Mixtur nace como un colectivo en la ciudad de Barcelona con el simple objetivo de contribuir en la creación, la pedagogía y la difusión de la música de nuestro tiempo. Centrando sus intereses tanto en la investigación como en la experiencia sonora en sí misma relacionada con otros campos.

En esta segunda edición del Festival Mixtur podremos contar con conciertos pedagógicos, en los que colaborarán el Taller de Músicos y la Escuela Superior de Música de Cataluña,  y otra serie de actividades programadas para difundir los proyectos de los jóvenes artistas del panorama actual. Podremos contar además con conciertos de grupos de procedencia nacional e internacional, estrenos absolutos de obras encargadas por la organización del festival, conferencias, espectáculos de danza, videocreaciones e instalaciones sonoras.

Una de las partes más destacables del festival es la programación de una Convocatoria abierta a nivel mundial, abierta hasta el pasado 15 de diciembre, con presentación de obras en varias categorías. La  primera es la de obras multidisciplinares en las que el fenómeno sonoro tenga un papel predominante, y se combine la música con cualquier otro campo de forma creativa. La segunda categoría es la de obras instrumentales en la que encontramos la modalidad 2A (obras instrumentales o mixtas interpretadas completamente o en parte por conjuntos formados por clarinete en Sib, piano, violín y violoncello o bien voz soprano, percusión, piano y violoncelo) y la modalidad 2B (encargo para una de las formaciones anteriores).  La tercera categoría es una convocatoria para intérpretes tanto solistas como ensembles. Por último, la cuarta categoría  es la de obras electroacústicas, para hasta ocho canales independientes para la difusión del audio.

Las obras seleccionadas se presentarán en el Festival Mixtur en los días 24, 25 y 26 de abril de 2014 que se realizará en Fabra i Coats, Fàbrica de Creació en Barcelona.

Información

Fabra Coats
Fàbrica de Creació de Barcelona
C/ de Sant Adrià, 20
08030 Barcelona
Tel: 932 566 150
E-Mail: convocatories@mixturbcn.com
Web: http://mixturbcn.com/

Referencias

• Web del Colec·tiu Mixtur
• Página en Facebook

Por tanto, el olvido es necesario para no ponerse lírico y alabar el esfuerzo sin mirada crítica. Pues Títeres Etcétera, la compañía granadina responsable de este espectáculo, ya han demostrado con creces varias cosas. A saber, su buen oído musical y su conocimiento del medio teatral, tanto de pequeño como de gran formato. Cualidades que hace que cualquier teatro en España los quiera programar y más los teatros o festivales musicales, deseosos de que los niños se acerquen a ellos. Y en vez de fast food, ofrecerles platos gourmet o food for though, pues esas pequeñas cabecitas, y las grandes que las acompañan, también piensan. Así que no es de extrañar que Rita Consentino, la responsable del programa pedagógico del Teatro Real, embarcara al teatro en esta producción. Y que la compañía le propusiese esta obra de uno de los compositores ya olvidados, pero que los estudiosos siguen teniendo en consideración por el trabajo que realizó con los ritmos e intereses musicales de finales del XIX y primera mitad del XX. Tiempos en los que se desarrolló una gran parte del repertorio actual que se escucha en los teatros de ópera.

Empecemos, pues, con el cuento de este pequeño sastre que pasó de matar a siete moscas a luchar con un jabalí, dos gigantes y un unicornio que amenazaban el reino. Un cuento que nos cuentan dos actrices que hacen de sastras del teatro y una pequeña orquesta surgida del taller, en el que los operarios y aprendices saben tocar un instrumento. Incluso alguno es capaz de dirigir una orquesta con una aguja de hacer punto, encarnado por el director orquesta Tim Anderson. Y a partir de ahí, la desbordante imaginación de Etcétera, construye un sastrecillo, un rey, una reina, una princesa, un jabalí, dos gigantes (uno de los mejores hallazgos escénicos de la obra), un unicornio y todo un pueblo sobre la mesa en la que se cosen, se arreglan y se planchan los trajes que se usan en el teatro. Delante del público. Como si fuera sencillo, fácil, imaginar lo que nos están mostrando cómo lo están mostrando. De tal manera que, si no fuera porque alguna vez que otra la pequeña y estupenda orquesta (en la que suena bien hasta la percusión, punto flaco habitual de la formación titular de este teatro) opaca la voz microfonada de las actrices que cuentan el cuento, dos sastras interpretadas por Noche Diéguez y Yanisbel Victoria Martínez, el espectáculo musical, que no se olvide, sería técnicamente perfecto.

