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Semana de la Improvisación Libre 2013

Susana Castro — Wed, 14 Aug 2013 09:59:49 +0000

El próximo mes de septiembre tendrá lugar en la Universidad Abierta Interamericana (Bue- nos Aires) la Semana de la Improvisación Libre 2013, una actividad gratuita dirigida tanto a estudiantes como a profesionales de distintas áreas relacionadas con la salud, la educación y las Artes, cuya finalidad es la puesta en común de diversas experiencias en las que la improvisación libre interviene de forma directa. Así, se realizarán concier- tos, conferencias, mesas redondas y diversos talleres encaminados a la revisión del uso de la improvisación dentro de la educación musical, la musicoterapia y la composición.

La improvisación libre es una forma de composición musical en tiempo real que une interpretación y composición de forma casi perfecta, permitiendo el desarrollo de distintas cualidades que trascienden al hecho musical. Los ejes de trabajo propuestos por la organización en esta cuarta edición son la Improvisación Libre y el Arte, la Improvisación Libre y la salud, la Improvisación Libre y sus técnicas, la Improvisación Libre como campo de pensamiento estético, político y ético y la Improvisación Libre y la Musicoterapia.

Esta iniciativa forma parte de toda una serie de actividades desarrolladas por el área de Salud y Calidad de vida (Facultad de Psicología y Relaciones Humanas) de la Universidad Abierta Interamericana, que tiene por objeto velar por la calidad de vida y el cuidado de la salud del ser humano a través del conocimiento de las últimas técnicas y tratamientos que ayudan a mejorar estos aspectos de la vida diaria.

Fundada en 1995, la UAI es una Universidad privada que forma parte de la red de instituciones Vanguardia Educativa (VANEDUC), que abarca todas las fases de la formación académica del estudiante, desde la educación preescolar hasta la educación superior y de posgrado. VANEDUC es un centro de investigación y asesoramiento educativo sito en Argentina que desarrolla su actividad educativa a nivel nacional e internacional buscando siempre el máximo aprovechamiento del potencial humano.

Información

Organiza: Licenciatura en Musicoterapia – Universidad Abierta Interamericana
Avda. San Juan 951, Piso 1º, Cap Fed.
Web: http://www.jornadasdeimprovisacionlibre.blogspot.com.es
E-mail: infolasemana@uai.edu.ar

Colaboran: Licenciatura en Musicoterapia – Universidad de Buenos Aires; ECuNHi – Espacio Cultural Nuestros Hijos.

Referencias

I Concurso de Composición “Didáctica y pedagogía desde la interpretación musical”

Raquel Fron Medina — Mon, 25 Mar 2013 08:26:35 +0000

Abierto el plazo de presenta- ción de obras para el I Concurso de Composición “Didáctica y pedagogía desde la interpretación musical” hasta el 8 de junio de 2013, organizado por la SEM-EE (Sociedad para la Educación Musical del Estado Español) en colaboración con otras entidades musicales como las empresas importadoras de material musical Carish y Consolat de Mar, y la revista electrónica de educación musical Artseduca.

Una correcta formación desde edades tempranas es primordial para el desarrollo del talento musical. El I Concurso de Composición “Didáctica y pedagogía desde la interpretación musical” propone fomentar la creatividad y la innovación en el campo de la pedagogía musical así como incrementar el repertorio didáctico. Este concurso va dirigido a compositores de cualquier edad y nacionalidad que deseen aportar su grano de arena al progreso de la pedagogía musical. Para ello el concurso se divide en dos categorías: obras destinadas a ensembles escolares y obras enfocadas en la interpretación a manos de agrupaciones musicales de Enseñanzas Elementales de Conservatorios y Escuelas de música. Los concursantes deberán adjuntar a su proyecto una propuesta didáctica que oriente el trabajo que se puede realizar con la obra y las posibles adaptaciones de la misma y enviarlo junto con el justificante de inscripción al correo sem-ee@hotmail.com. Dicha propuesta didáctica será valorada, junto con la obra, por un jurado formado por expertos en Composición y Didáctica musical, que anunciarán su veredicto el día 20 de julio. La obra ganadora será estrenada en el acto de entrega del premio y, tanto la partitura como la propuesta didáctica, publicadas en una revista de impacto internacional. Además la SEM-EE promocionará la obra para que sea interpretada por las agrupaciones correspondientes.

