Esta asociación sin ánimo de lucro lleva más de una década trabajando para crear un espacio  propio donde los clarinetistas puedan intercambiar ideas y proyectos, así como vivir diferentes experiencias musicales en torno a este instrumento. Entre sus grandes perspec- tivas de trabajo destaca el afán por hacer que tanto alumnos, aficionados, investigadores, docentes, productores musicales y firmas comerciales se encuentren en un mismo espacio y poder crear iniciativas e inquietudes comunes que giren en torno al clarinete. El trabajo de ADEC se cristaliza y da origen a la creación de congresos, la publicación de la revista de ADEC y la promoción de cursos y actividades para jóvenes clarinetistas.

Cada dos años desde 2003 se celebra un congreso de clarinete realizado en España. Posiblemente estemos hablando de uno de los pocos congresos de programación fija, sino el único, dedicado en exclusiva al clarinete como instrumento principal en todo el panorama nacional y con una posible repercusión a nivel internacional.

El VI Congreso Nacional de Clarinete se centrará en tres grandes bloques principales. Por un lado contaremos con conciertos de solistas nacionales e internacionales, además de la interacción musical activa de participantes inscritos en el evento. El segundo de los bloques será una serie de conferencias especializadas y mesas redondas abiertas al debate y por último la exposición de instrumentes, partituras y demás accesorios novedosos para clarinete que podemos encontrar hoy día en el mercado.

El congreso se realizará en la Escuela Municipal de Música de Pozuelo de Alarcón, en la Comunidad de Madrid. Para asistir al evento existen dos modalidades. Por un lado los participantes activos en los congresos y demás actividades y por otro los oyentes, que pueden asistir a todas las actividades del Congreso sin intervenir, o interviniendo en el ensemble si así lo quisieran, indicándolo previamente en la inscripción. La cuota de los participantes activos es de 60 EUR mientras que la de los oyentes dependerá de si su inscripción es total o parcial, variando desde los 15 hasta los 60 EUR. La inscripción de los participantes activos queda cerrada a partir de día 11 de noviembre mientras que la de los oyentes se mantiene hasta el mismo día del Congreso. Todos estos trámites son gestionados a través de la propia página web del evento. Por otra parte, todo aquel que quiera participar en cualquiera de las dos modalidades en el Congreso y sea socio de ADEC, estará exento de pagar las cuotas de inscripción tanto de activo como de oyente.

PROGRAMA (participantes)

Día 6 de diciembre

Ensemble de clarinetes de la EMMD de Pozuelo de Alarcón
Ensemble de clarinetes del RCSMM
Álvaro Herrera (Conferenciante)

Juan Antonio Fenollar
Francisco José Gil Ortiz
Michel Lethiec (Conferenciante)
MAD4clarinets
Vitor Matos
Angelo Montanaro
David Mora Mora
Matthias Müller
Pedro Rubio

Día 7 de diciembre

Boëhm Clarinet Ensemble
Christoph Courderot
Directiva ADEC
Dúo Arsis
Dúo Karal
Carlos Enguídanos (Conferenciante)
Ensemble de Clarinetes de la Provincia de León
Carlos J. Fernández Cobos (Conferenciante)
Josep Fuster
Jorge Gil Arráez (Conferenciante)
Keith Koons
Leganés Big Band
Michel Lethiec
Matthias Müller
Jean Louis René
Isaac Rodríguez
Sancho Sánchez Gil
Justo Sanz
The Shapphire Trio
Stretto Trio
Esteban Valverde
Stephan Vermeersch

Día 8 de diciembre

Clarinetes Ad Libitum
Alejandro Arias Peris
María del Rocío Campos Torres
Radovan Cavallin
Ensemble de Clarinetes del VI Congreso
David Gutiérrez Cambra
Alejandro Huertas Tablero