Tal vez se eche de menos una pizca más del corazón y del alma que Etcétera suele poner habitualmente en sus espectáculos y que seguramente irá adquiriendo a medida forme parte de su repertorio. Algo que no notan los pequeños espectadores que junto a sus padres han llegado pertrechados de ropa de abrigo esta fría mañana de estreno y salen con las pilas puestas, deseando seguir disfrutando con todo el attrezzo de otras producciones que el teatro ha sacado a la venta y expone en el lobby, los pasillos y las escaleras. Una vitalidad recibida por el personal de sala con sonrisas y caras llenas de contento de haber abierto las puertas y haber casi llenado la sala grande del teatro. Pues ven como los mayores van dando el testigo y los pequeños empiezan a tomarlo con normalidad. Igualando el ir a la ópera a jugar en el patio, a darle patadas a un balón o vestir princesas, jugar en la tablet y hasta, tan normal y cotidiano, como hacer los deberes, comer, dormir y soñar. Niños y niñas convertidos en pequeños sastrecillos y sastrecillas valientes que han descubierto, gracias a esta obra musical, que el ser pequeños no les hace menos fuertes, ya que la fuerza reside en la inteligencia y en la sensibilidad. Y esa es la fuerza de este montaje y de la pequeña gran compañía de Enrique Lanz que lo sube a escena.

Referencias

• Web de El sastrecillo saliente – Teatro Real (en español e inglés)
• Guía pedagógica para la obra El sastrecillo valiente del Teatro Real (en español)
• Reportaje de TVE sobre El sastrecillo valiente en el Teatro Real (en español)
• Web de la compañía Títeres Etcétera (en español e inglés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (1ª parte) (en holandés)
• El sastrecillo valiente en YouTube (2ª parte) (en holandés)

Los números del festival nos hablan del esfuerzo de imaginación de los organizadores (la Asociación Madrileña de Compositores, AMCC) para llevar a cabo un ciclo con limitados recursos financieros: 21 estrenos absolutos, 18 conciertos, con otros tantos intérpretes –entre grupos y solistas-, y más de 80 autores programados.

En esta edición, como es costumbre en el festival, se llevarán a cabo una serie de homenajes: el primero a Antón García-Abril el 22 de septiembre a las 12 h. en los Teatros del Canal, a cargo del Coro de Niños de la CAM dirigidos por Borja Quintas y con Sebastián Mariné al piano. El segundo será un homenaje doble, por una parte, a Jesús Legido, por otra, al desaparecido en 2008 Gabriel Fernández Álvez. Este concierto tendrá lugar en la Sala Manuel de Falla, el 21 de noviembre a las 19,30 h., y participarán el Nuevo Ensemble de Segovia, además de Manuel Guillén (violín), Sebastián Mariné (piano), Manuel Miján (saxofón) y Justo Sanz (clarinete).

Los intérpretes: apertura con el Ensemble Kuraia

La apertura del COMA’13 tendrá lugar el próximo domingo 15 de septiembre a las 12 h. en la Sala Verde de los Teatros del Canal, con la presencia del bilbaíno Ensemble Kuraia. Dirigido por su titular Andrea Cazzaniga, y formado en esta ocasión por los músicos Xabier Calzada (flauta), Sergio Barranco (clarinete), María Berta Fresco (piano), Luis Ibiricu (violín), Belén Fernández (violoncello), el Kuraia interpretará cuatro estrenos absolutos: Cymatic Engine de Eduardo Lorenzo, Boceto n.2 de José Susi, Romanza y Skrat de Constancio Hernáez, Momento II de Bernardino Cerrato y Quinteto n.9 de Javier Jacinto. El concierto se completará con Metaphors of metals de Sergio Blardony y un estreno en España, Tara de Edith Alonso.

Sobre la selección de intérpretes que visitarán el festival puede decirse que el COMA pone énfasis en diseñar una programación que compatibiliza la presencia de músicos plenamente consagrados con los más jóvenes. Es en este último caso donde se pone de relieve el interés del festival por los conciertos pedagógicos, que en esta ocasión serán dos: ECHOES 1.61 Ensemble (violín, clarinete, violonchelo, guitarra eléctrica, batería y electroacústica), el día 31 de octubre a las 19 h. en el Auditorio Manuel de Falla del RCSMM; y el de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Moreno Torroba, con Javier Jacinto como director.

A lo largo del ciclo podrán escucharse, además de los ya citados, al Ensemble Complutum XXI; al Atlantis Piano Dúo –piano a cuatro manos, formado por Sophia Hase y Eduardo Ponce-, al Nuevo Ensemble de Segovia –dirigido por Flores Chaviano y con el guitarrista José Antonio García Fuertes como solista-, a la pianista Borislava Taneva, al guitarrista Anthony Oacaña, al Coro Nur, al Grupo de Música Contemporánea del RCSMM, al organista Daniel Martín, al dúo formado por José Antonio García Fuertes (guitarra) y Lorena Barile (flauta), al Cuarteto Cibeles, al dúo compuesto por Juan Pedro Luna (saxofón) y Juan Escalera Peña (piano), al pianista Jeffrey Jacob y a la Orquesta Sinfónica de la UAM.

