes, procedentes de otras disciplinas artísticas como el teatro o la danza. Además Ensemble Sinkro presta especial atención de sonido e imagen al espacio acústico y escénico. El concierto será el jueves 14 de noviembre a las 20,30h., en la Escuela Municipal de Música Luis Aramburu. Ensemble Sinkro ofrecerá obras de Sofía Martínez, Carmelo Bernaola, Jose Antonio San Miguel, Félix Ibarrondo, Scott Lindroth y un homenaje a Olivier Messiaen a cargo de Sergio Gutiérrez.

Oktoecho será la formación que llevará a cabo el cuarto y el quinto conciertos del ciclo el día 17 de noviembre a las 12,30 y a las 20,30h., en Plazako Andre Mariaren baseliza-ElCiego y en el Conservatorio de Música Jesús Guridi respectivamente. Especializada en la fusión estilística musical entre Occidente y Oriente Medio, Oktoecho es una formación de componentes de distinto origen y de geometría variable que puede pasar de los 3 a los 20 músicos. Bajo la dirección artística de la compositora Katia-Makdissi-Warren y a través de las composiciones originales, hacen de la improvisación su elemento principal, lo que convierte cada actuación en un evento único.

Como clausura del “Ciclo de Música Contemporánea” del Festival Bernaola, Nou Ensemble actuará el sábado 23 de noviembre a las 21h., en Kubik Aretoa, ofreciendo un atrayente e interesante cierre a modo de performance que combina diferentes disciplinas, como la danza, la videoproyección y la electrónica en vivo. Todos caníbales es el nombre de la obra con la que esta formación, que desde su creación en 2009 ha contribuido en la difusión del repertorio de los siglos XX y XXI, pondrá el broche final al ciclo contemporáneo de este festival lleno de curiosas e innovadoras propuestas.

Información

Conservatorio de Música “Jesús Guridi”
Pza. de la Constitución
01009 Vitoria- Gasteiz, ÁLAVA
Tel: [34] 94 528 24 00
Fax: [34] 94 526 89 35
E-mail: info@conservatoriovitoria.com
Web: www.conservatoriovitoria.com

Escuela Municipal de Música Luis Aramburu
C/ Correría, 108 bajo
01001 Vitoria-Gasteiz, ÁLAVA
Tel: 94 516 16 88
Fax: 94 516 19 39
E-mail: emmla.administracion@vitoria-gasteiz.com

Kubik Aretoa
C/ General Alava Kalea, 5
01005 Vitoria-Gasteiz, ÁLAVA

Plazako Andre Mariaren baseliza-ElCiego

Referencias

• Web del Festival Bernaola
• Más información sobre los intérpretes y agrupaciones [PDF, enlace externo]

Esta vez, el descoloque no ha producido el escándalo habitual. Seguramente, calmadas como están las masas operísticas españolas sabiendo que este será el último año de Mortier como director artístico del teatro y que ya hay otro para enderezar, dentro de lo posible y del gusto masivo, la herencia que ha dejado. Herencia, sí, puesto que las temporadas operísticas hay que realizarlas con varios años de antelación por los compromisos alrededor del mundo que tienen directores musicales, directores escénicos y, sobre todo, cantantes.

El caso es que el aplauso del día del estreno fue más bien tibio, aunque insistente y apasionado por unos cuantos espectadores. Los suficientes para hacer sentir al equipo artístico satisfacción por el trabajo hecho. Lo que contrastaba con el día del ensayo general con público. Día en el que el teatro estalló en bravos y aplausos sinceros desde el momento en que acabó la representación, aunque ni la voz ni la actuación del barítono Holger Falk, que hace de Cortez en el segundo reparto, acompañaran pero que tiene la presencia que le falta a Georg Nigl (aunque este brilla por la voz y sus capacidades interpretativas). Día de ensayo en el que se encontraba Xavier Güell, el director del festival español de ópera contemporánea, Operadhoy. Y de nuevo, en el día del estreno, se oía a la salida la eterna, e inútil, discusión ¿es o no es una ópera?

