En la obra electrónica Sympathetic Magic, su autor, Gordon Delap, procesa por medio de síntesis al contrabajista Bryan Quigley que se solapa con sonidos vocales. Michel Pascal, describe el después de un seísmo en Répliques convirtiendo vientos y cuerdas en una especie de sismógrafos musicales. El compositor griego Panayiotis Kokoras profundiza en el sonido del piano y su estructura en la pieza Response, en la que manipula el material a través de los procesos granulares, los estiramientos y otras técnicas. En Fretwork, Nichola Scrutton comenta que desarrolla la obra “como un collage abstracto con fragmentos reconocibles de sonidos de guitarra que surgen y desaparecen en medio de vibraciones y resonancias falsamente extendidos”. Para Glass Cutter, la pieza de Cristian Banasik, el instrumento es un juego de vajilla y otros sonidos de cocina. “La idea era crear una miniatura de sonido que consta de piezas reales cotidianas manipuladas a nivel musical“. Daniele Gugelmo finalizará el concierto con Multitude, obra cuyo motor son los poliritmos constructivos y la superposición de las regiones en torno a las alturas, utilizando diversos objetos sonoros y la repetición rítmica.

El domingo 9, a las 17 h., y con el título “XL#2″, se presenta el concierto final del ciclo, un evento de largo formato con obras de  Mario Verandi, José Luis Maire, Garth Paine, Clement Parmentier, Carlos Duque y Gintas Kraptavicius.

Mario Verandi abrirá la primera parte del concierto con su trabajo octofónico Street Markets Remixed, en el que nos guía por “un mercado callejero, un espacio público donde la gente se reúne para vender y comprar frutas, verduras, pescado y otros productos, pero también es un punto de encuentro social, donde el tiempo y espacio adquieren una dimensión diferente“. Muy diferente es la propuesta de José Luis Maire en El Salto, con su tratamiento en síntesis combinada con objetos. Su autor nos habla de ella en estos términos: “Como si se tratara de observar, en un ejercicio sin finalidad, la variedad de gestos sostenidos por un muelle, la pieza transcurre mediante elongaciones de alturas, timbres y temporalidades. De forma inevitable la densidad petrifica todos los registros y la pieza acaba como el reverso de su primera mitad: sonidos densos, ritmos graves y distorsiones tímbricas.”

La segunda parte comenzará con la obra de Garth Paine, Conversation:Prelude, pieza que surge de una serie de visitas a Bundanon en Australia, donde Paine, llevó a cabo una serie de “exploraciones para entablar conversacion con el paisaje”, grabando el ambiente natural e interviniendolo al fijar cuerdas de piano entre los árboles para que el viento las hiciera sonar. Bien distinto es Clément Parmentier en T.O.C. o (Trastorno Obsesivo-Compulsivo), donde narra la historia de un personaje afectado por este síndrome, acosado por sus obligaciones y que considera sin embargo como ridículo. “Me di cuenta de las diversas partes de la historia inspirándome en las palabras que describen los síntomas: nacimiento-evolución-escisión-dolor-astenia-extinción-pregunta. Éstas crean un contexto global, aunque las transiciones entre las partes no siempre son perceptibles“. Carlos Duque nos “ofrece un recorrido sonoro del siglo XX español, a través de los audios más significativos de la historia. En sucesión cronológica y sobre una base sonora electrónica”, en Audio-Mosaico XX, donde se genera un proceso narrativo que muestra la evolución social, política y artística del siglo. La intención de Duque es “secuenciar esas sensaciones fruto de la identidad con el sonido, y hacer que la memoria sonora ayude a generar una empatía con el oyente“. Como última obra del concierto, el artista sonoro Gintas K (Gintas Kraptavicius) se encargará de cerrar el ciclo con su trepidante obra 5m.

Información

Teatro C’est la vie
C/ de la Cabeza 26
(Metro Tirso de Molina/Antón Martín)
28012 Madrid

Referencias

• Información completa sobre los conciertos en la web de UNDÆ!

Seguidamente, tendrá lugar un concierto dividido en dos partes, con música de los compositores americanos Trevor Baca, Ryan Krause y Dave Reminick, el francés Julien Vincenot y los catalanes Hèctor Parra, Enric Riu, Joan Bagès y Joan Arnau Pàmies.

