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El 28º Ciclo de Música del Siglo XX-XXI incluye un homenaje a Jordi Savall

Rafael Mora Braceros — Mon, 25 Nov 2013 10:47:38 +0000

Entre los próximos días 25 de noviembre y 1 de diciembre tendrá lugar el 28º Ciclo de Música del Siglo XX-XXI, organizado por la Fundación Música Contemporánea. La fundación persigue el objetivo de divulgar y promocionar la creación musical de compositores actuales de nuestro país en los diferentes campos de la producción, los encargos, la edición y la información e intercambio con otras realidades culturales. Con la intención de poner al alcance de todos la música de nuestro se llevará a cabo este ciclo formado por cinco conciertos representados en el Auditorio Cullell i Fabra del Centro San pedro Apóstol de Barcelona, además de dos conciertos homenaje a Jordi Savall representados en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona y la Escuela Municipal de los Ángeles de Sant Cugat del Valle.

Abriendo el ciclo se encuentra la actuación de Seele Duo, un conjunto formado por Joan Pere Gil al clarinete, Marc Renau al violonchelo, Paloma Báscones a la voz y Santiago Barro al órgano. Juntos interpretarán obras de autores como Messiaen, Rincón, Taverna-Bech, Soler, Hindemith y Fernández Muñoz.

El siguiente concierto será el miércoles 27 de noviembre donde Eulàlia Ara (soprano) y la pianista Tania Parra acercarán al público obras de Mahler, Salvador y García Morante.

El miércoles 4 de diciembre María Luisa Ibáñez al arpa y Miguel Ángeles Sanz con la guitarra interpretarán obras de Gerhard, Montsalvatge, Codina, Sanz, Puértolas, Pladevall y Pardo.

El lunes 9 de diciembre el violinista Alberto Reguera y la pianista Ana Carro, desarrollarán un programa que contiene obras de Poulenc, Messiaen, Britten, Massià y Vilaprinyó. Para finalizar el ciclo de conciertos en el Auditorio Cullell i Fabra el miércoles 11 de diciembre Josep M. Santandreu al clarinete y electrónica, presentará el álbum Sounds of the clarinete, producido por la Fundación Phonos, con obras de Lewin-Richter, Vallés, Sanchís y Perales.

Por otra parte los dos conciertos en honor a Jordi Savall se realizaran los días 29 de noviembre y 1 de diciembre en el Conservatorio Municipal de Música Victoria de los Ángeles de Sant Cugat del Vallés. Diego Fernández Magdaleno interpretará obras para piano de Prieto, Sardà, Serrano, Grèbol, Soler, Casablancas, Cruz de Castro, Catalán, Fernández Vidal, García Álvarez, Marco, Guinovart y Legido.

Todos los conciertos del Auditorio Cullell i Fabra tendrán lugar a las 20 h., mientras que los conciertos en homenaje a Jordi Savall serán a las 20 y 12 h. respectivamente, todos ellos con entrada gratuita.

Información

Fundació Música Contemporània
Nena Casas 60-62 Baixos
08017 Barcelona
E-mail: fmc@fumuco.com
Web: http://www.fumuco.com

Referencias

Comienza el V Ciclo de Música Actual de Badajoz

Iván López Cruz — Thu, 24 Oct 2013 17:24:17 +0000

Ya está aquí la V edición del Ciclo de Música Actual que se celebra en Badajoz, organiza- do por la Sociedad Filarmó- nica de esta ciudad, y que reunirá un total de cuatro conciertos entre el 26 de octubre y el 16 de diciembre.

El ciclo lo abrirá el cuarteto de saxofones SIGMA project -celebrando este año su quinto aniversario- el sábado 26 de octubre a las 20,30 h. en la Sala de exposiciones MEIAC, interpretando obras de Javier Torres-Maldonado, Ramón Lazcano, José Mª Sánchez-Verdú, Mª Eugenia Luc, José Luis Torá -con Quatuor, obra de estreno- y Jesús Torres.

A SIGMA seguirá ReConvert Project, un dúo de percusión formado por Roberto Maqueda y Víctor Barceló, que intepretarán un programa con obras de Vinko Globokar, Brian Ferneyhough, Alexander Schubert, estrenos nacionales de Juillerat, Fernando Manassero y Luciano Azzigotti, así como estrenos absolutos de Ca Méndez San Juan y Marta Lozano. Será el 16 de noviembre a las 20,30 h. en el nuevo edificio de Caja Badajoz.

El 11 de diciembre a las 20,30 h., en el Salón Noble de la Diputación de Badajoz, podremos asistir a un concierto del ensemble extremeño Sonido Extremo, englobado dentro de los conciertos que la FAIC organiza en diversos puntos del país. El programa incluirá obras de Gordillo, de la Peña, de la Rubia o Muñoz.

Finalmente, el ciclo se cerrará el 16 de diciembre a las 20,30 h. en el nuevo edificio de Caja Badajoz, con el grupo Neo Ars Sonora interpretando obras de Raquel Rodríguez, Alex Shapiro, Tristan Murail y el estreno absoluto de Miguel Gálvez.

Como otros años, una interesante propuesta que no puede perderse nadie interesado en la música actual, que pase esos días por Badajoz o tenga allí su residencia.