Sin embargo, cualquiera que entre en el teatro, se siente en su butaca y se olvide de todo este ruido, se encuentra ante una obra que destaca por lo musical. Por la tradición con la que está hecha y por la contemporaneidad que incorpora. No hay pocos momentos, tal como se muestran en escena y se escuchan en el teatro, en los que se pudiese olvidar el apellido de contemporánea que se le pone a esta ópera. Por ejemplo, los aparentes dúos entre Cortés y Moctezuma o sus también aparentes arias. Es cierto, que esta obra no es ajena a esa investigación técnica sobre el sonido y su percepción que vienen desarrollando muchos músicos y otros indagadores del entorno sonoro desde hace bastantes años y que sigue hoy en día. Músicos que, como siempre ha ocurrido, no son ajenos a una reflexión alimentada por las noticias que de su mundo dan otros artistas, pensadores y, ahora, ingenieros y científicos (es falsa la tradición española de separar entre ciencias y letras). Pues esa y no otra es la contemporaneidad de Wolfgang Rihm o, al menos, la que muestra esta obra. De tal manera que uno escucha esta Conquista de México y se encuentra presente en lo musical pero ausente de un texto y de una palabra, cuya conexión dramática con el espectador se produce en un plano poético. Un plano en el que lo dicho literalmente produce una extrañeza, un enigma, para la consciencia y una relación, una verdad, tal vez, para la inconsciencia. Donde el reprimido y el que reprime coinciden en la misma persona, en el espectador que sentado en el teatro se escucha y se ve hoy. No en otro tiempo o con otros gestos, que se dieron antes, y que mantiene al haber sido educado en ellos para explicarse el mundo. Explicaciones y gestos que han sido ya modificados por nuevas incorporaciones de lo que la humanidad ha aprendido, ha comprendido y ha sido capaz de hacer, para bien o para mal. Una verdad incómoda, pues nos hace responsables únicos de lo que somos y de lo que hacemos, y que, como siempre ha hecho la ópera, esta obra es capaz de mostrarla con una belleza dramática.

Los momentos comentados en el párrafo anterior son perfectamente entendidos por el director  musical, Alejo Pérez, que conduce la orquesta desperdigada por el teatro y saca lo mejor de la percusión de la orquesta que normalmente defrauda y que en este caso pone notas de calidad al espectáculo. A la que las voces grabadas del coro impone un tiempo y un tempo que cumplir.

Más controvertidas son la dirección de escena de Pierre Audi y la escenografía de Alexander Polzin. A veces deudoras de un cierto toque performativo o de happening del flower power de los sesenta y setenta del siglo pasado. O por el uso acrítico de los típicos recursos que se relacionan con lo contemporáneo y que a veces sirven para parodiarlo. Como son la utilización de luces de colores psicodélicas y del teatro noh (esa bailarina japonesa que representa a Malinche). Algo que sucede al principio, augurando lo peor, pero que en el desarrollo del montaje van matizando, combatiendo, y venciendo todas las resistencias de este tipo de montaje para construir la historia sin anécdota que sirve Rihm. Donde la luz, el color y la espectacularidad de lo clásico hacen eco en lo que se ve en escena, como ese traje dorado de Moctezuma. O ese telúrico anochecer en el que Moctezuma tiene una revelación o intuición de lo que va a suceder, de la pérdida, de su perdida frente a un mundo que a la vez le fascina.