Para participar, es necesaria la inscripción en el concurso así como el ingreso de 15 EUR por derechos de inscripción o 10 EUR en el caso de ser socio de la SEM-EE.

Información

Sociedad para la Educación Musical del Estado Español
Palacio de Albaicín C/ Los Pinares
39180 Noja, CANTABRIA
Tels: 609 43 14 62 / 616 20 06 81
E-mail: sem-ee@hotmail.com
Web: www.sem-ee.com

Referencias

Creatividad musical y fisicalismo

Ryan Revoredo — Sat, 15 Dec 2012 09:16:42 +0000

La creación musical mediante improvisación, propuesta y colaboración ha sido desarro-llada en talleres de creatividad y conciertos creativos, en decenas de colectivos variados en conformación y nivel; documentados en la escuela y orquesta: Crea Música. Esta actividad se fundamenta en técnicas de creación musical que aplican en la práctica valores hallados en una teoría de análisis de estructuras perceptivas en la música. Esta teoría se demuestra como herramienta de conocimiento fisicalista, procedimiento científico y objetivo de comprensión de la música en el análisis y la creatividad. Esta postura tiene consecuencias para la musicología, la epistemología y para entender aspectos históricos, conductuales y sociales de la música. La teoría se encuentra extensamente desarrollada en un texto Física de la música, todavía inédito.

El artículo, dividido en dos partes, aborda estos aspectos teóricos y de experiencia didáctica en el siguiente texto, al que puede accederse en formato PDF.

Descargar artículo completo en PDF

Referencias

Web de CreaMúsica

Temporada 2012-2013 del CNDM: combinar equilibrando

Vicky Soler Martín — Mon, 11 Jun 2012 11:55:01 +0000

El pasado jueves 7 de junio se presentó la nueva temporada 2012-2013 del CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical), que agrupará un total de 102 conciertos en Madrid y otras 14 ciudades de todo el territorio nacional, así como 2 congresos –uno, en Madrid, sobre Cervantes y El Quijote en la música, y otro sobre Cabanilles, en Valencia-, un curso de interpretación en León y un Proyecto pedagógico coproducido con la Orquesta y Coro Nacionales de España que contará con Marisa Manchado como compositora residente –en el que también colaboran instituciones como la Compañía Nacional de Danza, la Unidad de Audiovisuales y el Laboratorio de Informática y Electrónica Musical (LIEM) del Centro de Tecnología del Espectáculo-, trabajando con dos grupos de niños y jóvenes durante el curso académico.

De los 10 ciclos de que consta la propuesta del CNDM para este año, nos centraremos en aquellos que afectan a la música de nuestros días y del pasado más inmediato. Estos ciclos son el ya habitual SERIES 20/21, el más “pegado” a la creación actual, el mencionado Proyecto pedagógico, y la nueva propuesta Bach Modern, que se mueve en torno a la idea de “diálogo abierto entre la música antigua y la moderna“. Las cifras de estos ciclos dedicados a la creación contemporánea y del siglo XX –algo que posiblemente sólo sea interesante observar a efectos comparativos y de evolución respecto a otras temporadas- se mueven en un total de 32 conciertos (en el total de los ciclos mencionados), el estreno de 22 nuevas composiciones –12 de ellas encargo del CNDM-, contabilizando un total de 139 partituras pertenecientes al siglo XX y 67 al presente.

Una programación ecléctica

Lo primero que se observa en el ciclo SERIES 20/21 es la mayoritaria presencia de intérpretes españoles en el espacio Auditorio 400 del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía): Camerata del Prado, Gabriel Estarellas, Trío Arbós, SMASH ensemble, Grupo Instrumental Siglo XX, Grupo Cosmos 21, Grupo Enigma, Sax-Ensemble, Ensemble Espai Sonor, Cuarteto Quiroga, Atelier Gombau, y una excepción internacional, el Cuarteto de Leipzig, que traerá a escena el tercer concierto dedicado a Bartók. En este sentido es evidente que la programación –como es habitual en este contexto- se traza hilando las propuestas que emanan de los intérpretes y las líneas de interés de la temporada. Esta fórmula –ya “histórica” como modo de proceder de las unidades del INAEM dedicadas a difundir la música contemporánea (recordemos al CDMC en este sentido)- hace posible compatibilizar las inquietudes de los intérpretes con la línea de programación que marca la institución pública, algo imprescindible para establecer los lógicos equilibrios que deben reinar en estos ámbitos.