Como conclusión podemos decir que Madrid tiene una propuesta plenamente consolidada en el COMA’13 que, junto al Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos (del que hablaremos próximamente), se erigen por derecho propio como los dos eventos de mayor calado dedicados a la música contemporánea que se producen en la comunidad madrileña.

El próximo 10 de septiembre, a las 12,30 h., tendrá lugar la presentación oficial del  XV Festival de Música Contemporánea de Madrid, COMA’13 en la Sala Manuel de Falla de SGAE.

Información

COMA’13
XV Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid
AMCC
C/ Abdón Terradas, 4
28015 Madrid
Tel: +34 91 121 44 30 / ext. 4522
E-mail: gestion@amcc.es
Web: http://amcc.es

Referencias

• Programa del COMA’13
• Programa completo en PDF [enlace externo]
• Web del Ensemble Kuraia
• Información sobre el COMA’13 en los Teatros del Canal

La labor llevada a cabo desde la AMCC para la divulgación de la música contemporánea es una exitosa iniciativa que acoge a intérpretes no profesionales para las formaciones instrumentales. Una muestra sólida de apoyo a la interpretación de la composición nacional por las jóvenes generaciones para incentivar el interés hacia el panorama artístico contemporáneo desde un festival vivo y de largo trayecto que ha sabido adaptarse y mantenerse.

La interpretación a cargo de los alumnos del Conservatorio Profesional de Música Amaniel agrupados en, dos orquestas de cuerda –una de enseñanzas elementales y otra de enseñanzas profesionales, ambas dirigidas por David Santacecilia-, una banda sinfónica –dirigida por José Dávila-, y una orquesta sinfónica –dirigida por Javier Lechago-, incluye en el repertorio programado para el concierto un estreno absoluto, la obra para banda de F. J. González Tausz (1964), Primera fanfarria con tres variaciones Op. 19.

Este primer concierto pedagógico de COMA’12 tendrá lugar en el auditorio del Conservatorio Profesional de Música de Getafe (Madrid), el próximo lunes 13 de mayo de 2013, a las 19 h.

PROGRAMA

Marisa Manchado (1956) / Dos piezas para joven orquesta de cuerda
Alejandro Moreno (1962) / Suite para Alicia
F. J. González Tausz (1964) / Primera fanfarria con tres variaciones op. 19 *
Eduardo Costa (1968) / Tiempo de huida
Arturo Márquez (1960) / Danzón nº2

* Estreno absoluto
** Estreno en España

Información

COMA’12 – Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid
AMCC – Asociación Madrileña de Compositores
C/ Abdón Terradas 4
28015 – Madrid
Tel: 911 214 430 (ext. 4522)
E-mail: gestion@amcc.es
Web: www.amcc.es

Referencias

• Programación del concierto en Web del AMCC
• Programa general del COMA’12 en PDF [enlace externo]
• Entrada sobre el festival en Sul Ponticello

El festival se inaugura el viernes 19 de octubre, a las 20 h. en la Casa de Cultura de Rafelbunyol, con una exposición dedicada a la guitarra, en donde se podrán ver obras pictóricas de artistas como Luis Abad, Anna Bogdanova, Juan Grecos, Esther Hinojosa, Mila Ramón, Luis Roig, Mª Luisa Romero, Concha Vicent o Rosa Vicent, que estarán expuestas hasta el 21 de octubre. La inauguración contará con la actuación del dúo de voz y guitarra formado por Gonzalo Manglano Flores (tenor) y Carlos Martínez Domingo (guitarra).

Esta será una edición especial ya que el festival cumple su décimo aniversario, una trayectoria iniciada en 2003 que ha apostado desde su comienzo por ofrecer a la ciudad de Valencia una visión panorámica y completa de la guitarra actual.

Entrevistamos al guitarrista José Luis Ruiz del Puerto, alma y director artístico del festival desde su puesta en marcha hace diez ediciones.

Un festival que cumple diez años es ya un motivo más que suficiente para felicitar a sus organizadores. ¿Cómo se “resiste” tanto tiempo en un país no precisamente dado a potenciar la música no comercial?