Información

Sociedad Filarmónica de Badajoz
Teatro López de Ayala
Plaza Minayo
06002 Badajoz, Extremadura
Tels: 924 01 31 40 / 625 19 90 41
E-mail: sfilarmonicaba@gmail.com
Web: www.sfilarmonicaba.net

Referencias

Asociación Mujeres en la Música: Contemporáneas.es

Vicky Soler Martín — Sun, 20 Oct 2013 18:55:57 +0000

Bajo el título “Contemporá- neas.es”, la Asociación Mujeres en la Música (AMM) organiza dos conciertos con el mismo programa de obras, los días 21 y 22 de octubre en Guadalajara y Madrid, respectivamente. El concierto de Guada- lajara será en la sede de Ibercaja a las 20 h., y el de Madrid en la Sala Manuel de Falla de la SGAE a las 19,30 h.

Los intérpretes serán el Dúo Back to Back, formado por Emil Sein (clarinete y saxofón) y Daniel Anarte (trombón).

PROGRAMA

Diana Pérez Custodio / La cueva de Noctiluce
Cruz López de Rego / Hábitat
Consuelo Díez / Verde y negro
Beatriz Arzamendi / Un soplo alterno*
Anna Bofill / La bolsa o la vida – II*
Magaly Ruiz / En Oropesa de Mar*
Mercedes Zavala / Exilia-dos

*Estreno absoluto

Información

Ibercaja
C/ del Doctor Fleming, 2B
19003 – Guadalajara
Tel: 949 254 284
E-mail: ccguadalajara@ibercajaobrasocial.org
Web: http://obrasocial.ibercaja.es

SGAE
Sala Manuel de Falla
C/Fernando VI, 4
28004 Madrid
Tels. 91 349 95 50 / 00
Web: http://www.sgae.es

Referencias

Web de la AMM

Krater Ensemble: Dos/Bi, inmersión en la música contemporánea

Pedro Ordóñez Eslava — Sat, 15 Jun 2013 20:56:29 +0000

“Nadie nace abstracto, realista o conceptual. Se tiene una creati- vidad y ésta se desarrolla en el campo que a uno más le interesa –interesa- en todos los sentidos… El españolito que quiera hacer pintura americana que la haga… Quien quiera pintar como de Kooning que lo haga y el que quiera pintarle claveles a la morena de mi copla que se los pinte, pero por favor, no molesten con estúpidas ironías a los que están en su sitio, es decir, pintando como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su gene- ración”[1].

Podríamos cambiar el verbo pintar por componer, según nos interese, o, sencillamente, por el verbo crear. Así es, los artistas de hoy deben crear “como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación”. Sería posible discutir aquí la pertinencia de hablar precisamente de “generación”, o polemizar sobre cuál es el lenguaje, técnica o procedimiento que exigen los tiempos actuales, si es que hay solo uno.

Respecto a lo primero y más allá de los grupos que se reúnen en torno a manifiestos estéticos o exposiciones asertivas de cualquier índole –cosa que últimamente ha ocurrido quizás con la denominada musique saturée de Raphaël Cendo y Franck Bedrossian-, no creo que exista hoy día la posibilidad de hablar de una generación de compositores –si nos limitamos a hablar de la creación musical contemporánea- que puedan reunirse bajo el abrigo estético de una generación. Quizás nos falte perspectiva histórica para ello.

No nos falta amplitud de ángulo, antes al contrario, para asegurar, respecto a qué exigen los “tiempos que corren”, que no existe una única técnica –algo obvio por otra parte- que responda a esta demanda de lo contemporáneo. Salta a la vista que la multitud, la heterogeneidad y la diversidad –y añadan a estos términos todos los sinónimos que deseen- de procedimientos, técnicas y lenguajes –sí, afirmo que la música es un lenguaje en tanto que objeto emisor y transmisor de conocimiento- que el compositor o compositora puede emplear hoy día son cuando menos mucho más acentuadas que en tiempos anteriores. Pero no nos engañemos, el creador de hoy tiene ante sí un mar abierto: puede adentrarse hacia lo profundo sin miedo a alejarse de la orilla, puede nadar más cerca de tierra, con la silla del socorrista a la vista o, sencillamente, contemplar cómo llegan las olas, una detrás de otra.

Teniendo esto en cuenta y en colaboración con el Krater Ensemble, hemos planteado una breve aunque interesante entrevista para presentar Dos/Bi, A contemporary music inmersion, el nuevo proyecto de este grupo de músicos y artistas con base en Donosti-San Sebastián.

Como musicólogo podría decir que el discurso de un compositor acerca de su propio contexto creativo y de su obra es de una importancia fundamental –aunque siempre relativa- para la comprensión –si esto es posible- de su propuesta sonora. Sin embargo y más allá de fórmulas consabidas y afirmaciones que poco importan lejos del gremio de mi disciplina –cuyos límites, eso sí, están cada vez más diluidos-, es sugestiva la opinión que estos dos compositores de hoy tienen sobre algunas de las cuestiones que atañen precisamente a la posición del creador en la actualidad. Formación, tradición, lenguaje, arte e interdisciplinariedad son algunos de los conceptos a los que se alude en esta minientrevista realizada no por casualidad a Iñaki Estrada y Aurélio Edler-Copes, puesto que ellos son los autores de los estrenos absolutos que protagonizarán parte de los dos conciertos que Krater Ensemble plantea en esta inmersión: Bikota, para oboe y clarinete, e Infinite Walls, para violín y electrónica, respectivamente.

Una entrevista que tendrá sin duda su continuación en los foros de discusión que se abrirán tras sendos conciertos, en la misma Sala Club – Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián los próximos días 17 y 19 de junio, en ambos casos a las 20 h. Aquí los artistas no tendrán salida, podremos discutir con ellos y, lo puedo asegurar, tendrán que hablar.

Pedro Ordóñez: Iñaki y Aurelio, habéis vivido en varias ciudades. Roma, París, San Sebastián. Más allá de la formación: ¿qué creéis que os ha dejado cada una de ellas?