Respecto al segundo espacio donde se desarrollará el ciclo SERIES 20/21, la sala de cámara del Auditorio Nacional de Música, la programación se plantea a través de un plantel de intérpretes de perspectiva más internacional y con apriori interesantes combinaciones: Viktoria Mullova/The Matthew Barley Ensemble, Ute Lemper/Cuarteto Vogler, Cuarteto de Tokio, Bertrand Chamayou, Cuarteto Brodsky, Daniel Hope/Sebastian Knauer, Jörg Widmann/Claudio Bohorquez/Katja Skanavi, Fretwork, Bcn216, Neopercusión/Markus Stockhausen, Cuarteto Kopelman/Elisabeth Leonskaja y Cuarteto Kronos.

En ambos espacios donde se desarrolla el ciclo SERIES 20/21 –Auditorio 400 y Auditorio Nacional- la propuesta del CNDM es bastante clara, poniendo énfasis en una variedad estética que quiere satisfacer a públicos diversos con el objetivo de atraerlos, desde otros contextos, a la música de nuestros días y a aquella compuesta en el siglo pasado. La única reserva que podría hacerse es la limitada presencia de músicas de carácter más experimental y avanzado que –aunque representadas en alguna medida en los conciertos de Espai Sonor y SMASH ensemble- quizá podrían tener mayor peso en el conjunto de la programación. Aunque, en este sentido, lo cierto es que poco se puede objetar a la línea de programación del CNDM, pensada para cubrir un espectro que ya es muy amplio si pensamos en la gran extensión del repertorio de todo un siglo y más de una década del siguiente. Otra cosa sería preguntarse si la fusión de las antiguas unidades de producción en una única permite atender debidamente las necesidades de la creación más reciente. Pero esto es otro debate, ajeno a cualquier crítica posible sobre la programación planteada por el CNDM, y sería razonable plantearlo en el marco de una reflexión más amplia sobre cómo articular el tejido cultural en nuestro país, tanto desde el contexto público como desde el privado.

Cabe también destacar el mencionado antes ciclo Bach Modern, un diálogo planteado entre la música de Bach y la de nuestro tiempo, con programas que unirán al compositor barroco alemán con autores presentes y del pasado siglo como Shostakóvich, Berio, Schnitke, Kurtág, Lachenmann, Rihm, Joan Guinjoan, Michael Nyman, Tomás Garrido, Jesús Navarro y Manel Ribera. El ciclo estará protagonizado por intérpretes como Nicolas Hodges, Lluís Claret, Isabelle Faust, Andrea Bacchetti, Pierre Hantaï o Elisabeth Leonskaja. Una interesante combinación, que entronca bien con el nuevo interés que se percibe desde diferentes puntos por indagar en las relaciones entre épocas, especialmente entre música contemporánea y antigua.

Subciclos, homenajes, encargos y estrenos

En el complejo trazado de la temporada CNDM encontramos, dentro de los ciclos mencionados, otros subciclos: “Bartók Première”, que traerá la integral de los cuartetos del compositor bohemio; “Músicas degeneradas”, acercándonos a la producción de autores como Schulhoff, Weill, Eisler, Korngold, Zemlinsky, Messiaen, Krenek, Hindemith o el español Gerhard; la segunda edición de “Fronteras”, que pretende la escucha de nuevas propuestas en el contexto de un panorama musical ajeno a cualquier adscripción estética, en el que se enmarcan los conciertos de Matthew Barley Ensemble y Viktoria Mullova, Ute Lemper y el Cuarteto Vogler, el consort de violas Fretwork, el conjunto Neopercusión con Markus Stockhausen y el Cuarteto Kronos; y “Homenajes”, que estarán dedicados en esta ocasión a Dmitri Shostakóvich, con la integral de sus 15 cuartetos de cuerda, Sofia Gubaidulina, John Cage, en el centenario de su nacimiento, y Tomás Marco, en el de su 70 aniversario.