“Sentimiento, ilusión, imaginación, esfuerzo, paciencia, trabajo, colaboración… han sido algunos de los ingredientes necesarios e imprescindibles que nos han ayudado a caminar ‘entre las cuerdas’ a través de esta década.” Este es uno de los párrafos que figura en la presentación del programa de actividades del festival y creo que responde muy bien a la pregunta. Una amalgama de todos estos ingredientes unido a una profunda creencia en lo que planteamos en cada edición creo que ha sido lo que nos ha permitido haber mantenido este proyecto durante estos diez años.
La guitarra es el instrumento más popular que tenemos en nuestro país y en gran medida responde y es a su vez reflejo de determinados clichés musicales muy propios de nuestra cultura. Esto juega a nuestro favor ya que el público responde ante una programación de conciertos, conferencias, etc. de un instrumento que les resulta cercano. Nuestro objetivo ha sido siempre “sorprender” a ese público mostrando la guitarra desde ópticas, repertorios, actividades… diferentes, novedosas, que destacaran o dieran a conocer otros aspectos más profundos de su universo sonoro.

 A diferencia de anteriores ediciones en que todo el festival se celebraba en la ciudad de Valencia, en esta ocasión las Jornadas Internacionales se expanden a diferentes localidades de la provincia. ¿Qué intención tiene esta apertura geográfica?

El festival cumple una década, es mucho y realmente gratificante saber que hemos estado apostando fuerte por la guitarra y hemos llegado a esta meta temporal. Había que celebrarlo de algún modo, poner la maquinaría de ideas a prueba y lanzar nuevas propuestas. Como se dice popularmente: “o creces a lo ancho o a lo largo”. Crecer a lo ancho era difícil porque el festival en Valencia tiene también sus limitaciones y ampliarlo podía ser complicado y quizás no tan interesante como abrirlo hacia fuera. Por ello hemos apostado por crecer a lo largo, es decir, ampliar geográficamente este proyecto y que un mayor número de poblaciones, de público, pudieran disfrutar de la programación.
Uno de nuestros fines es precisamente acercar la guitarra a un amplio y variado público y crear a su vez nuevos públicos, por lo tanto, la idea de “viajar” con la guitarra a través de varios pueblos de la provincia nos parecía muy acorde con ese ideario. Estamos muy satisfechos con la acogida que ha tenido el proyecto y sentimos mucho que algunas poblaciones, a pesar de querer sumarse a la iniciativa, no han podido hacerlo por la actual situación económica que sufrimos todos.

La coincidencia del XXV aniversario de la muerte de Andrés Segovia con la década que cumplen las Jornadas Internacionales habrá sido un aliciente interesante. ¿Qué habéis preparado en este sentido?

Sí, realmente lo es. Andrés Segovia fue un artista único. Polémico para muchos, todos los personajes que abren nuevas fronteras lo son y él no podía quedar al margen de esta característica de quien roza la genialidad en muchos aspectos. Sin embargo, pensamientos y opiniones encontradas confluyen en un epicentro común indiscutible: ha sido el guitarrista más importante y más influyente del siglo XX. La historia de la guitarra pasó por sus manos y él consiguió dirigir sus destinos estéticos e incluso de desarrollo instrumental. La coincidencia que tuvo a lo largo de su vida con avances técnicos tan importantes como la aparición y desarrollo de nuevos y más potentes medios de comunicación o el mundo del disco, le ayudaron mucho a dar a conocer sus interpretaciones. Los que tuvieron la suerte de escucharle en directo, todos comentan que su “voz” instrumental poseía una fuerza y un poderío musical arrollador.
En las Jornadas  de este año hemos preparado actividades muy directamente relacionadas con su figura: varios conciertos estarán dedicados a él y en ellos se interpretarán obras del llamado “repertorio segoviano”; hemos programado una interesantísima conferencia de Julio Gimeno (Medalla de Honor de la Fundación André Segovia de Linares) que nos hablará sobre los primeros años de un Segovia obsesionado por conquistar el mundo con su guitarra; la temática de la exposición pictórica que anualmente organizamos tiene al Maestro Segovia como inspirador principal de las obras que se presentarán; también el recital de poesía para jóvenes le recordará en los expresivos y frescos poemas con que todos los años nos alegran los participantes de esta actividad…en suma y en definitiva, se hablará de guitarra, se escuchará la guitarra, se disfrutará de este instrumento que tanto se desarrolló y amplió sus fronteras gracias a su trabajo artístico.

El festival siempre ha traído a intérpretes nacionales e internacionales muy reconocidos, prácticamente todos guitarristas de primera fila, ¿a quién podremos escuchar en esta ocasión?