Aurélio Edler-Copes: La experiencia vital, las amistades, la posibilidad de conocer otras formas de vivir y de aprehender la realidad.

Iñaki Estrada: Las ciudades: te dejan la gente y la experiencia, el idioma, los afectos… es complejo. De Donosti tengo el arraigo, la tradición, dos idiomas… De París la experiencia, el hacer una mano a la música, los conciertos, la diversidad, ciertas amistades ¡y muchísima lluvia! también tengo el triste sentimiento de que lo que creí en su día diverso se está convirtiendo de a poco en un monopolio del IRCAM-Inter[Contemporain]. De Roma tengo la libertad, el aire y un cielo claro. Musicalmente no pasó nada, es una ciudad artísticamente echada muy p’atrás, una pena. Pero la experiencia con otros becarios, mis andanzas con la fotografía, la arquitectura… eso es algo que llevas siempre, aquello de la interdisciplinaridad (¡si es que aún sigue existiendo el palabro!).

Ah, de Londres: nada de nada, menudo chascazo el Royal College….

P.O.: ¿Pensáis que vuestra última obra es siempre la mejor?

A.E-C.: No necesariamente. Normalmente se dice que “la próxima será la mejor”. Tampoco lo creo. Pero la verdad es que me gustan mucho las que están todavía en la cabeza, en el mundo de las ideas, al mismo tiempo que me encanta que las ya escritas tengan vida y crezcan en las manos de los intérpretes.

I.E.: La última pieza no es la mejor o peor, pero es la que más denota las circunstancias del momento: intereses, fijaciones, descubrimientos propios o ajenos… Puede no ser la mejor, depende de dónde se sitúe en relación al proceso creativo que, normalmente, se desarrolla en más de una pieza. Mi trío Tangencias no es para nada mi mejor pieza pero sin ella no estaría ni de lejos donde estoy. Me hizo ver muchísimas cosas y avanzar o retroceder en ciertos lugares.

P.O.: Guardáis todo el material previo a la creación: borradores, bocetos, textos propios… ¿por qué?

A.E-C.: Todo no, pero bastante. Por una serie de razones… Quizás la partitura final sea tan sólo la “punta del iceberg”… Me gusta tener el registro del camino y de la investigación realizada en cada pieza.

I.E.: Y sí, lo guardo ¡todo, todo, todo!

P.O.: Sois conscientes de que utilizáis un lenguaje compositivo difícil de aprehender para la mayoría del público. ¿Creéis que es necesario conocer todo lo que rodea a una obra (técnica, aparato y justificaciones conceptuales, cualidades instrumentales…) para apreciarla o que es preciso dejar también lugar a lo instintivo

A.E-C.: No creo que sea difícil o, en todos casos, demasiado difícil de aprehenderlo. Tampoco me parece que haya que conocer todo lo que rodea a una obra para apreciarla. Cuando una obra nos arrebata, a un nivel profundo, no lo podemos explicar o justificar solamente a través de la razón.

I.E.: Lenguaje difícil… En primer lugar deberíamos aclarar si la música es un lenguaje, para mi nada de nada, no es siquiera discutible así que de ahí en adelante me baso n la interpretación de la pregunta: ¿que si lo que hacemos es incomprensible o difícil de entender? ¿Qué nos hace suponer que una persona aficionada a la música “entiende” una sonata de Mozart? Para mí una obra no se justifica por un texto, eso ha sido y es siempre aberrante. Puede entenderse mejor, pero los manifiestos siempre han sido un asunto más publicitario que otra cosa. Aclaras qué quieres hacer, por qué, y lo haces. Pero si el manifiesto se convierte en un manual de instrucciones es que tu música no sirve por sí misma… Tampoco me preocupa un público que en lugar de conocer busca reconocer. No es simplemente que no “entiendan” la música, tampoco lo hacen con el arte en general. La verdad es que no escribo más que para mí, así son las cosas. Tengo mis opiniones y mis afinidades. No me importa reconocer una buena partitura aunque deteste la estética. Y ahí está el error, asociar las filiaciones a la calidad.

P.O.: ¿Qué visión tenéis del pasado? ¿Cómo afrontáis la tradición académica y cómo os situáis en ella?

A.E-C.: El interés que pueda tener en episodios del pasado es algo que tiene más que ver con una curiosidad puntual que con la necesidad de seguir o dar continuidad a una serie de acontecimientos históricos. No obstante y por supuesto, mi trabajo es parte de una tradición musical –a la que debo mucho- y espero que pueda contribuir, a su manera, a enriquecerla y a llevarla aún más lejos.

I.E.: Estudié con José Luís Campana, alumno de Jacobo Ficher, a su vez alumno de Korsakov. Para mí la tradición es la base de la música. Todo es o se convierte en tradición. Lo que no lo hace simplemente no permanece largo tiempo, así de simple. Me sitúo como una línea más en el tiempo, un tiempo diferente, eso sí, pero básicamente con las mismas reglas. El contrapunto sigue vigente, la armonía… lo que cambia es la forma en que esos conceptos se interpretan tal y como ocurrió, por ejemplo, entre modalidad y tonalidad…

P.O.: ¿Estáis de acuerdo conmigo en que la voz sea quizás el instrumento que más cambios ha sufrido en el siglo XX-XI?

A.E-C.: Prácticamente todos los instrumentos de la cultura occidental han sido objeto de experimentaciones e investigaciones en el último siglo y la técnica instrumental, e incluso la lutería, en algunos casos ha avanzado considerablemente. No creo que la voz sea el que más haya cambiado, pero uno de los que más, eso seguramente.