Sin embargo, no está La Conquista de México tan anclada en el hecho histórico al que hace referencia. No, no es inocente que Moctezuma sea en la partitura una soprano aguda y Cortés un barítono. No, no es inocente que todos los indígenas de México sean mujeres y todos los soldados y buscavidas que acompañan a Cortés sean hombres. Ese hecho musical y artístico ponen en escena la guerra de sexos en la que nos encontramos inmersos ahora, aquí, desde hace varios años. Una batalla absurda donde las haya en la que todos tenemos mucho que perder. Pues siempre que hay batallas, hay guerras, y en la cultura humana, en la civilización de los hombres, la única forma de vencer esta y cualquier otra guerra es “produciendo un terrible feminicidio” o  creando “una hembra terrible”, dos de los versos que cantan los protagonistas. Cuando “Masculino. Femenino. Neutro.” da igual. Ya que, como seres con capacidad de amar, los humanos necesitan al otro, al diferente, al que le hace diverso y distinto. Al que le hace atractivo. Pues ganar la guerra, deja al ser humano abandonado y solo. Una tragedia de la que los individuos, los ciudadanos, nos debemos liberar, aceptando la diversidad. También, la diversidad musical si no queremos hacer verdad que solo las flores y los cantos permanecen como canta el coro en esta ópera. Demos la bienvenida a una obra que ha tardado tanto en llegar a la cartelera española después de su duradero éxito en Alemania. Agotemos las entradas. Pues la diversidad nos hará libres. Libertad para encontrar el oro de Rihm, y de otros muchos compositores que no se creyeron eso de que la ópera ha muerto, y la mantienen viva y coleando.

Enlaces relacionados

• Web de La Conquista de México – Teatro Real (en español)
• Vídeo promocional de La Conquista de México (en inglés subtitulado en español)
• Análisis de La conquista de México de W. Rhim por José Luis Téllez (en español)
• Wolfgang Rhim: Die Eroberung von Mexico en versión de Ingo Metzmacher (disco)

Transforma-t, no es un espectáculo de danza al uso, sino que abarca diferentes disciplinas tales como la acrobacia, el teatro, la música… así como la utilización de recursos audiovisuales y la manipulación de los objetos y las sombras. Toni Mira, propone una reflexión sobre la lucha en el cambiante mundo actual y la necesidad de reinventar nuestra sociedad por medio de una tranformación. Todo ello se verá reflejado metafóricamente en un juego escénico y visual de una duración aproximada de 35 minutos.

La música ha sido compuesta por el autor aragonés Víctor Rebullida, compositor de ya dilatada trayectoria tanto en el ámbito sinfónico y de la música de cámara como en el de la música incidental, poseedor de premios como el Max por la música para Metrópolis, el Premio SGAE o el Reina Sofía.

La entrada es gratuita y los días en los que se podrá disfrutar del evento son: el día 05 a las 21,30 h., el día 6 a las 23 h. y el día 8 a las 00 h., en el espacio E. Hort del Barceloní del municipio de Tárrega.

Información

Fira Tárrega
Espai Hort del Barceloní
Hort del Barceloní, s/n
25300 – Tàrrega
Lleida
Web: http://www.firatarrega.cat

Referencias

• Víctor Rebullida Blogspot
• Biografía de Toni Mira en danza.es
• Cía. Nats Nus

Lo cierto es que viendo y escuchando Il postino se nota, se siente, que tiene ese carácter popular que caracteriza a los productos llegados de Los Ángeles, y más de Hollywood, verdadera máquina de hacer blockbusters. Ese género que para bien o para mal ha arrebatado a la ópera el carácter popular que tuvo en su momento, como ya intuyó Puccini que haría. Y al igual que la mayoría del cine que llega de allí, aunque sea con la coartada de alternativo o con el sello de qualité que pueda dar un Oscar o un premio en Sundance o de la crítica de Nueva York, lo cierto es que esta obra está hecha con la clara intención de ser popular y de dar a los cantantes libertad para cantar, incluido el hacer filigranas y gorgoritos con la voz si se presenta la ocasión. Nada de cantar reptando, boca abajo, etc. Lo máximo que se atreve el director de escena es poner al cartero, el tenor Leonardo Capalbo, en calzoncillos y a desnudar el busto y de espaldas a Matilde Neruda, la soprano Cristina Gallardo-Dômas, ante su marido Pablo Neruda, interpretado por el tenor Vicente Ombuena. Un ejercicio de sentimentalidad plana, que no tiene porque no ser verdadera ni dejar de ser cierta. Un ideal romántico que muchos y muchas persiguen, y se empeñan en vivir. Estamos, pues, ante un producto light, del estilo de una mayonesa o un queso ligeros, que por mucha grasa que se les quite siguen conteniendo el suficiente colesterol como para atorar las arterias varias veces. Y todos tan contentos, creyendo que están a dieta.