El “cartel” de artistas que nos visitarán será muy amplio, variado y de una gran calidad. Tendremos la ocasión de escuchar a grandes intérpretes, algunos premiados en concursos tan prestigiosos como el Concurso Internacional de Guitarra Alhambra, y no faltarán los jóvenes talentos que cada año presentamos en el festival para incentivar sus prometedoras carreras artísticas.
Por una parte me sabría mal destacar a unos y a otros no, y también llenar esta entrevista de nombres, por lo que aconsejo visitar la web del festival (www.jornadasdeguitarra.com) donde el interesado podrá informarse puntual y ampliamente de todas las actividades y artistas invitados.

Vemos en la programación también a intérpretes de otros instrumentos, como el saxofonista e improvisador Josep Lluís Galiana. ¿Hay una apertura hacia nuevas propuestas en esta edición?

Siempre intentamos ofrecer propuestas novedosas. Hemos programado estrenos de obras, conciertos camerísticos con danza, masterclass muy especializadas o propuestas de difusión de la guitarra dirigidas a los escolares como el espectáculo Mi amiga la guitarra que planteamos en esta edición. “Vivir” el mundo que nos rodea y presentarlo en el marco de un festival “vivo” como el que pretendemos organizar cada año es todo uno; por lo tanto, propuestas como la que comentas son más que bien recibidas y cumplen también con uno de nuestros principales objetivos: crear nuevos públicos y lanzar nuevos retos y metas a la guitarra.

La música contemporánea siempre ha estado presente, de un modo u otro, en el festival. Este año vemos también algunos vínculos con espacios más abiertos del arte, por ejemplo la presencia del artista sonoro Ferrer-Molina. ¿Cómo consideráis estos “mestizajes” en un entorno tan especializado y en ocasiones tendente a lo tradicional como es el de la guitarra?

Como comentaba antes, las Jornadas Internacionales de Guitarra son un proyecto vivo, en continuo cambio y evolución que quiere ser reflejo y referente de la guitarra actual. La riqueza de la guitarra es que es un instrumento que sabe “sumar” y por ello tiene públicos y estilos tan variados. Es su singularidad. Lo más popular o lo más conceptual se pueden dar la mano en un Festival de estas características ¿Por qué no? Nos parece lógico, atractivo y necesario. Si además contamos con artistas de la talla de Josep LLuís Galiana o Ferrer-Molina, expertos en sus campos interpretativos y sonoros, el éxito de la propuesta está garantizado.

Además de los conciertos, la programación incluye otras actividades complementarias…

Sí, hay una variada programación que incluye propuestas como la Exposición Artística que comentaba anteriormente, ampliada también este año a la disciplina de la fotografía. También seguimos proponiendo una Exposición de guitarras y guitarreros para poder escucharles a ellos y disfrutar de sus excelentes guitarras o una Muestra de materiales que incluye ediciones, discos, cuerdas… lanzamos por primera vez, y creemos que estrenamos la idea a nivel internacional, una actividad que consiste en una Cata de Cuerdas. La  fábrica de cuerdas Royal Classics nos dejará probar sus modelos “a ciegas” y podremos poner a prueba nuestro “olfato” guitarrístico para decidir qué combinación es la mejor.
Los jóvenes seguirán estando presentes en el Recital de poesía y guitarra, la Tribuna de Jóvenes Guitarristas Rosa Gil o el espectáculo Mi amiga la guitarra que comentaba anteriormente. La entrega de los Premios Trujamán de la Guitarra es otra singular iniciativa que ayudará a cerrar brillantemente este Festival Xº Aniversario.

Valencia tiene una actividad muy viva en algunos contextos, como el arte sonoro y la electroacústica, con la presencia de muchos músicos y artistas. ¿Cómo se observa la guitarra desde esta ciudad? ¿Podemos establecer diferencias en este terreno, respecto a otros lugares? En este sentido, ¿qué de específico tienen las Jornadas Internacionales de Guitarra?

Valencia, y lo que con su nombre abarcamos geográficamente, tiene un peso específico muy importante para la guitarra. Nombres de guitarristas o compositores tan fundamentales para nuestro instrumento como Francisco Tárrega, Joaquín Rodrigo, Vicente Asencio… han nacido en esta tierra. Algunos de los mejores maestros de guitarra del siglo XX como José Tomás o José Luis González también nacieron y vivieron aquí. Hay muchos y muy buenos guitarreros, festivales, concursos… la asociación de guitarristas más antigua de Europa se encuentra en Valencia…
Realmente no sé muy bien por qué ha ocurrido y ocurre aquí toda esta suerte de coincidencias alrededor de la guitarra pero lo cierto es que son una realidad que se refleja y advierte cada día en la cultura de este pueblo. Las Jornadas precisamente son un ejemplo más de este sentir y por ello intentamos cuidar muchísimo todo lo que programamos.

Para terminar, una pregunta siempre difícil pero obligada en estos tiempos de incertidumbres: ¿qué perspectivas hay para la XI edición de las Jornadas?