En el capítulo de encargos directamente realizados por el CNDM podemos observar que siete de los ocho corresponden a autores españoles –Gabriel Erkoreka, Carlos Galán, José Luis Greco, Cristóbal Halffter, Eduardo Pérez Maseda, Jesús Villa Rojo y Mercedes Zavala–, y los dos restantes a la compositora rusoamericana Lera Auerbach y al inglés Michael Nyman. Además de estos encargos del CNDM, habrá estrenos absolutos del compositor griego residente en Francia Georges Aperghis, y de los españoles Manuel Millán, Miguel Ángel Jiménez, Zulema de la Cruz, Juan Antonio Medina, Eduardo Morales, David del Puerto, Manuel Angulo y María Eugenia Luc. Como estrenos en España podremos asistir a otro buen número, entre los que cabe destacar el del español Alberto Hortigüela y numerosos de autores europeos como Harrison Birtwistle, Wolfgang Rihm, John Woolrich o Steve Reich, entre otros.

En conclusión, una temporada nutrida y variada, y que pensamos posee dos virtudes evidentes: por un lado, la búsqueda de nuevas propuestas dentro de una línea de programación muy marcada; por otro, el mantenimiento de muchas de las iniciativas ya existentes que habían demostrado sobradamente su interés.

Información

Centro Nacional de Difusión Musical (INAEM)
Auditorio Nacional de Música
c/ Príncipe de Vergara, 146. 28002 – Madrid
Tel: 91 337 02 34/40
E-mail: cndm@inaem.mcu.es
Web: http://www.cndm.mcu.es

Referencias

Descargar programación de la Temporada 2012-13 del CNDM en PDF [enlace externo]

European Musical Creation Workshop: el viaje, el encuentro y la maestría

Rubén Vega Balbás — Tue, 10 Jan 2012 10:36:21 +0000

La mitología musical occidental está llena de odiseas protagonizadas por jóvenes músicos y compositores recorriendo la antigua Europa en busca de las fuentes del saber, de acciones heroicas como las del joven Johann Sebastian, dejándose la vista noche tras noche a luz de las velas descifrando los textos de Buxtehude al otro lado de una cancela. Hoy en día, viejas ya Europa y la modernidad, el mundo es muy diferente. Internet y las low cost nos han dado de pronto acceso a lo que hasta ahora había estado oculto o simplemente lejos. No es hace mucho tiempo cuando para acceder a una grabación, a una partitura, para poder ver y escuchar a un admirado Maestro, para poder enseñarle nuestro trabajo había que recorrer una suerte de viaje alegórico y real. El saber se construía profundizando al máximo en cada una de las fuentes conquistadas. Hoy todas las fuentes están ahí, cerca, en el horizonte de los posibles. Pero curiosamente muchas veces constatamos cómo el torrente de información, la cantidad de itinerarios que nos son posibles nos puede desorientar e incluso hacernos sentir vacíos en vez de saciarnos. Y es que el panorama de los posibles más que nada es un mercado en el que somos consumidores, y no lo digo como si esto fuese en sí un demérito sino porque el mercado está saturado de simulacros, de epílogos y de ruido. Si las fuentes del saber nunca estuvieron anunciadas con neones ahora puede resultar complicado siquiera emprender un verdadero viaje en su busca (y es en el viaje donde nace la oportunidad para aprender). Pero no basta con señalar el mercado como si éste fuera un demonio ajeno (actitud muy de moda últimamente) sino que hay que ser autocríticos ya que todos participamos de la vorágine consumista cuando valoramos los curricula al peso, cuando confundimos la meritocracia con la titulocracia, cuando entramos en una espiral bulímica y abusamos del menú degustación probando un poco de aquí y un poco de allí sin comprometernos mucho con nada (ni con nadie). Como dicen los estudiosos de la postmodernidad todo se multiplica, se acelera, se licúa… sobre todo el espacio y el tiempo, y los músicos sabemos que eso es importante.