PROGRAMA

Hèctor Parra / Time Fields I (2002-2006)
Joan Martí-Frasquier, saxofón barítono

Enric Riu / Natürliche Beziehung (2012)*
Albert Rodríguez, violín

Trevor Bača / Sekka (2007)**
Marc Horne, flauta

Dave Reminick / Gray Faces (2011)***
Dave Reminick, saxofón alto

Julien Vincenot / Ascidiacea (2010)**
Marc Horne, flauta
Julien Vincenot, electrónica

Joan Bagés / Antípoda (2012)
Daniel Carbonell, gralla
Joan Bagés, electrónica

Joan Arnau Pàmies / [d(k_s)b] (2011)**
Kathryn Schulmeister, contrabajo

Ryan Krause / “Obra nova” (2012)*
Marc Horne, flauta
Kathryn Schulmeister, contrabajo

* Estreno mundial
** Estreno en Cataluña
*** Estreno en Europa

Información

Centre d’Art Cal Massó
C/ Pròsper de Bofarull, 7
Reus
43202 – Tarragona
Tel: 977010664
E-mail: calmasso.museus@reus.cat
Web: http://www.calmasso.reus.cat

Los intérpretes serán Nova Camera Orquestra, con los solistas Andrei Karasiuk (contrabajo),  Amparo Más (violoncello), los guitarristas Pablo de la Cruz, Salvatore Zema, Esther Lences, Lazare Cherouna e Isabel Gil Vera, todos bajo la dirección de José Carlos Martín.

El festival, que comenzó el pasado 20 de septiembre y se clausurará el 23 del presente mes con un concierto de los dúos Zema & Lences y Paul Cortese & J.A.García Fuertes en el Museo de los Orígenes de Madrid, está dedicado este año a conmemorar el bicentenario del nacimiento de Liszt y el 24 aniversario de la muerte de Andrés Segovia.

Información

FESTIVAL INTERNACIONAL DE GUITARRA ANDRÉS SEGOVIA
E-mail: pablocconcejal@hotmail.com
Web: http://www.guitarfestivalsegovia.blogspot.com

El Festival “Ludwig Streicher” es un ciclo que incluye actividades formativas en torno al contrabajo, así como numerosos conciertos y conferencias. Además del concierto reseñado, el día 11 se podrá escuchar un recital de Diego Zecharies; el día 12 una conferencia de uno de los miembros de fonos21, Pablo Martín, que actuará también en el siguiente concierto junto al pianista de jazz Abe Rábade; finalmente, los días 12 y 13 estarán reservados para los conciertos de alumnos.

PROGRAMA

Heinrich Schneikart / 4 Stücke (1974)
Contrabajo y piano
Daniel D’Adamo / Coeli et terrae (1999)
Contrabajo y saxofón bajo
Luna Alcalay / Trio (1963)
Saxofón alto, contrabajo y percusión
Alex Buess / Metatron (2004)
Saxofón, piano, contrabajo y percusión

Información

Escola de Altos Estudos Musicais de Galicia
Finca Vista Alegre. Rúa Salvadas, s/n
15705 – Santiago de Compostela
Tel: 981 554 222
Fax: 981 571 170
E-mail: eaem@rfgalicia.org
Web: http://www.eaem.es

Referencias

• Web oficial de fonos21
• Programa completo en PDF del IX Festival Ludwig Streicher [enlace externo]

La actividad tiene como objetivo el desarrollo de la capacidad instrumental del alumno practicando en grupo todos los conocimientos adquiridos en su aprendizaje individual.Al iniciarle en la dinámica de tocar en grupo se potenciarán diversas facetas que esta actividad implica tales como la actitud del instrumentista en el grupo, el desarrollo de la capacidad de escuchar, comprender y sentir la armonía, adquirir los conocimientos fundamentales para desarrollar esta actividad en ámbitos tales como la orquesta, el grupo de cámara clásico o pop, la iniciación al cifrado moderno, o el respeto y compañerismo.

Se tomarán como punto de partida algunas piezas sencillas y representativas de las épocas renacentista y barroca, cuyos patrones armónicos han pervivido como modelo hasta nuestros días en la música popular estableciendo una relación con temas musicales de hoy. Se trabajará con los fundamentos elementales de variación-improvisación para que los alumnos puedan comprender cómo crear sus propias melodías a partir de esos patrones armónicos básicos. Las partituras a trabajar se entregarán con suficiente antelación al curso para que puedan ser debidamente preparadas.

Información

Maese Pedro – Enseñanza musical
Marqués de Cubas, 25
28014 Madrid
Tel: 914299707
Fax: 914203778
Email: maesepedro@maesepedro.com
Web: http://www.maesepedro.com

Presentamos a continuación una entrevista con Pablo Coello, saxofonista y uno de los iniciadores del proyecto fonos21, con el que charlamos acerca de la iniciativa y sobre otras cuestiones que rodean el panorama musical en la actualidad.