Para responder a esta pregunta me resulta cómoda y adecuada la frase: “estamos en la cuerda floja”. La ilusión, las ganas de la Comisión Organizadora de las Jornadas son enormes pero entendemos que la situación no es la más idónea y la sufrimos. Sin querer ser tremendista, es una situación triste y desoladora. En nuestro ánimo está el seguir trabajando duro y todo lo que sea necesario por ofrecer a la ciudad un festival de guitarra de gran calidad. La ciudad debe decidir si quiere seguir apoyando este proyecto. Contamos con un grupo de colaboradores económicos maravilloso y entusiasta a los que no puedo ni debo “recortar” palabras de agradecimiento. Este año más que nunca han sido valientes, atrevidos y quizás algo “locos”, pero gracias a su ánimo, su”locura”, su apoyo, hemos podido crecer “a lo largo” en una edición que merecía, a pesar de la crisis, realizarse con los mismos criterios de calidad que los años anteriores.
La sociedad necesita ahora más que nunca proyectos como estos que canalicen sus emociones, pasiones y aficiones. Por eso espero que la corriente no nos arrastre y podamos seguir “aventurando”, diseñando nuevas ediciones y que el público siga acogiéndolas con tanto interés y entusiasmo como han hecho hasta ahora.

Información

Jornadas Intrenacionales de Guitarra de Valencia (JIGV)
Asociación Cultural Trujamán
Apdo. de correos 5058
46009 Valencia
E-mail: artetrujaman@yahoo.es
Web: http://www.jornadasdeguitarra.com

Se trata de una actividad en la que se fusiona la disciplina musical -en este caso, la lírica- con la narración oral escénica. A través del cuento del mismo título del espectáculo se hace un recorrido por la historia de la música, sirviendo la lírica como eje para transitar por el barroco, el clasicismo, el romanticismo, la zarzuela o la comedia musical.

El espectáculo está concebido con una clara finalidad pedagógica, y pretende acercar de forma lúdica el género al público escolar de primaria. Asimismo, la propuesta tiene como objetivo la formación de nuevos públicos, proporcionando una preparación en edades tempranas que sirva para abordar en el futuro el espectáculo lírico, sea éste la ópera, la zarzuela o el musical.

Con la actividad se entrega una guía didáctica que servirá para la realización de talleres preparatorios, en los que se trabajarán aspectos relacionados tanto con la música como con la narración oral.

Información

Centre Cultural “El Molí”
Calle del Molí 30
46910 Benetússe
Valencia
Tel: 96 375 22 38 / 96 375 20 21
Fax: 96 318 50 29
E-mail: entradasmoli@benetusser.net
Web: http://www.benetusser.net/moli.php?idm=esp

Isabel Villagar
E-mail: info@isabelvillagar.com
Web: http://www.isabelvillagar.com

El Concierto en Familia, especialmente diseñado para el público infantil y familiar, tendrá lugar como viene siendo habitual en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza el sábado 12 de marzo a las 19 h. Tres días antes, el 9, 10 y 11, miles de escolares han pasado por esa misma sala para disfrutar de las seis sesiones de los Conciertos Pedagógicos. La guía y los materiales pedagógicos pueden consultarse en el blog OCAZPedagógicos, un espacio también creado por la OCAZEnigma como punto de encuentro entre los profesionales de la educación y la propia orquesta.

Información

Auditorio de Zaragoza
C/ Eduardo Ibarra, 3
50009 Zaragoza
Tel: 976 721 300
Fax: 976 350 514
E-mail: informacion@auditoriozaragoza.com
Web: http://www.auditoriozaragoza.com

Referencias

• Blog OCAZPedagógicos
• Web oficial de la OCAZEnigma
• Biografía de Francis Poulenc en la Wikipedia

COSMOS 21 es uno de los ensembles especializados en música contemporánea con más solera de nuestro país. Formado en 1988, posee una con amplia trayectoria y es dedicatorio de obras de varias generaciones de compositores. Actualmente está formado por Pilar Montejano (saxo alto y tenor), David Arenas (clarinete soprano y bajo), Emilio Sánchez (violín), Álvaro Quintanilla (violonchelo), Cheng-I Chen Liu (piano), Luisa Muñoz (percusión) y Carlos Galán  (piano y dirección).

Reproducimos a continuación las obras que podrán escucharse, así como las notas al programa escritas por Carlos Galán.