En 2009 Aureliano Cattaneo y yo conseguimos poner en marcha la primera edición del EMCW, un proyecto que entronca con los retazos mitológicos que siguen vivos en el imaginario de la erudición europea para tratar de actualizarlos en la realidad actual, en la que los jóvenes compositores españoles son nativos democráticos y nativos digitales. Es por lo tanto un camino que retoma el legado cultural de la música culta pero no con la intención de conservar sus saberes cristalizados sino precisamente para ponerlos en contacto vital con los otros bagajes que enriquecen la concepción del mundo musical del joven compositor. Desde el principio fue el motor del proyecto el poner en marcha una didáctica militante basada en una verdadera relación de maestría en la que se pusieran en diálogo el deseo de aprender y el deseo de transmitir experiencia a quien tiene deseo de aprender. Hablo de una relación de maestría no jerarquizada, ni disciplinaria, ni siquiera ex cátedra, sino de una relación al servicio del talento creativo del aprendiz como creador de facto. Y hablo de una relación que debe ajustarse a los tiempos de la creación y no únicamente a los tiempos del utilitarismo, de una relación que también debe tener su espacio; con el EMCW tratamos de ofrecer un tiempo y un espacio para esta didáctica en un formato de taller (Workshop) que se inspira con carácter renovador en los mitos de la Ἀκαδήμεια platónica y en los talleres medievales y renacentistas. Pensamos el taller como espacio grupal de artesanía, en el que todos aprendemos de todos, en el que el talento busca alcanzar la maestría del oficio, como lugar no escolástico en el que la figura del Maestro no aspira a consagrarse sino a fomentar la autonomía de cada individualidad.

En el título del proyecto la palabra Creation también fue escogida a conciencia para hablar de un modo abierto de la acción generadora de sentido musical y no exclusivamente de la escritura, saber lingüístico con más de 700 años de historia del que somos continuadores. En 2010 se incorporaron Alberto Posadas y Alberto Bernal y definimos lo que son actualmente los dos recorridos del taller: el recorrido de escritura para consolidar el oficio del compositor en relación con la interpretación instrumental, y el recorrido de nuevos medios y nuevas tecnologías no solamente para explorar la inclusión en el ámbito de la música instrumental de materiales electroacústicos sino sobre todo para explorar otras formas de expresión que surgen en las fronteras del arte sonoro, las artes visuales y las performáticas. En este sentido abierto al que me refiero, la palabra creación se establece al margen de las categorías antagónicas música culta / popular que siguen rigiendo los itinerarios de la formación musical más temprana para tratar de recoger una comprensión contemporánea de músico-artista que ha bebido del saber de muchas fuentes, que tiene en su imaginario a Bach y a Beethoven pero también a Thelonius Monk, a Kraftwerk o a Enrique Morente, que escribe e improvisa, que utiliza instrumentos acústicos y digitales, pero que también muchas veces produce, publica, difunde y gestiona su carrera profesional de un modo heterodoxo, sirviéndose de las formas de la vieja modernidad (editoriales, discográficas, instituciones y fundaciones…) pero también construyendo su identidad en el campo del arte, aunque parezca una contradicción, de forma cada vez más autónoma y conectada.

Otra de las palabras claves implícitas en los fundamentos del EMCW es la profesionalización. La consolidación del artista profesional es un proceso inmerso en el modo por el que se ha posibilitado en cada momento la financiación de la escritura y la interpretación instrumental. La financiación siempre ha exigido la maestría del arte del oficio, del saber hacer, y en este sentido es tan fundamental como la experiencia de los profesores la colaboración con Voro García y Espai Sonor, que ponen a disposición del talento creativo de los jóvenes compositores la inexorable realidad del ensayo, momento en el que el signo se convierte en sonido, en el que se posibilita la oportunidad para el aprendizaje insustituible de la pragmática, de la experiencia concreta frente a la regla universal que habita en el estudio del compositor demiurgo.

En este contexto de individualidad y autonomía en el que se está profesionalizando una nueva generación de músicos españoles que han tenido a su alcance las fuentes que antes permanecían inaccesibles como distantes, pensamos que son valiosos los tiempos y los espacios para detenerse, encontrarse e intercambiar, pero sobre todo para buscar la maestría en un oficio tan antiguo como en permanente transformación. Así, quien hace real cada año el EMCW son los jóvenes creadores que nos visitan cada año para participar en los talleres; es su compromiso, su trabajo y su talento los únicos que pueden dar sentido al viaje, al encuentro y la maestría que pretendemos fomentar.