Antonio Saiote
Jeniffer Sanz Cusymaita

Información

Escuela Municipal de Música de Pozuelo de Alarcón
C/ Irlanda, 3
Pozuelo de Alarcón
28223 – Madrid
Tels: 91 715 60 62 / 49
Web: http://www.adec-clarinete.com

Referencias

• Facebook de ADEC
• Inscripción al Congreso
• Revista ADEC

Los cuatro solistas entraron a formar parte del Ensemble Intercontemporain de París debido a su reconocido talento, un talento que, sin duda, manifestarán en la interpretación del programa del concierto, en el que el famoso Cuartet pour la fin du temps, del compositor de origen francés Olivier Messiaen sentará la base para otras dos piezas de destacados compositores: Cuarteto de Agrippa, de Antón García Abril, nacido en España en 1933, cuya obra realiza un homenaje a Goffredo Petrassi, compositor y pedagogo italiano del siglo XX, y Contrastes, Sz. 111, de Béla Bártok, considerado el más importante compositor de origen húngaro de música del pasado siglo.

PROGRAMA

Cuarteto de Agrippa (1994)/ Antón García Abril (1933)
Contrastes, Sz. 111, B. 116 (1938) / Béla Bártok (1881-1945)
Cuartet pour la fin du temps (1940/41) / Olivier Messiaen  (1908-1992)

Información

Auditorio Nacional de Música. Sala Cámara
C/ Príncipe de Vergara, 146
28002, Madrid
Tels: 91 337 01 40 / 91 337 01 39
Fax: 91 337 03 00
E-mail: auditorio.nacional@inaem.mcu.es
Web: www.auditorionacional.mcu.es

Referencias

Web INAEM

El concierto tendrá lugar el martes 3 de diciembre, a las 19,30 h., en el Auditori Mompou, con un programa fundamen- talmente conformado por estrenos.

PROGRAMA

La bolsa o la vida* / Anna Bofill
Multifonías / Andrés Lewin-Richter
Clar i net* / Mercè Capdevila
Hadrones* / Joan Bagés
Garbeo* / Cruz López de Rego
AeruAurea* / Víctor Vallés

* Estreno absoluto

Información

Auditori Mompou
Passeig Colom 6
Barcelona
Web: http://www.accompositors.com

Abriendo el ciclo se encuentra la actuación de Seele Duo, un conjunto formado por Joan Pere Gil al clarinete, Marc Renau al violonchelo, Paloma Báscones a la voz y Santiago Barro al órgano. Juntos interpretarán obras de autores como Messiaen, Rincón, Taverna-Bech, Soler, Hindemith y Fernández Muñoz.

El siguiente concierto será el miércoles 27 de noviembre donde Eulàlia Ara (soprano) y la pianista Tania Parra acercarán al público obras de Mahler, Salvador y García Morante.

El miércoles 4 de diciembre María Luisa Ibáñez al arpa y Miguel Ángeles Sanz con la guitarra interpretarán obras de Gerhard, Montsalvatge, Codina, Sanz, Puértolas, Pladevall y Pardo.

El lunes 9 de diciembre el violinista Alberto Reguera y la pianista Ana Carro, desarrollarán un programa que contiene obras de Poulenc, Messiaen, Britten, Massià y Vilaprinyó. Para finalizar el ciclo de conciertos en el Auditorio Cullell i Fabra el miércoles 11 de diciembre Josep M. Santandreu al clarinete y electrónica, presentará el álbum Sounds of the clarinete, producido por la Fundación Phonos, con obras de Lewin-Richter, Vallés, Sanchís y Perales.

Por otra parte los dos conciertos en honor a Jordi Savall se realizaran los días 29 de noviembre y 1 de diciembre en el Conservatorio Municipal de Música Victoria de los Ángeles de Sant Cugat del Vallés. Diego Fernández Magdaleno interpretará obras para piano de Prieto, Sardà, Serrano, Grèbol, Soler, Casablancas, Cruz de Castro, Catalán, Fernández Vidal, García Álvarez, Marco, Guinovart y Legido.