I.E.: En cuanto a la voz: para nada! Escucha la voz en la ópera de Héctor Parra, ¿te parece un cambio tremendo respecto a cómo la usa Ravel en sus poemas de Mallarmé? La voz, más bien los cantantes, presenta una resistencia, que no un arraigo, tremenda. Claro que existen ejemplos puntuales pero, por poner un ejemplo absurdo: ¿dónde está el tratado de técnicas extendidas de la voz? Tienes el libro de Michael Edward y poco más. La voz en general, será cosa entre los cantantes y los compositores, no ha evolucionado a la altura de los demás instrumentos, a mi modo de ver. Claro que tenemos partituras como Thema, Stimmung… además de las del querido maestro de Aurelio Edler-Copes [Georges Aperghis], pero de ahí a que sea algo común, pues me parece que no… Habrá sufrido más cambios, pero es que no había sufrido cambio alguno… visto así?!?!?

P.O.: ¿Creéis que posible una “traducción” entre disciplinas? ¿Es posible relacionar arte, música y poesía más allá de sus limitaciones materiales hacia una convergencia interdisciplinar real? ¿Cómo es vuestra experiencia con artistas de otras disciplinas?

A.E-C.: “Traducción” quizás sea una palabra demasiado fuerte… “Diálogo” tal vez fuese más realista ya que no creo que se pueda, por ejemplo, “traducir” –en un sentido estricto- un cuadro o una poesía en música. No obstante creo que se pueden establecer paralelos o asociaciones entre diferentes disciplinas que permitan llegar a puntos de convergencia enriquecedores e interesantes artísticamente.

I.E.: La interdisciplinaridad, si es que el palabro existe, es posible, cómo no serlo. Todas las artes tienen puntos comunes y otros exclusivos. Crear puentes entre lo comunes así como servirse de los exclusivos no es para nada imposible. El asunto es, como siempre, equilibrar unos con otros. Yo he tenido experiencias con museos, con pintura, instalaciones… y lo que me llevo, más que el trabajo sonoro en si es la forma en que entiendo y entiende la otra parte el mismo trabajo o concepto, eso es lo que me enriquece. Eso mismo me ocurre con los instrumentistas, es otra disciplina al interior de la música….

Se me acaba la batería y ¡¡¡no tengo cargador!!! ¿Seguimos la discusión, o monodiscusión, en Donosti?

NOTAS

[1] Rafael Agredano, Texto fundacional de la Revista Figura, activa en Sevilla entre 1983 y 1986, citado en José Antonio Chacón, La Ruta del Arte Contemporáneo en Andalucía, Sevilla, Fundación José Manuel Lara, 2004, p. 115.

Información

Sala Club – Teatro Victoria Eugenia
República Argentina, 2
20004 – Donostia-San Sebastián
Tel: 943 481160
Fax: 943 481969
E-mail: victoria_eugenia@donostia.org
Web: http://www.victoriaeugenia.com

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Vertixe Sonora en Normal: Aquelarre o “El Gran Cabrón”

Vicky Soler Martín — Thu, 13 Jun 2013 11:59:43 +0000

El viernes 14 de junio, a las 20 h., tendrá lugar un concierto de Vertixe Sonora Ensemble en el contexto de NORMAL Espazo de intervención cultural da Universidade da Coruña. Bajo el título de “El Gran Cabrón y otras litografías”, la formación gallega presentará un progra- ma que pretende el diálogo entre la música escrita y la música de creación espontánea. En este caso, los intérpretes de Vertixe Sonora que intervendrán serán Pablo Coello (saxofón barítono), Diego Ventoso (percusión) y Ángel Faraldo (ordenador y difusión sonora).

La entrada es libre hasta completar el aforo, y el concierto tendrá lugar en el espacio Cubo de este centro cultural coruñés.

PROGRAMA

Junghae Lee (Corea del Sur) / VIV (2005)
Luis Antunes (Portugal) / Três Quadros sobre Pedra (2009)
Germán Alonso (España) / El Gran Cabrón (2012)

Información

NORMAL espacio de intervención cultural de la Universidad de A Coruña
Paseo de Ronda, 47
15011 – A Coruña
Tel: 981 167 000 (ext. 4502)
Web: http://istoenormal.org

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Málaga.es CONTEMPORÁNEA

Martina Garnacho — Fri, 07 Jun 2013 04:09:33 +0000

El evento Málaga.es CONTEM- PORÁNEA tendrá lugar los próximos 17 y 18 de junio, y recogerá las propuestas artísticas -música, video, imágenes- para la celebración de los días de arte contemporáneo en la ciudad de Málaga.

La iniciativa Málaga.es CONTEMPO- RANEA será acogida por los espacios de la Diputación de Málaga y el Ateneo de Málaga, cuyo concierto se enmarca dentro del Ciclo “Maestros/Alumnos”, donde el dúo contará con la presencia de Daniel Anarte -trombón-.

La interpretación de la programación será a cargo del dúo “backTOback”, agrupación formada por Barrie Webb -trombón- y Emil Sein -clarinete-, destacados intérpretes e investigadores reconocidos y galardonados a nivel internacional que también ejercen la docencia profesionalmente.