Rubén Vega Balbás es Production Manager del EMCW
Enero 2012

Información sobre el EMCW

European Musical Creation Workshop 2012
E-mail: info@emcw.eu
Web: http://www.emcw.eu

Referencias

Biografías de los autores y colaboradores del proyecto EMCW

Abierta la inscripción para el nuevo Plan de Formación del Profesorado 2012 de IFIDMA

Redacción — Thu, 15 Dec 2011 12:21:02 +0000

IFIDMA acaba de presentar el nuevo Plan de Formación del Profesorado para el primer semestre de 2012, cuyos primeros cursos darán comienzo a primeros de febrero. En esta convocatoria la oferta de IFIDMA es de 24 cursos de materias muy variadas: aplicación de las TIC a la educación, didáctica, análisis musical, armonía, informática musical, música para el cine, inteligencia emocional aplicada a la música, improvisación, ansiedad escénica…

Los cursos on-line que imparte IFIDMA otorgan Créditos de Formación del Profesorado a docentes de toda España, gracias al convenio que nuestra entidad tiene firmado desde 2008 con el MINISTERIO DE EDUCACIÓN, y por ello son válidos para oposiciones, concursos de traslado, sexenios, etc.

Estas actividades se ofertan a través de Conservatorio Virtual (www.conservatoriovirtual.com), una iniciativa creada en 2002 que se inicia con dos vías de actuación muy concretas: por una parte, la formación permanente del profesorado -a través del programa de cursos on-line homologados por el MINISTERIO DE EDUCACIÓN-, que cuenta con una amplia experiencia formativa por la que ya han pasado miles de alumnos. Por otra, los programas de especialización, que actualmente se centran en la composición de música para la imagen, que en un futuro cercano tendrán interesantes extensiones hacia el campo multimedia más avanzado.

Además, desde el año 2010, IFIDMA ofrece -a través de su web paralela www.formacionprofesores.com- cursos on-line dirigidos a docentes de otras áreas educativas relacionadas de una u otra forma con las humanidades (fotografía, periodismo, geografía e historia, sociología…), así como tratando temas transversales que afectan a la docencia.

DESCARGAR EL CALENDARIO DE CURSOS EN FORMATO PDF

CURSOS OFERTADOS PARA FEBRERO DE 2012

Schoenberg, Webern, Berg: aproximación a la II Escuela de Viena
Didáctica de las asignaturas teórico-musicales basada en el aprendizaje significativo
Aplicación didáctica del editor de partituras Noteflight: composición colaborativa en red
Elaboración de Unidades Didácticas en Educación Musical
MOODLE: Entornos de aprendizaje virtual para docentes
Inteligencia emocional y enseñanza de la música
Aprender a superar la ansiedad escénica
Armonía funcional aplicada al jazz y la música populaR
Música pop: análisis y estilos
Poemas y canciones populares
Internet en el aula de música
La música en el cine

Información y matrículas

IFIDMA / Conservatorio Virtual
Tel: 914042658
Fax: 914050186
E-mails: secretaria@conservatoriovirtual.com / secretaria@formacionprofesores.com
Webs: www.conservatoriovirtual.com (cursos de música) / www.formacionprofesores.com (cursos de humanidades)

Un proyecto pedagógico para acercar la infancia al mundo sonoro contemporáneo

Santiago Pérez Aldeguer — Thu, 15 Dec 2011 10:46:15 +0000

“Imaginar un lenguaje significa imaginar una forma de vida.”
L. Wittgenstein

RESUMEN

El presente proyecto es fruto de una experiencia llevada a cabo en seis centros de la Comunidad de Madrid para alumnos/as de 2º y 3er ciclo de Educación Primaria. El objetivo: ayudar a los niños/as a abrirse a la creatividad y aceptación de espacios sonoros contemporáneos, como reflejo de la inquietud por acercarlos al conocimiento del arte y el pensamiento actual. ¿Por qué? Porque la música del siglo XXI será la que ellos hagan, el arte contemporáneo es un reflejo de nuestro mundo, y el mundo del futuro, el que ellos creen.