Se podrá discutir la necesidad de satisfacer a la nueva, emergente y pudiente clase social estadounidense de la cultura hispana y en español, que amenaza con convertirse en el segundo grupo étnico de Estados Unidos. También se puede discutir el hecho de que la lengua española, la palabra, es tan solo la expresión y el producto de una cultura que no es la anglosajona, y a esta cultura hay que darle sus óperas. Lo único cierto es que esta es una ópera hecha para las masas sin ningún pudor, que carga las tintas en una tradición romántica poco específica de una cultura concreta y más deudora de un melting pot global. Con sus mínimos comunes denominadores que hacen que no haya dudas en decir que esto es y no deja de ser nada más que una ópera y punto, si es que a estas alturas hay alguien que sepa lo que es esto. Cuya originalidad es tener un libreto en español y como figura de referencia a un poeta chileno y universal. Que para gusto y disgusto, hace sus guiños a la contemporaneidad incluyendo en escena música grabada que se hace sonar en un viejo tocadiscos. De nuevo lo light, evitando llevar el recurso a sus últimas consecuencias. Evitando lo bueno, tanto en lo musical como en lo literario, para abrazar el buenísmo. Evitando el sentimiento para abrazar el sentimentalismo, su fingimiento. A los que una orquesta que suena bien y agradable, unos cantantes que también lo hacen bien, si no se les exige grandes dotes actorales, una escenografía resultona y una eficaz dirección de escena les dota de credibilidad ante un público y una crítica que no sabe qué hacer con lo que les ofrecen. Pues por un lado están deseando aplaudirlo, lo han pasado bien, pero por otro se dan cuenta, pues no son tontos, de que esto ya no puede ser hecho hoy. De tal forma que todo se queda en un análisis técnico de la calidad de las voces y no de lo que esa calidad ofrece a lo que se cuenta y se canta. A lo que le acompaña una apurada reseña del desempeño de la orquesta y muchas páginas y mucho interés por la buena mala salud de Plácido Domingo que le permite salir con bien de los últimos achaques sufridos y seguir subiéndose a los escenarios e imponer programaciones.

El resultado es un lleno importante del teatro, una vez vencida la resistencia y el escepticismo que le precedieron y que produjeron una compra dubitativa de entradas. El resultado es una agradable velada sin sobresaltos para una tarde-noche de verano. Una coartada cultural. Y hasta política, si lo siguiera siendo el típico conflicto entre derecha e izquierda, entre fascismo y comunismo (¿pero no habíamos quedado que fueron lo mismo?). Hay amor, o lo que se piensa que es amor. Y hay amistad, o lo que se piensa que es amistad, entre clases. Convirtiéndose, probablemente sin quererlo, en una ratificación del statu quo. La confirmación de una idea y de la globalizada visión anglosajona del mundo. Escrita y cantada en español. Que nombra referentes culturales hispanos sin mostrarlos (¿qué se sabe de Neruda después de ver esta ópera? ¿Y de Allende? ¿Y de Chile? ¿Y del exilio que por razones económicas y, en definitiva, ideológicas sufren tantos latinoamericanos?). Convirtiéndose en aquello que el proyecto artístico de Catán quería evitar: hacer óperas dobladas al español. Pues no dejan de ser óperas que suenan en otro idioma, pertenecientes a otra cultura. A una cultura a la que miles de personas se aferran porque lo que ven, o lo que intuyen, fuera de ese constructo cultural es lo desconocido, para lo que todavía no tienen palabras. Un abismo que les provoca un sentimiento de miedo, de terror. Mejor quedarse donde uno se encuentra y felicitarse por ello. A salvo, seguro. Una conclusión que deja en el aire dos preguntas: ¿se puede señalar a este público por quedarse en el refugio?, y ¿el arte no es riesgo, aunque sea un riesgo controlado? Una respuesta afirmativa a la última ¿no debería significar que los que aman el arte, aman también el riesgo artístico? Preguntas que sobrevuelan sobre la reciente historia de la música que recuerda lo feliz que fue Schönberg jugando al tenis en Los Ángeles donde llegó huyendo del horror con nombre conocido: el nazismo.