PROGRAMA

Lunes 17 de junio de 2013, 20,30 h., Diputación de Málaga

Verde y negro / Consuelo Díez (1958)
Danzón / Magaly Ruiz (1941)
La cueva de Noctiluca / Diana Pérez Custodio (1970)
Hábitat / Cruz López de Rego (1957)
NUN ZIRADE / Isabel Urrutia (1967)
Exilia-dos * / Mercedes Zavala (1963)

Martes 18 de junio de 2013, 20,30 h., Ateneo de Málaga

Lamento (versión D) / Jesús Villa Rojo (1940)
Nadir / Consuelo Díez (1958)
Objectes / Anna Bofill Levi (1944)
Clarinete solo / Cruz López de Rego (1957)
Va y Vé (Va y Viene) / Sergio Fidemraizer (1958)

* Estreno absoluto
** Estreno en España

Información

Diputación de Málaga – Área de igualdad y participación ciudadana – Servicio Provincial de la mujer
C/ Carretería 60
29008 – Málaga
Tel: 952 060 232
Fax: 952 602 066
E-mail: striamujer@sopde.es
Web: http://www.dipumalaga.org

Ateneo de Málaga – Vocalía de música
C/ Compañía 2
29008 – Málaga
Tel: 952 224 002
E-mail:info@ateneomalaga.org
Web: http://www.ateneomalaga.com

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Genmaicha, interpretación y divulgación de libre improvisación musical

Martina Garnacho — Mon, 03 Jun 2013 10:29:09 +0000

Bajo el nombre de “Genmaicha” descubrimos al dúo de veteranos improvisa- dores formado por Wade Matthews y Javier Pedreira. Este proyecto musical nacido en 2011, nos ofrece una propuesta interesante integrada por una clase magistral y un concierto en el contexto de la libre improvisación musi- cal.

Wade Matthews -Doctor en artes musi- cales por la Columbia University de Nueva York, experimentado improvisador electroacústico activo, docente en talleres y clases magistrales a nivel internacional, autor del libro Improvisando: la libre creación musical fue editado por Turner en 2012- y Javier Pedreira -guitarrista profesional desde 1989, intérprete, co-productor, y director musical, desarrolla su actividad artística dentro del campo de la libre improvisación colaborando con músicos del panorama internacional-, disfrutan explorando los terrenos más desconocidos de la libre improvisación con el propósito de cuestionar y experimentar. Partiendo de una sólida base asentada en la veteranía profesional y, después de un largo proceso de maduración, la agrupación ha decidido compartir el fruto de su trabajo con el público y con otros intérpretes de la escena musical.

Antes del concierto ofrecen la clase magistral “La libre improvisación musical. Una vista desde dentro” donde ofrecerán a los participantes su enfoque personal sobre la articulación del proceso de improvisación musical colectiva y los conceptos claves de esta práctica musical, compartiendo sus experiencias y reflexiones e ilustrándolas con breves intervenciones musicales, y respondiendo a todas las preguntas que quieran enfocar los participantes.

El evento tendrá lugar en Sevilla en el espacio Trompeta Verde, una asociación sin ánimo de lucro que impulsa el desarrollo de la cultura libre a través de la programación continua de todo tipo de eventos relacionados con la creatividad, la cultura, y las nuevas tecnologías. El precio de la clase magistral es de 11 EUR entrada general y 10 EUR para socios Trompeta Verde, y del concierto, 4 EUR entrada general y 3 EUR socios.

PROGRAMA

Viernes 7 de junio de 2013
17,30-20,30 horas, clase magistral
21,30 horas, concierto

Información

Trompeta Verde
C/ Castelar 48
41003 – Sevilla
Tel: 955 297 724
E-mail: trompetaverde@hotmail.com
Web: www.trompetaverde.com

Se ruega confirmación de asistencia al taller vía mail: miriam.blanch@gmail.com, cesarfrechel@hotmail.com

Referencias

Festival Peñafiel Milenio 2013

Iván López Cruz — Wed, 15 May 2013 19:23:04 +0000

Desde el sábado 18 de mayo y hasta el mes de noviembre tendrá lugar el Festival Peñafiel Milenio 2013, un ciclo de músicas cultas creado para la celebración del milenario de la fundación de la Villa de Peñafiel. El festival está producido por la plataforma multi- disciplinar The DK y está patrocinado por entidades públicas y privadas, tales como Pago de Carra- ovejas, Bodegas Protos, Diputación de Valladolid – Castillo de Peñafiel y Ayunta- miento de Peñafiel, colaborando en el mismo Hotel Convento Las Claras y Restaurante Molino de Palacios.

Circunscribiendo la temática de la celebración, el festival se hará eco también del Año Dual España-Japón, el cual celebra los 400 años de relaciones bilaterales entre ambos países.

Enclavado en la llamada Milla de Oro, en pleno corazón de la Ribera del Duero, el festival viene a conmemorar la promulgación de la primera carta puebla fundacional en 1013 por Sancho García, Conde de Castilla. Señor de Peñafiel y nieto de Fernán González, también conocido como “el de los Buenos Fueros”, Sancho García fue una figura clave en la historia de la Reconquista Española. A él se atribuye la frase “Esta será la peña más fiel de Castilla”, inscrita en el escudo de Peñafiel, la cual dota de su actual nombre a la villa ribereña.

Con una decidida apuesta enoturística y un marcado carácter integrador, Ángel Arranz, compositor y director artístico del festival, crea alrededor de Peñafiel Milenio 2013 una programación deslocalizada en el tiempo y en el espacio que gravita entre la vanguardia y la tradición como fórmula de excelencia. El festival dará a conocer músicas antiguas y músicas nuevas, dando paso también a formatos clásicos, las cuales serán plasmadas por artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio internacional durante tres tramos estructurados por estaciones.

Programación en tres tramos

El tramo de primavera se compone de tres conciertos concentrados en la jornada del sábado 18 de mayo. Arrancará el festival en un estruendo organizado a las 13 h. en el Parque de San Vicente de Peñafiel, con una intervención sonora alrededor del espacio urbano de la ciudad, en donde más de cien artistas del colectivo de músicos de Peñafiel acompañarán al maestro japonés Katsunori Nishimura. Toposonía es una performance en la que el trazado arquitectónico de Peñafiel es usado como un instrumento global resonante.