Al visitar la web de fonos21, lo primero que llama la atención es que se trata de un proyecto “multiensemble”, que no se limita a la mera exposición de las actividades de un grupo de músicos, sino que va más allá como propuesta. ¿Cómo definirías fonos21?

Desde el principio trabajamos con la idea de crear un espacio, una estructura, en la que tuvieran cabida diversidad de músicos (compositores, intérpretes clásicos, improvisadores…) y disciplinas artísticas diferentes. En el camino, hemos trabajado con artistas sonoros, artistas plásticos,  y colaborado con diferentes músicos hasta llegar a una formación base de la agrupación: saxofones, contrabajo, percusión, piano y electrónica, además del cuarteto de saxofones S@X21 como agrupación integrada en fonos21.

Como indicas, otra cuestión que salta a la vista es vuestra preocupación por lo multidisciplinar, especialmente en el terreno de las artes visuales. Un ejemplo de ello es el actual ciclo CGAC en el que estáis inmersos. ¿Qué visión tenéis sobre la actual tendencia a trabajar con diferentes disciplinas? ¿Pensáis que existe la posibilidad de hacer compatible el repertorio de concierto “tradicional” de música de los siglos XX y XXI con el tiempo actual, donde parece que la tendencia al mestizaje entre artes empieza a plantearse como casi una necesidad para salir a escena?

Es evidente que la interacción entre las diferentes artes es una fórmula muy enriquecedora, haciendo que la labor del intérprete tome una mayor relevancia al formar parte de un proyecto de mayor envergadura. Y más creativo supone el diseño de un programa acorde a  referencias artísticas concretas. Puede ser aplicable a cualquier estilo musical, pero en el caso de la música contemporánea tiene el añadido de servir de catalizador de nuevas creaciones musicales, como es el caso del ciclo desarrollado por fonos21 para el CGAC, con la realización de ocho encargos y cinco estrenos en España.

Si no estoy equivocado, fonos21 es un proyecto que comienza en 2005. En su punto de partida, ¿os planteásteis una definición concreta? ¿Creéis que es posible una definición específica para las iniciativas interpretativas del siglo XXI? Da la impresión de que, por ejemplo, al contrario de lo que ocurría en otros momentos históricos relativamente recientes, un cierto eclecticismo parece consustancial a cualquier propuesta actual… En nuestro tiempo, ¿consideras que pueden trazarse “rumbos” o simplemente el camino se va construyendo a través de una acción que quiere mostrar arte sin plantear fronteras?

Lo interesante es que no exista un camino cerrado, invariable; al contrario, es un proceso de crecimiento y enriquecimiento personal y artístico que va definiendo y consolidando una trayectoria, nutriéndose de muy variados estímulos. Valorando y apreciando siempre todas las propuestas musicales de nuestro entorno, desde fonos21 y S@X21 hay una apuesta decidida por un determinado tipo de repertorio en el que creemos firmemente, y que siempre va a suponer aportaciones a nuestra trayectoria artística y nuestro crecimiento musical y personal. Cada nuevo proyecto es siempre un paso adelante; pocas veces supone una repetición de procesos u objetivos ya alcanzados. Esta inquietud por la búsqueda permanente creo que es lo más claramente nos define.

En España parece que –desde hace ya unos años- vivimos un momento razonablemente  dulce en lo musical, sobre todo gracias a la proliferación de nuevas formaciones y un fuerte compromiso con la creación actual, que se produce en paralelo a una cierta efervescencia en el terreno compositivo. Este hecho coincide con una situación económica nada favorable, que ha reducido –en algunos casos hasta niveles casi testimoniales- el apoyo público a un arte que siempre estará necesitado de ayuda. Sin embargo, los conciertos se suceden sin que parezcan percibirse estas deficiencias infraestructurales en la proporción que podría suponer. ¿Cómo véis la situación al respecto? ¿Y el futuro más próximo?

Pienso que lo que caracteriza a agrupaciones como la nuestra, haciéndolo extensible a todos los que nos dedicamos a la música contemporánea, es la pasión con la que abordamos este trabajo y al gran componente creativo que supone realizar una actividad de este tipo. En el escalafón más importante desde el punto de vista creativo está el compositor, como no podría ser de otro modo, pero los intérpretes participamos muy directamente en el proceso creativo, y estamos muy habituados a realizar propuestas artísticas interesantes, atractivas para los programadores. Quizás por ello, en momentos de dificultad económica, se abren paso, o no lo sufren tanto, este tipo de iniciativas, sin renunciar por ello a las adecuadas condiciones para su realización. Pero no deja de ser una lucha continuada por buscar espacios para la interpretación, así que el futuro nunca está asegurado.