Referencias

• Página del Teatro Real para Il Postino (en español)
• Conferencia de José Luis Téllez sobre Il Postino (en español)
• Clip promocional de la ópera de Los Ángeles para Il Postino (en español)
• Il Postino de Catán – grabación realizada en el Théâtre du Châtelet (en español)
• Playlist de YouTube sobre Il Postino del Théâtre du Châtelet (en español y francés)
• Comprendo – Duetto Cristina Gallardo-Domâs y Plácido Domingo (en español con subtítulos en inglés)
• Florencia en el Amazonas de Catán – Acto I, escena 1 (en español)

La Regiduría de l’Ajuntament de Palma de Mallorca y la Fundació Palma Espai d’Art, concebida en el 2007, impulsan durante los días 9, 10 y 11 del presente mes de agosto de 2013 el Festival ME_MMIX, la primera edición de un nuevo proyecto que abordará, en seis conciertos y una sesión, la programación de música contemporánea ligada a la vídeo proyección y distintos medios electrónicos.

Con el propósito de favorecer la interdisciplinariedad escénica y ejerciendo de línea de trabajo para futuros años, esta primera edición del Festival propone tanto obras compuestas mediante medios electrónicos como obras mixtas y obras sin ninguna intervención electrónica. El compositor y guitarrista mallorquín Mateu Malondra Flaquer se encargará de la dirección artística y coordinación de esta primera edición del Festival ME_MMIX.

El programa

Los conciertos transcurrirán en seis emplazamientos diferentes de Palma de Mallorca e incluyen las actuaciones de grandes personalidades de la escena musical internacional en el ámbito contemporáneo.

El primer concierto será “Desde la modernidad” y tendrá lugar el 9 de agosto a las 20,30h en el Patio del Casal Solleric. Correrá a cargo del joven percusionista francés Rémi Durupt, consagrado a la composición electrónica y ganador de premios internacionales como el JMC Suiza, el FNAPEC de París. Durupt dedicará su programación a un repertorio donde la percusión adopta un papel solista y protagonista, con o sin la participación de medios electroacústicos. Rémi Durupt incluirá el Patio Solleric como elemento activo, ya que jugará con la localización de los diferentes instrumentos por todo el  lugar. El programa incluirá obras de Laurent Durupt, Iannis Xenakis, Octavi Rumbau, Philippe Hurel, Perre Jodlowski y del propio Rémi Durupt.

El segundo concierto ”Desde la tradición”, celebrado el mismo día de nuevo en el Patio del Casal Solleric a las 22.00, tendrá como protagonista al violín de la joven promesa en el ámbito contemporáneo Takao Hyakutome, de origen japonés y cuyo talento interpretativo y compositivo le ha llevado a obtener premios en varios países europeos como Italia, Holanda, Belgica o Polonia y actuado en otros tantos más. Dedicando su actividad al estudio de nuevas técnicas interpretativas, nos ofrece un programa variado, con uso de la electrónica, con obras de Brian Ferneyhough, Edo Fenkel, Jorge Diego Vásquez, Hikari Kiyama, Yannis Kyriakides y una improvisación propia.