PROGRAMA

1ª parte

CAMILE SAINT-SAENS / El carnaval de los animales
(Transcripción de Javier Torres)
1. Introducción y marcha real del león
2. Gallinas y gallos
3. Hemiones
4. Tortugas
5. El Elefante
6. Canguro
7. Acuario
8. Personajes de largas orejas
9. El cuco del fondo del bosque
10. Voliére
11. Pianistas
12. Fósiles
13. El cisne
14. Final
TOM JOHNSON / Las vacas de Narayana (cuento)

2ª parte

CARLOS GALÁN / Preludio al Concerto grosso (Divertimento)
FEDERICO MOMPOU / V. RUIZ / Música callada (Cuaderno I, Nos. I-IV)
FEDERICO MOMPOU / R. ALÍS / Música callada (Cuaderno I, Nos. V-IX)
CARLOS RODRÍGUEZ / Cosmozart

NOTAS AL PROGRAMA

Este programa tiene una clara vocación familiar por contenidos e intenciones. Las cinco obras que se van a escuchar son un claro ejemplo de que la música no tiene fronteras y de que, con independencia de las épocas y estilos, cuando tiene energía, sensibilidad, una buena arquitectura interior y una cuidada elaboración sonora, es capaz de llegar a todo tipo de público, sean infantil o adulto, se trate de melómanos o de neófitos. El común denominador de todas las partituras es el haber sido creadas para el grupo que hoy las pone en los atriles o, al menos, tratarse de nuevas versiones instrumentales. Es el caso de la primera, una celebérrima obra escrita para dos pianos solistas y orquesta que, con un lenguaje postromántico que por momentos intuye el impresionismo, se adentra en el ámbito humorístico al recrear una auténtica barca de Noé sonora, en la que el compositor no duda en incluir a los “animales” estudiantes de piano. Las parodias, onomatopeyas y un ritmo trepidante se suceden hasta su mismo final, como bien refleja la excelente trascripción que nos realizara el director de orquesta y buen amigo J. Torres.
Las vacas de Narayana es un cuento que exige la presencia de un narrador, que nos invita a un curioso juego de cálculo. El humor está igualmente presente en una partitura de naturaleza repetitiva que se basa en una progresiva y simple acumulación.
El Preludio al Concerto Grosso es la cadenza del concerto para el quinteto solista y orquesta que escribí para su estreno con la ORCAM en el Auditorio Nacional de Madrid. Es un descomunal y breve collage con 75 citas del lenguaje clásico más virtuosístico que se encadenan transitando por todos los tonos. La entrada de los músicos desde cada esquina, su ubicación inicial en el concierto orquestal (en lugar de en el final) o la continua sucesión de citas a un ritmo vertiginoso, propone un espectacular discurso lleno de incesantes sorpresas que invitan a la sonrisa en todo momento.
La Música callada es una de las obras emblemáticas de F. Mompou y es el contrapunto “serio” de este concierto. Su sensibilidad, delicadeza y belleza quedan en evidencia en cada número. La viuda del compositor catalán, tan exigente con preservar su legado musical, accedió a que nos la instrumentaran dos buenos amigos y geniales orquestadores, V. Ruiz y R. Alís, con la confianza que le dio el grupo y tan insignes músicos. Otro collage nos sirve de cierre. En esta ocasión a cargo de un joven músico que nos propone un divertimento lleno de la frescura, espontaneidad, rigor estructural y facilidad melódica como la que imprimía el genio salzburgués a toda su obra. Con ella, con su título, homenajea a Mozart y al Cosmos 21. (Carlos Galán)

Información

XI Ciclo Clásica en Domingo
Conciertos en familia
Auditorio de Tres Cantos
Plaza del Ayuntamiento, 2
Tres Cantos (Madrid)
Tel: 91 293 81 25
E-mail: rmcalle@telefonica.net
Web: http://www.trescantos.es

Referencias

• Web oficial de COSMOS 21

Como se indica desde la propia organización del ciclo, la programación que propone esta nueva cita “invita a la reflexión y al pensamiento, a través de un arte musical que se degusta.” En efecto, la propuesta es atractiva. Centrada en dos figuras esenciales del siglo XX, el compositor inglés Brian Ferneyhough (Coventry, 1943) y el filósofo Walter Benjamin -de cuya muerte en Portbou se conmemora este 2010 su 70 aniversario-, el festival quiere hacer un recorrido inteligente por los dos personajes, combinando música, conferencias, cine o talleres para niños. De Brian Ferneyhough habrá una muestra de su obra de cámara en cada uno de los conciertos del ciclo, que convivirán con creaciones de otros compositores ya consagrados o emergentes, todo ello -como indica la nota de prensa del festival-, ”con la idea de establecer archipiélagos creativos en torno a la figura del compositor británico.”