En el mismo sentido en el que iba la pregunta anterior, ¿cómo véis la incorporación de la música española al plano internacional, tando desde la interpretación como desde las propuestas de creación? ¿Podríamos hablar aquí de “momento dulce”?

Intérpretes y compositores españoles están a un primer nivel. Lo que creo que falta es una mayor profesionalización de las estructuras y creación de espacios estables donde la música contemporánea tenga cabida permanente, de manera continuada y con claras evidencias de prolongación en el tiempo. A veces, las propuestas artísticas no pueden ser de suficiente calado debido simplemente al carácter de provisionalidad, de inmediatez de los eventos, que hacen por ejemplo inviable una política adecuada de encargos a compositores.

Y en el entorno más cercano, ¿cómo véis la situación de la música en Galicia, en general y en particular la contemporánea? ¿Crees que hay comunidades autónomas más activas en la creación y difusión de la música actual?

En Galicia podríamos decir que hay una eclosión del panorama musical contemporáneo. Cada vez hay más músicos interesados en este tipo de repertorio, aunque el esfuerzo y compromiso que supone alcanzar grandes metas interpretativas no siempre está presente. Y en el terreno compositivo está mostrándose con fuerza una nueva generación de compositores en contacto con los grandes nombres actuales del panorama internacional. Es evidente que hay comunidades autónomas que nos llevan años de ventaja, pero creo que compartimos con todas ellas un momento de incorporación de nuevos compositores que traen aire fresco al panorama musical.

En la web de uno de vuestros ensembles, Vertixe Sonora, hemos visto una sección que nos ha parecido muy interesante y que formuláis como “Espacio didáctico”. En ella proponéis por ejemplo la descarga de una aplicación para experimentar con el ruido blanco. Sin duda, es una visión pedagógica desacostumbrada, que intenta introducir la electrónica en el terreno educativo. ¿Pensáis que habría que generalizar este tipo de propuestas en todo tipo de contextos? No parece que los conservatorios sean capaces de incorporarse rápidamente a estas necesidades de actualización de conocimientos…

Evitamos el  tratamiento habitual de las actividades didácticas musicales (típico concierto al uso) y buscamos fórmulas atractivas dirigidas especialmente al público joven (no necesariamente estudiante de conservatorio). Este es una primera experiencia, que tendrá su continuación paralelamente a la realización de nuevos proyectos musicales de Vertixe. Y no es casual que esta propuesta didáctica esté vinculada a la electrónica: es este un campo central de nuestros intereses presentes y futuros.

Para ir cerrando esta charla, ¿podéis hablarnos de vuestros próximos conciertos y proyectos? ¿Dónde podremos escuchar a fonos21 en breve?

Nuestra agenda actual está centrada en Galicia, donde participaremos en dos conciertos del ciclo ARTE Y MÚSICA: CORRESPONDENCIAS SONORAS del CGAC. El segundo concierto de este ciclo será  el próximo 28 de junio, con un programa que incluye composiciones para cuarteto de saxofones (S@X21) guitarra eléctrica y electrónica, incluyendo un estreno de Germán Alonso. Cerrando el ciclo (29 de noviembre), Ensemble Vertixe Sonora interpretará un programa en torno a la figura del pintor canadiense Jeff Wall, con obras creadas específicamente para este proyecto por los compositores Víctor Ibarra, Yoshiaki Onishi, Mauricio Pauly, Lula Romero y Ramón Souto.

Y en Julio, también en Santiago, Ensemble fonos21 estará presente en el Festival Ludwig Estreicher y Vertixe Sonora en el Via Stellae con tres estrenos, encargos de Vertixe: Füsun Köksal, Diana Rotaru y Ramón Souto.

Referencias

• Web oficial de fonos21
• Web oficial de Vertixe Sonora

En este encuentro el Maestro Thomas Martin dictará master classes  enfocadas en el repertorio para contrabajo, técnica del instrumento y conceptos fundamentales de luthería. Como cierre del festival, el Maestro ofrecerá un recital acompañado con piano. Los alumnos podrán elegir la calidad de su participación, sea como activo u oyente (en el caso de ser activo, será necesario aclarar obra a interpretar y afinación).

Gracias al auspicio de AADI la participación en el festival será gratuita para los interesados.

[Información proporcionada por el Sindicato Argentino de Músicos (SADEM)]

Información e inscripciones

Av. Belgrano 3655
Ciudad de Buenos Aires
Tels: 4957-4062 / 4956-0673
(De lunes a viernes, de 15 a 21 h.)
E-mail: instsadem@interlink.com.ar
Web: http://www.sadem.org.ar

Referencias

• Web oficial de Thomas Martin