El escenario para el tercer y el cuarto concierto será en el Aljub d’Es Baluard el día 10 de agosto. El primer concierto de esta nueva etapa, “Lichtklavier: perspectiva escénica del instrumento como solista, más allá del formato clásico” tendrá lugar a las 20,30h y recaerá en manos del pianista mallorquín Tomeu Moll. Con una más que destacable trayectoria interpretativa, Tomeu Moll no solo actúa como solista, sino que forma parte del Ensemble Espai Sonor, miembro fundador de la compañía de danza y música SOC Ensemble y cofundador, junto a la pianista LLuïsa Espigolé, del Alter Face Piano Ensemble. En un programa donde la video proyección y los elementos electroacústicos se tornan componentes esenciales, Tomeu Moll propone obras vinculadas a la interacción entre ambos medios. Así, este ambicioso pianista interpretará obras de Michel Van der Aa, Mateu Malondra Flaquer, Alberto Bernal, Frédéric Chopin, Guillaume de Machaut, Johann Sebastian Bach, Iñaki Estrada y de Michael Biel.

Entre los conciertos tres y cuatro, Mateu Malondra, en colaboración con Pedro Servera, ofrecerán en SESIÓN, un proyecto en el que Servera, alejándose de la línea del Festival y acercándose a la cultura techno, realizará una re-mezcla de una obra seleccionada por Mateu Malondra.

El concierto cuatro “Piano Surroundings: Improvisación y montage” será a las 22h. En este nuevo encuentro, el pianista berlinés Jan Gerdes, en colaboración con la artista hispano-argentina Silvina Avila, presentan KAUM, un proyecto en el que el paisaje sonoro adquiere un nuevo significado con una visión poética particular gracias a la relación tímbrica del piano con el uso de grabaciones y la manipulación electrónica en tiempo real a través de sintetizadores. Para la proyección, KAUM contara con la colaboración del Mallorquín Pedro Servera, y el programa incluirá obras de Karheinz Stockhausen, Beat Furrer y dos improvisaciones en las que el piano, la electrónica manipulada y la imagen harán las delicias del más ambicioso público.

Los dos últimos conciertos se desarrollarán el día 11 de agosto en distintos emplazamientos de la Fundació Pilar i Joan Miró. El primero de ellos será a las 20,30h en Son Boter, donde el Ensemble CrossingLines, nacida en la Escola Superior de Música de Catalunya y bajo la dirección artística del compositor Luis Codera, que nos  ofrecen un programa destinado a divulgar la música de vanguardia con un formato de concierto comentado formado por obras de Pedro Álvarez, Raquel Gracía Tomás, Giacinto Scelsi, una obra propia del ensemble y una improvisación.

Para concluir el Festival ME_MMIX, el último concierto se desplaza al Edificio Moneo de la Fundació Pilar i Joan Miró y tendrá lugar a las 22h. Con una trayectoria envidiable, el dúo UMS’n JIP, protagonistas de este último encuentro, cuentan con un gran reconocimiento en el panorama internacional. Con numerosos conciertos a sus espaldas, este ensemble ha sido galardonado con prestigiosos premios como el MusiquePro grant. UMS’n JIP divide su actuación en dos partes, en la primera de las cuales nos ofrecerá la representación reducida de la ópera de cámara EINER-electropop chamber orchestra. La segunda parte la integrarán proyectos monográficos sobre varios países y sus compositores emergentes. En esta ocasión se centrarán en el Spain, Greece and Japan Project, formado por obras de Octavi Rumbau Masgrau, Chikashi Miyama, Dimitri Papageorgiu, Panayiotis Kokoras, Joan Bages i Rubí y Luís Codera Puzo.