Desde su inicio el Festival Internacional SMASH de Música Contemporánea ha mantenido este espíritu que llama a la reflexión sobre el arte, algo siempre necesario, y muy conveniente en los tiempos de indefinición que corren. Y el ciclo de conferencias sobre Walter Benjamin viene a cubrir este espacio de pensamiento, un personaje esencial que, además, ha inspirado e influido directamente en la música de Brian Ferneyhough, el otro protagonista del festival. Antonio Notario nos hablará del pensador alemán el día 16 a las 19 h., en su conferencia “Paisajes sonoros en la obra de Walter Benjamin”; el día 17 a la misma hora, Pilar Carrera nos propone “El reino de la copia y la ‘doctrina de la similaridad’: Tentativas sobre Benjamin”; al día siguiente será Fernando R. de la Flor quien prosiga la reflexión sobre Benjamin, con la ponencia titulada “Presencia de una ausencia. Figuras de la alegoría en espacio de las artes. (Bajo el signo de Walter Benjamin)”; el homenaje se cerrará el domingo 19 a las 19 h. con la proyección del filme Quién mató a Walter Benjamin… del cineasta David Mauas, contando con la presencia del director.

En el plano educativo, como en otras ediciones, el festival ha preparado un concierto para niños de entre 6 y 12 -que ofrecerá el propio SMASH Ensemble el domingo 19 a las 12 h.- donde los pequeños podrán interactuar con los miembros del grupo para crear una obra musical tomando el dibujo como punto de partida.

En el plano estrictamente musical, los dos grupos invitados a esta edición serán TDM_Trío de Magia de Valencia, L’instant donné de París, que compartirán el ciclo con la formación residente y impulsora del festival, SMASH Ensemble de Salamanca, que además se encargará de interpretar los dos estrenos mundiales programados, de las compositoras Aki Ito (Japón) y Teresa Carrasco (España). Además de la muestra camerística de Ferneyhough -en la que podremos escuchar obras, entre otras, Bone Alphabet (1991), Kurze schatten II (1983/89), Four miniatures (1965), Coloratura (1966) o In nomine a tre (2001)-, el plantel de autores y obras es muy atractivo. En el plano nacional, encontraremos obras de compositores como José Manuel López López, Jesús Torres, José Luis Torá, Alberto Posadas, Joan Riera Robusté, Alberto Hortigüela, Elena Mendoza o Francisco Guerrero, además del estreno absoluto de KfWB, obra de Antonio Notario que se interpretará después de su conferencia, de la que hemos dado información algunos párrafos más arriba. Y en el internacional, destaca la presencia de obras de Beat Furrer o Franco Donatoni.

El festival cuenta con el apoyo, como patrocinadores, del Instituto Nacional para las Artes Escénicas y de la Música, y de la AIE. La sede del ciclo es en esta ocasión, como hemos comentado antes, el DA2, un centro de arte contemporáneo que ya ha demostrado su interés por la visión multidisciplinar del fenómeno artístico, combinando la oferta estrictamente expositiva con proyectos paralelos de música y artes escénicas.

En definitiva, una rica y variada oferta cuya pretensión de acercar la música contemporánea a los diferentes públicos interesados demuestra que se puede lograr una programación muy atractiva sin renunciar a un planteamiento en el que prime la reflexión sobre el arte. Y, sobre todo, que establezca una dirección en el programa, un criterio inteligente sobre el que el espectador pueda construir su crítica.

Información

SMASH Ensemble
Tel: 644 23 69 11
E-mail: info@smashensemble.com
Web: http://www.smashensemble.com

Centro de Arte DA2 (Domus Artium)
Avenida de la Aldehuela s/n
37003 Salamanca
Tel: +34923184916
Fax: +34923183235
E-mail: da2@ciudaddecultura.org
Web: http://www.salamancaciudaddecultura.org/da2/

Referencias

• Programación del Festival
• Biografía de Brian Ferneyhough en la Wikipedia
• Biografía de Walter Benjamin en la Wikipedia

Las propuestas del festival incluyen, además de los conciertos, una serie de talleres didácticos para niños dirigidos por John Barber, Elena, Francisco Javier y Maite Jáuregui y Mara Miribung, en colaboración con la Ludoteca de Eugi y la Ludoteca Gargarintxo. Estas actividades tienen como principal objetivo la difusión de la música en el entorno en el que se celebra el festival, incluyendo los llamados “conciertos sociales”, en los que algunos de los músicos se desplazarán a hospitales o residencias de ancianos, o se pondrán los medios de transporte para que las personas con problemas de movilidad puedan asistir a los recitales.

Además, el ciclo tiene programadas cuatro estrenos absolutos, repartidos en los conciertos de Eugi y Francia, de los compositores John Barber, Daniel Bjarnason y Agustín Castilla-Ávila.

Información

Festival Internacional de Música de Navarra 2010 (FIMNa)
E-mail: info@fimna.org
Web: http://www.fimna.org