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Referencias

Postgrado de la Universitat Jaume I sobre lenguaje e improvisación en el jazz

Vicky Soler Martín — Sat, 29 Oct 2011 18:40:02 +0000

Bajo el título “El lenguaje y la improvisación en el Jazz: Metodología y recursos didácticos para el docente de música”, la Universitat Jaume I de Valencia impartirá este curso de postgrado, que organiza FUE-UJI y otorga a todos los alumnos de la UJI de Grado, Primer y Segundo ciclo 1 crédito de libre configuración. El curso se celebra los días 15, 17, 22, 24 y 29 de noviembre de 2011.

Con la desaparición de las titulaciones de Maestro Especialista en Educación Musical, a excepción de las menciones específicas en el Grado de Maestro que se llevan a cabo en algunas de las universidades españolas y el pequeño porcentaje de créditos que se imparten en la subespecialidad de música en el Máster en Profesor de Enseñanza Secundaria, no existe ningún plan de estudios que contemple la educación musical como especialidad en la Educación Obligatoria. Consideramos esencial e imprescindible una formación musical amplia, actual y metódica del futuro docente. Esta situación demanda una especialización en pedagogía musical que permita adquirir los contenidos específicos de la materia y aplicar su didáctica en la enseñanza de la música en el ámbito de la educación Infantil, Primaria y Secundaria.

El profesorado encargado de impartir el curso será Jeff Jerolamon, profesor de la especialidad de Jazz en el Conservatorio de Música de Valencia y José Mª Peñalver Vilar, Área de Música, UJI.

Información

Fundació Universitat Jaume I-Empresa
Web: http://www.fue.uji.es

Referencias

Información sobre el curso en la FUE-UJI

LATERALIDAD. ¿Un concepto nuevo en lenguaje musical? ¿Por qué debemos marcar el compás con las dos manos?

Anna Vernia — Mon, 05 Sep 2011 16:53:09 +0000

En prácticamente todas las actividades cotidianas utilizamos las dos manos (vestir, comer…), y si nos dirigimos a la música, la práctica instrumental también requiere de la coordinación bimanual. Mientras que en unas actividades un mano actúa de apoyo de la otra (escribir o cortar con tijeras), en otros casos las manos actúan coordinadas (tocar el piano). Esta coordinación necesita en principio la separación o disociación del movimiento de las manos.

La disociación doble hace referencia a cuando actúan las dos manos pero con movimientos diferentes (lanzar una pelota, jugando al tenis, para ser golpeada por la raqueta), esta actividad requiere de la intervención conjunta de los dos hemisferios cerebrales (Rigal, 2006).

En actividades como marcar el compás m20110902-PDF_lateralidad_anna-verniausical con dos manos, o practicar polirritmias utilizando ritmos diferentes en cada mano, estaríamos trabajando lo que sería disociación doble. Muchas de las actividades que se desarrollan en lenguaje musical hacen uso de la disociación doble y en algunos casos, incluso más compleja, interviniendo a la vez manos y pies en acciones diferentes.

Si tuviéramos que justificar la importancia de marcar el compás para medir la música con las dos manos, solo necesitaríamos hablar con un percusionista, violinista, pianista, arpista o cualquier instrumentista que utilice las dos manos para interpretar con su instrumento y preguntarle sobre su práctica instrumental y la importancia de adquirir una independencia técnica manual. Por tanto, si es tan importante la disociación doble para la educación musical, ¿por qué todavía se sigue educando desde la asignatura vertebradora del currículum musical, que es el lenguaje, reprimiendo movimientos, actividades y actitudes que refuerzan el trabajo de lateralidad y en consecuencia la mejora en la práctica instrumental, actuando en contra de unos principios de calidad educativa?

El docente que desarrolla la asignatura de lenguaje musical, en general, sigue transmitiendo los conocimientos y saberes a través de una posición sedente fomentando como ejemplo didáctico la figura del receptor pasivo.

Sin embargo, como la justificación no puede estar sólo sobre una reflexión personal basada en la observación, ya que resultaría poco científico, este artículo también parte de opiniones de expertos en la materia (bibliografía consultada), que darán apoyo a la importancia de un trabajo, práctica ya habitual en métodos como el de Dalcroze[1], sistema pedagógico para el desarrollo de la educación musical y que requiere una preparación importante para su aplicación, no tan sólo unas horas de formación general.