Información

Casal Solleric
Passeig Born, 27
07012 Palma de Mallorca
Tel: 971 72 96 02

Es Baluard
Plaça Porta Santa Catalina, 10
07012 Palma de Mallorca
Tel: 971 90 82 00

Fundació Pilar i Joan Miró
Carrer de Joan de Saridakis, 29
07015 Palma de Mallorca
Tel: 971 70 14 20

Referencias

• Página web del Festival ME_MMIX

El planteamiento adoptado en esta ocasión por los integrantes de Neopercusión es el de ofrecer tres conciertos con un programa distinto en cada caso pero que vienen integrados dentro de una visión más global de lo que la música puede llegar a ser. Exploran para ello todas las posibilidades del ritmo y lo mezclan con otros lenguajes sonoros propios del siglo XXI. Es por tanto un todo fraccionado en tres magníficas actuaciones que van a  ejemplificar la maestría de los intérpretes de Neopercusión: Juanjo Guillem, Rafa Gálvez, Joan Castelló,  Pilar Fontalba, Antonio Picó y Rosa Tornel. Invitando al espectador a un viaje por el tiempo y espacio donde todo puede ocurrir. Hay que tener en cuenta además que  para esta ocasión, Neopercusión va a recurrir a la experiencia y buen hacer de otros músicos, especialistas en distintos lenguajes sonoros  también de talla internacional que conformarán un espectáculo ecléctico lleno de sensaciones nuevas.

El primer concierto (KONEKT@rte1) lo han titulado “Músicas Habladas” (Rap actual) y cuentan con la colaboración de Roy Mercurio como maestro de ceremonias, el Dj Tony Karate y el violinista Mario Pérez. El segundo concierto (KONEKT@rte 2) se desarrolla bajo el epígrafe de “Músicas Exóticas” y en se va a interpretar la obra de Mauricio Kagel también denominada Exótica, con dirección de escena de Pablo Ramos. En la última de estas propuestas (KONEKT@rte 3) denominada “Músicas Posibles”, participarán el instrumetista múltiple Andreas Prittwitz, el bajista Lázaro Sosa y el batería Hidevis Cabrera.

Todos los conciertos se van a desarrollar a las 22 h. y la adquisición de entradas puede llevarse a cabo tanto en la página web del teatro como en las taquillas, una hora antes de la representación. Hay precios reducidos para aquellas personas que asistan a más de un concierto.

Información

Teatre Micalet
Mestre Palau, 3, València
Calle del Doctor Fourquet, 5, 28012 Madrid.
Tel:  +34  963 92 14 82
E-mail: comunicacio@teatremicalet.org
Web: www.teatremicalet.org

Referencias

• Festival Konekt@rte
• Web de Neopercusión

Primera idea, este Wozzeck pone de manifiesto que es falso que la ópera haya muerto y que esta obra fuera una de las que cavaba su tumba y completaba la lápida. Siempre que se ejecute como se hace en esta ocasión no habrá espectador que no quiera escuchar cosas nuevas. Hay y sigue habiendo mucho campo para el desarrollo de un género más allá del repertorio, ese constructo social que muere con la sociedad que lo crea, en la que se tiende a encorsetarlo. Ese sonido que evoca, por un lado, la tradición y, por otro, la modernidad, y que abrió, en su tiempo, nuevas posibilidades expresivas. Por eso, no es de extrañar que un aforo que habitualmente abuchea las obras contemporáneas, o las acepta como un mal menor o como ese puntito de modernidad que tiene que tener, esta vez esté aplaudiendo a los cantantes en general y al director musical en particular.