Este mismo día a las 18 h. será el turno de Sigma Project Quartet, una de las formaciones españolas más señeras en el terreno de la música contemporánea y experimental. Sigma Project ofrecerá un concierto itinerante que recorrerá las instalaciones de Museo Provincial del Vino – Castillo de Peñafiel.

La jornada finaliza en el claustro de Hotel Convento Las Claras con el concierto a las 20,30 h. de El Trovar de los Afectos. Esta agrupación barroca interpretará un programa con talante historicista basado en los viajes de una de las figuras más importantes de la música castellana e universal de todos los tiempos: Antonio de Cabezón.

En su tramo otoñal, tras la vendimia y como clausura de festival, Peñafiel Milenio 2013 presentará dos conciertos: el pianista e investigador Antonio Baciero y la actuación del dúo formado por la pianista Akane Takada y el clarinetista José María Santandreu. Ambos conciertos tendrán lugar en un interesante marco: las nuevas instalaciones de Bodegas Protos de Peñafiel diseñadas por Sir Richard Rogers.

Todas las actividades son de libre acceso y no precisan de reserva previa. Durante las jornadas del festival las visitas a los museos de la villa serán a puertas abiertas.

Información

Festival Peñafiel Milenio 2013
The DK
Ángel Arranz, director artístico
E-mail: info@thedkprojection.com
Web: www.thedkprojection.com

Referencias

Open your Mind / Dúo Sincronía

Vicky Soler Martín — Sun, 12 May 2013 11:23:30 +0000

El Dúo Sincronía lo forman dos jóvenes pero ya experimen- tados intérpretes: el saxofo- nista Jesús Núñez y la pianis- ta Noelia Sierra. A pesar de haber nacido en 2011, esta formación andaluza tiene ya un recorrido interesante, habiendo estrenado obras de Antonio J. Flores, Juan de Dios García Aguilera, Eneko Vadillo, Paco Toledo o María José Arenas, autores todos ellos que, como veremos, aparecen en su primer CD titulado “Open your Mind”, y del que nos ocupamos en este espacio de publicaciones de Sul Ponticello.

Para conocer cómo se ha gestado el disco, sus características e intenciones y vocaciones más profundas, nada mejor que hablar con ellos y preguntarles, fruto de lo cual surge la entrevista que presentamos a continuación.

“Open your mind” es un título interesante y sugestivo, que parece apelar a muchos frentes. Habladnos un poco del sentido concreto que habéis querido dar a la propuesta.

Noelia Sierra: El nombre del CD viene de la reticencia que tiene mucha gente hacia la música de nuestro tiempo, incluso en el ámbito de nuestros trabajos (el conservatorio), donde nos encontramos con muros difíciles de sortear para que el alumnado pueda tener accesible la música actual. Por lo que proponemos que antes de juzgar la música, “Open your mind”.

El CD está grabado en directo durante vuestra presencia en el XVI Festival de Música Contemporánea de Córdoba. En poco tiempo, Andalucía se ha convertido en una comunidad con gran actividad y compromiso con la música de nuestro tiempo. ¿Tenéis esta misma percepción?

Jesús Núñez: Hasta hace poco podíamos contar con los dedos de una mano los grupos que se dedicaban a interpretar música contemporánea en Andalucía. Sin embargo, sí teníamos bastantes y buenos ciclos y festivales de esta música (que como en todos sitios están desapareciendo). Ahora contamos con grupos, solistas y compositores andaluces que están triunfando en el panorama internacional y que están cultivando e incluso consiguiendo aumentar la afición por esta música en nuestra tierra.

Entrando ya en el contenido del disco, habéis escogido autores de estéticas muy diversas pero da la impresión de que buscáis un equilibrio entre los que ya tienen una trayectoria (por ejemplo, Eneko Vadillo) y las últimas generaciones. ¿Habéis tenido algún criterio especial para abordar la selección de obras?

Jesús Núñez: Desde que empezamos la andadura como dúo, estamos intentando conocer la música de reconocidos compositores españoles en su mayoría, pero sin olvidarnos del extranjero. También nos gusta conocer a los compositores personalmente para poder transmitir, lo más certero posible, el mensaje al público. Esto nos ha llevado a embarcarnos en estilos muy diferentes. Hay gente que nos ha comentado que deberíamos buscar una línea a seguir (un estilo propio), pero pensamos que en el Siglo XXI, con la cantidad de estilos diferentes, no es bueno centrarse en esta línea, ya que nos perderíamos mucho por el camino.

Por esto, para este proyecto empezamos a trabajar con compositores de nuestro entorno como Juan de Dios García Aguilera (con el cual colaboramos en el anterior proyecto “Homenaje a José Saramago”), Paco Toledo (con el que habíamos trabajado por separado) y Raquel Jurado (conocíamos su obra pero no a ella hasta este proyecto). Eneko Vadillo lo conocimos en JOMEX (donde colaboramos con Eduardo Polonio) y en seguida tuvimos muy buen feeling. En el caso de Jesús Torres, Noelia está realizando un trabajo de investigación, para su futura tesis, sobre su obra pianística. Por este contacto con los compositores del que hablamos, también nace la necesidad de trabajar con las nuevas generaciones, que pueden ser compañeros de trabajo (María José Arenas) o aquellos con los que nos ha interesado trabajar al escuchar su música (conciertos, internet…), como en el caso de Violeta Cruz.