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Anna Vernia

Licenciada en Trompeta por el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona. Diploma de Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia. Diplomatura de postgrado en Nuevas Tecnologías de la Comunicación e Información aplicadas a la Educación Musical por la universidad Autónoma de Barcelona y Máster en Internacional en Comunicación y Educación por la misma universidad. Certificada en Dalcroze. Cabe destacar su participación en calidad de comunicación o póster científico en diferentes congresos y jornadas de música, educación y adultos además de publicar diferentes artículos sobre didáctica y pedagogía de la música.

Actualmente ejerce su labor docente como profesora en la especialidad de trompeta en el Conservatorio profesional de música “Fracesc Peñarroja” de la Vall d’Uixó y en el Centro municipal de Estudios Rafel Martí de Viciana de Burriana, donde también imparte la asignatura de lenguaje musical y conjunto instrumental para adultos, además de dirigir la revista ARTRES, publicación editada por dicho centro.

NOTAS

[1] Jaques-Dalcroze, profesor de Solfeo, Armonía y Composición en el Conservatorio de Ginebra, cuyo método surgió a partir de las necesidades rítmicas y motrices de su alumnado.

Referencias

El nuevo Plan de Formación de IFIDMA oferta 23 cursos para profesorado

Redacción — Thu, 16 Jun 2011 05:41:03 +0000

IFIDMA acaba de dar a conocer su nuevo Plan de Formación del Profesorado para el 2º semestre de 2011. En esta convocatoria, la institución editora de Sul Ponticello oferta de 23 cursos que abarcan un amplio espectro de materias, en el ámbito de la didáctica, el análisis musical, armonía, aplicación de las TIC a la educación, informática musical, improvisación, música para el cine, ansiedad escénica, inteligencia emocional aplicada a la música…

Los cursos on-line que imparte IFIDMA otorgan Créditos de Formación del Profesorado a docentes de toda España, gracias al convenio que nuestra entidad tiene firmado desde 2008 con el MINISTERIO DE EDUCACIÓN, y por tanto son válidos para oposiciones, concursos de traslado, sexenios, etc.

El portal Conservatorio Virtual (www.conservatoriovirtual.com) es una iniciativa creada en 2002 que se inicia con dos vías de actuación muy concretas: por una parte, la formación permanente del profesorado -a través del programa de cursos on-line homologados por el MINISTERIO DE EDUCACIÓN-, que cuenta con una amplia experiencia formativa por la que ya han pasado miles de alumnos. Por otra, los programas de especialización, que actualmente se centran en la composición de música para la imagen y que próximamente se verán impulsados por nuevos proyectos que ya se están desarrollando en colaboración con diferentes entidades.

Asimismo, desde el año 2010, IFIDMA ofrece -a través de su web paralela www.formacionprofesores.com- cursos on-line dirigidos a docentes de otras áreas educativas relacionadas con las humanidades o con temas transversales (periodismo, fotografía, geografía e historia, sociología…).

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CURSOS OFERTADOS PARA EL 2º SEMESTRE DE 2011:

Didáctica de las asignaturas teórico-musicales basada en el aprendizaje significativo
Composición y arreglos musicales para el aula
Aplicación didáctica del editor de partituras Noteflight: composición colaborativa en red
La instrumentación a través de la historia y las culturas
Improvisación: teoría, técnica y práctica
Curso profesional de Finale. Nivel 1: bases del programa
Poemas y canciones populares: de la Guerra Civil a la hinchada de fútbol
Mirar al otro: curso de fotografía [El retrato y la puesta en escena]
Herramientas TIC para el desarrollo del área de Geografía e Historia
Inteligencia emocional y enseñanza de la música
Aprender a superar la ansiedad escénica
Armonía funcional aplicada al jazz y la música pop
Música pop: análisis y estilos
La música en el cine
Enseñanza del instrumento: La programación y las unidades didácticas
Creación de arreglos vocales para el aula
Internet en el aula de música
Schoenberg, Webern, Berg: aproximación a la 2ª Escuela de Viena
Programación didáctico-musical
Los medios de comunicación: una educación crítica en el aula (teoría y práctica)
MOODLE: Entornos de aprendizaje virtual para docentes
Curso de Sibelius: escribir, arreglar e imprimir música

Información y matrículas