Lástima que no le acompañe lo escénico. Tal vez por una falta de valentía por parte de Marthaler, el director de escena, la valentía que sí muestra en otros montajes también musicales pero no operísticos. Aunque su idea y la de su dramaturgo es buena y abre las posibilidades a representaciones más realistas, alejadas de las abstractas al uso que se han venido haciendo últimamente. Pues no hay otro lugar u otro espacio público más visitado por todas las clases sociales actuales que las carpas de las ferias. Esas en las que se encuentran, dependiendo del lugar, bares para tomar cervezas oliendo a fritanga, a chucrut, a borsch, y, cómo no, a perrito caliente o hamburguesa. Incluso al peculiar olor y sabor de la comida china o coreana en sus respectivos países. Ese olor que impregna la ropa, el pelo, y que acompañará a las personas que entren en la carpa. Un espacio donde se entra y se sale. Rodeado de otras vidas que suceden a la vez. Y de los niños que juegan afuera mientras los adultos piensan que ellos no juegan, no están jugando, al amor, a la guerra, a la salud, a la muerte, a ser personas. Lástima que haya momentos en los que la iluminación no acompaña a lo que se canta o sea difícil de imaginar que eso suceda allí de acuerdo a lo que se lee en los sobretítulos.

Aunque destellos de valentía se ven en gestos como la elección de Jon Villars para el papel de Tambor Mayor caracterizándole como el chulo del barrio, un macarra nada atractivo, de barriga cervecera, pantalones vaqueros viejos y camisetas negras y alejándole de los parámetros físicos y de apariencia que tradicionalmente se le adjudican al personaje. Y enfrentarlo a una Marie, interpretada por la soprano Nadja Michael, que no da el perfil de devora hombres como se la suele presentar sino de una delicada mujer de suburbio, ni la pareja ideal de ese Tambor Mayor, pero con una voz adecuada para cantar a esa mujer que es más que esposa y madre. Un deseoso ser humano del siglo XIX, del XX y, al menos, de principios del XXI.

Y sobre todo esto, Wozzeck, el protagonista, con un discurso íntimo, personal, un bello discurso musical, que deja de funcionar cuando lo hace público. Pues la presión de lo social se lo niega como un discurso humano posible porque pone en duda y en cuestión los discursos del resto. Incluidos los del poder y el conocimiento, siempre de la mano, siempre amigos, como el capitán y el médico de esta obra. Tomando decisiones sobre las vidas de los otros, sobre sus límites. Y así se va corrompiendo el discurso ético del protagonista, basado en el amor y el trabajo. Que a penas descansa, que a penas se para. Que igual coloca cajas que limpia zapatos, que sirve bebidas, plancha o afeita a su capitán. Por unas pocas monedas, dinero, dinero. Tal vez un extra por correr, apresurarse, de la ceca a la meca. Por sudar, como suda el tenor Simon Keenlyside representando a este ajetreado Wozzeck. Por representar a cada uno de los espectadores que llega apresurado al teatro para disfrutar de la obra. Después de un largo día de trabajo por dinero, dinero y que saldrá corriendo de nuevo para seguir trajinando.

¿Y los niños? No es casualidad que al final de la obra canten los niños, unos niños que Marthaler ha mantenido en escena y en segundo plano durante toda la obra. Suenan a música celestial y relatan el descubrimiento de una madre muerta y de un padre a punto de desaparecer. Anuncian la soledad de los niños cuando crecen a los que se ofrece la única posibilidad de seguir cabalgando, hop, hop, hop.

Una vez más, esta es la prueba de que una obra musical contemporánea necesita de los mejores recursos. Y cuando se ponen a su disposición, es difícil que no suene bien, que no se aprecie, que no se entienda y menos que no se disfrute. Y entonces se aplaude, se aplaude mucho aunque suene un drama, el drama del hombre contemporáneo alienado entre lo pensado y lo dicho. Lo íntimo y lo social. En el que el público contemporáneo se reconoce y se reconforta al saber que el arte contemporáneo no lo deja fuera de campo ni se distancia. Tampoco la música contemporánea. Todo lo contrario, se le acerca dispuesta a cabalgar junto a él.

Referencias

• Página Web de Wozzeck del Teatro Real (en español)
• Vídeo promocional de Wozzeck en el Teatro Real (en francés, inglés y alemán, subtítulos en español)
• Conferencia de José Luis Téllez sobre Wozzeck (en español)
• Wozzeck, producción Hamburg State Opera (1970) (en alemán con subtítulos en inglés)