Noelia Sierra: Con todo esto intentamos dar un equilibrio a nuestros programas con juventud y compositores con trayectoria, proponiéndoles un tema o temática, pero dejándoles libertad absoluta para transmitir su mensaje a través de nosotros.

Nos suele gustar conocer, desde los propios intérpretes, la visión sobre su combinación instrumental. El dúo saxofón y piano es una formación evidentemente rica en posibilidades…

Jesús Núñez: Sí que es muy rica en posibilidades, ya que disponemos desde el saxofón sopranino al saxofón bajo, lo que multiplica por seis las posibles combinaciones. Siempre incluimos en los conciertos obras para nuestros instrumentos solos. Además en algún proyecto (como el citado antes “Homenaje a José Saramago”) introducimos electrónica, con lo que las opciones se multiplican considerablemente. Poco a poco vamos ampliando más posibilidades para que los compositores se puedan expresar y trabajar con todos los recursos a nuestro alcance.

Noelia Sierra: Un nuevo recurso que estamos viendo para introducir en un futuro es el clave, junto con el piano, electrónica y saxofón.

Una de las cosas que llaman la atención de vuestro primer CD es la naturalidad con que presentáis su forma de distribución, gratuita y a través de internet. No le dais la menor importancia, simplemente anunciáis cómo se puede obtener. ¿Pensáis que estamos ante un cambio irreversible en este sentido donde, por ejemplo, la autoedición es ya algo totalmente normal?

Noelia Sierra: Para grupos que estamos intentando salir poco a poco es complicado grabar un CD, por los sellos discográficos que no se arriesgan (por el tipo de música y por la caída de la venta de CDs) y por el elevado coste de este. Planteándonos sacar un CD empezamos a mirar cómo se podría llevar a cabo y que mucha gente pudiera conocer nuestro trabajo. Por lo que decidimos empezar una campaña de crowdfunding con goteo.org, que nos dio la posibilidad de dar a conocer nuestro proyecto para poder financiarlo.

Jesús Núñez: Hoy en día toda la información está en internet, los niños desde pequeños aprenden a usar esta herramienta (en móviles, consolas…). No creemos que las compañías vayan a desaparecer, pero la autoedición es un buen escaparate para que la gente pueda conocer los nuevos compositores y grupos (como se ha demostrado en otros casos).

En una situación como la actual, con unas perspectivas tan complicadas para la llamada “música contemporánea”, sin embargo, se está produciendo en nuestro país una esperanzadora contestación en forma de propuestas –llamémoslas “independientes”- que están manteniendo una actividad a base de esfuerzo y compromiso. ¿Cómo veis el futuro en este sentido? ¿Se logrará mantener este pulso sin la presencia de lo público que, aunque escasa, permitía una mínima financiación?

Jesús Núñez: Como hemos visto en el último caso (Alicante), los Festivales y ciclos de música contemporánea están dejando de ser subvencionados por lo público. Hay otros modos de financiación, como el crowdfunding (que ha comentado antes Noelia), que poco a poco están sustituyendo a las subvenciones públicas. El futuro es complicado de predecir, pero estamos esperanzados, y trabajamos por ello, que poco a poco la “música contemporánea” se mantendrá.

Una de nuestras apuestas es enseñar en nuestros respectivos conservatorios a escuchar este tipo de música y que los alumnos/as se involucren y quieran conocer este repertorio. Como nosotros hay muchos profesores que poco a poco están consiguiendo que los más jóvenes conozcan, interpreten, trabajen con los compositores… Es imprescindible no perder el entusiasmo. En cualquier caso, confiamos en que las instituciones públicas vuelvan a invertir en la cultura cuando todo mejore.

Para finalizar, ¿cuál va a ser vuestro próximo proyecto? ¿Dónde se os podrá escuchar en los próximos meses?

Noelia Sierra: Pues ahora estamos preparando un viaje a Eslovenia, para participar en Julio en el 7th International Saxophone Competition, en Nova Gorica. Además estamos preparando el próximo proyecto que se titulará “De lo irracional y lo racional” en el que podréis escuchar obras de reconocidos compositores como Gabriel Erkoreka, Jesús Torres, Sergio Blardony y Norah Walsh, y de jóvenes talentos como Carolina Cerezo, Jaime González y Ana Teruel. En verano tendréis más noticias de todo esto.

Información

Open your Mind
Dúo Sincronía
Jesús Núñez (saxofones) y Noelia Sierra (piano)

Mantras / Eneko Vadillo
Mantra I, II, III y IV
Saxofón alto y piano

Seris / Paco Toledo
Saxofón tenor

Soledad del mar / Juan de Dios García Aguilera
Saxofón alto y piano

La evidencia de los significados / María José Arenas
Saxofón bajo y piano

Tan ahora allí, aquí así tanto / Violeta Cruz
Saxofón alto y piano

Wasserfall / Jesús Torres
Piano

Sino / Raquel Jurado
Saxofón soprano y piano

Referencias

Música en Toledo. Encuentros 2013 (muT.e) en la Escuela de Arquitectura de la UCLM

Raquel Fron Medina — Fri, 03 May 2013 10:25:42 +0000

A inicios de abril dio comienzo la primera edición de los Encuentros de Música de la Escuela de Arquitectura de Toledo, que transcurrirán durante los meses de abril y mayo del presente año. Los cuatro conciertos que conforman este ciclo titulado “Música en Toledo. Encuentros 2013 (muT.e)” acogen a los músicos más relevantes del panorama musical internacional: El cuarteto Stadler, el percusionista Adam Weisman, la pianista Yukiko Sugawara el compositor Peter Ablinger y el Dúo de violín y piano Herrador-Lechner, todos ellos con una trayectoria musical de indudable envergadura.

El ciclo se abrió el 2 de abril con la actuación del Cuarteto Stadler, nacido en el año 1992 en el Mozarteum de Salzburgo. Con un repertorio de alrededor de 150 obras, algunas de ellas compuestas especialmente para la agrupación, el Cuarteto Stadler, galardonado con el “Preis für Neue Hören”, otorgado por la Academia Internacional de Verano del Mozarteum, juega un papel importante en el diálogo entre la tradición y la innovación, lo viejo y lo nuevo, con un repertorio que abarca desde el clasicismo vienés de Mozart, Schubert y Beethoven a las obras más innovadoras como el Cuarteto de los Helicópteros, de Karlheinz Stockhausen o Grido, tercer cuarteto de Helmut Lachenmann, cuya interpretación los asistentes al concierto tuvieron el placer de presenciar en el programa de la agrupación, formado por obras de F. Cerha, H. Lachenmann y T. Hosokawa y que tuvo lugar en la Real Fundación de Toledo.

Ya en el campus de la Escuela de Arquitectur de la UCLM, el 7 de mayo a las 20,30 h., tras un salto de un mes en el que estaba programado el concierto del Trío Drei Zu Null para el 11 de abril y que, lamentablemente, tuvo que ser anulado, y dentro de la semana de la Muestra de Arquitectura Española en Toledo (MAET), el compositor austríaco Peter Ablinger nos ofrecerá una conferencia y la representación de varias partes de su trabajo Weiss-Weisslich, cuya interpretación recaerá en manos del percusionista Adam Weisman, ganador del tercer premio en el Concurso de Música ARD de Munich en 1991 y del segundo premio en el Concurso Internacional de Música de Ginebra y, actualmente, batería del grupo de rock The Diatribes.
Peter Ablinger, nacido en Austria en 1959, es pianista y compositor y en 1988 fundó la agrupación Zwischentöne. Su repertorio se compone de música de cámara que compuso hasta 1994 y de obras electroacústicas, como el ciclo en el que ha venido trabajando desde 1980 bajo el título Weiss-Weisslich (blanco-blanquecino), un trabajo basado en diferentes aspectos del ruido blanco y que, a día de hoy, consta de 36 partes. En el concierto del 7 de mayo, Ablinger dirigirá la número 17c, para pequeño tambor y generador de ruido blanco; la número 18, grabación de diferentes árboles situados en distintas localizaciones; la número 20, para uno o más platos de percusión; y por último, la 31e, concierto con ocho campanas de cristal.

El jueves 9 de mayo a las 20,30 h., coincidiendo con la apertura de la III Muestra de Arquitectura Española en Toledo que la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Castilla-La Mancha organiza cada año y que tendrá lugar los días 9 y 10 de mayo, una de las pianistas más prestigiosas y originales de la actualidad, Yukiko Sugawara, nacida en Sopporo (Japón), interpretará en el tercer concierto del ciclo, obras de los compositores H. Lachenmann, N. A. Huber, M. Sotelo y C. Bermejo.

La clausura del ciclo tendrá lugar el viernes 10 de mayo, último día de la III Muestra de Arquitectura Española en Toledo, a las 13,30 h. El concierto lo protagonizará el dúo para violín y piano Herrador-Lechner, que interpretará obras del estonio Arvo Pärt y el francés Francis Poulenc.

En definitiva, el presente ciclo promete ser una apuesta fuerte por el riesgo que proponen las obras de compositores como Ablinger, Lachenmann o Huber, abogando por la música contemporánea y actual que convive con la presencia de los grandes clásicos como Mozart y Schubert, cuyas obras formaban parte del programa del concierto anulado de Drei Zu Null.

Han colaborado en la organización del ciclo “Música en Toledo. Encuentros 2013” la Escuela de Arquitectura de Toledo, la Real Fundación de Toledo, el Foro Cultural de Austria en España y el Goethe Institute, bajo la dirección artística del compositor español Carlos Bermejo.

PROGRAMA

Cuarteto Stadler
Cuarteto de cuerda número 4 / Friedrich Cerha
Cuarteto de cuerda número 3, “Grido” / Helmut Lachenmann
Floral Fairy / Toshio Hosokawa

Trío Drei zu Null (anulado)
Trío para violín, violonchelo y piano en Si bemol mayor, KV 502 / Wolfgang Amadeus Mozart
Lied, para violín y piano / Beat Furrer
Trío (Nocturno) para violín, violonchelo y piano en Mi bemol mayor, D.897 / Franz Schubert

Adan Weisman
Conferencia y las piezas 17c, 18, 20 y 31e del ciclo Weiss-Weisslich de Peter Ablinger.

Yukiko Sugawara
Ein Kinderspiel. Sieben Stücke für Klavier / Helmut Lachenmann
Darabukka / Nikolaus A.Huber
Su un océano de Scampanellii / Mauricio Sotelo
Koe / Carlos Bermejo

Dúo para violín y piano Herrador-Lechner
Fratres / Arvo Pärt
Mouvements Perpétuels (arr. Jasha Heifetz) / Francisc Poulenc

Información

Real Fundación de Toledo
Plaza de Victorio Macho, 2
45002 Toledo
Tel: 925 28 42 25
Web: www.realfundaciontoledo.es

Escuela de Arquitectura de la Universidad de Castilla-La Mancha
Campus Tecnológico de la Fábrica de Armas Edificio 21
Av/ Carlos III s/n
Toledo
Tel: 925 26 88 00
E-mail: arquitectura.to@uclm.es
Web: www.uclm.es/to/arquitectura/

Referencias