Todos los conciertos del Auditorio Cullell i Fabra tendrán lugar a las 20 h., mientras que los conciertos en homenaje a Jordi Savall serán a las 20 y 12 h. respectivamente, todos ellos con entrada gratuita.

Información

Fundació Música Contemporània
Nena Casas 60-62 Baixos
08017 Barcelona
E-mail: fmc@fumuco.com
Web: http://www.fumuco.com

Referencias

• Conservatorio de San Cugat del Vallès
• Conservatorio Municipal de Música de Barcelona
• Centre San Pere Apòstol
• Web oficial de Jordi Savall

A fin de continuar con su labor composi- tiva, de promoción y difusión musical y la búsqueda de nuevas maneras artísticas de expresión, los miembros de Somelgrup -Vicente Adsuara Mora, Jose Luis Escrivá Córdoba, Pedro Vicente Caselles Mulet y Gerardo Pérez Checa, todos ellos de origen valenciano- nos deleitan con esta segunda edición que destaca, sin ninguna duda, por su notable variedad, sus más de diez estrenos absolutos y su apertura al panorama internacional. Desde electrónica y acusmática hasta música acústica para solista o ensemble, el público tendrá la oportunidad de escuchar obras de compositores y artistas procedentes de México, Noruega y la República de Moldavia.

A lo largo de los cuatro días que durarán los conciertos, los asistentes podrán presenciar obras de Pablo Carrascosa, Javier Martínez, Olivier Rappoport, Ígor Stravinsky, Santiago Díez, Marc García, Facundo Nicolás, Steve Reich, Julio Domingo, Alejandro Basulto, Héctor Oltra, Jonas Skaarud, Mariana Ungureanu, Jorge Sastre, Pere Vicalet, Gerardo Pérez, Vicent Adsuara y José Luis Escrivá.

La Joven Orquesta Col Legno, bajo la batuta del director de orquesta titular e investigador musical Robert Ferrer y de Pere Vicalet como director invitado, será por segundo año, el ensemble a cargo de la interpretación acústica. A ellos se unirán la agrupación Alxarq Percussió, el clarinetista Luis Fernández y los miembros de Somelgrup a cargo de la electrónica en escena. El compositor invitado para esta segunda edición de Somelgrup es Voro García Fernández, que ofrecerá el último día del evento una charla-conferencia una hora antes de la clausura del Somelgrup 2013.

PROGRAMA

Jueves 24 de octubre a las 19 h.: Obras acusmáticas y mixtas
Viernes 25 de octubre a las 19 h.: Clarinete y electrónica Nuevas vías de expresión. Luis Fernández y Somelgrup
Sábado 26 de octubre a las 19,30 h.: Somelgrup Crida 2013
Domingo 27 de octubre: a las 18 h. Voro García y a las 19h. Clausura

Información

Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
C/ Guillem de Castro, 118
46003 Valencia, ESPAÑA
Tel: 96 386 30 00
E-mail: ivam@ivam.es
Web: www.ivam.es

Referencias

• Web de IVAM
• Blog oficial de Somelgrup
• Web de Voro García

Los intérpretes serán el Dúo Back to Back, formado por Emil Sein (clarinete y saxofón) y Daniel Anarte (trombón).

PROGRAMA

Diana Pérez Custodio / La cueva de Noctiluce
Cruz López de Rego / Hábitat
Consuelo Díez / Verde y negro
Beatriz Arzamendi / Un soplo alterno*
Anna Bofill / La bolsa o la vida – II*
Magaly Ruiz / En Oropesa de Mar*
Mercedes Zavala / Exilia-dos

*Estreno absoluto

Información

Ibercaja
C/ del Doctor Fleming, 2B
19003 – Guadalajara
Tel: 949 254 284
E-mail: ccguadalajara@ibercajaobrasocial.org
Web: http://obrasocial.ibercaja.es

SGAE
Sala Manuel de Falla
C/Fernando VI, 4
28004 Madrid
Tels. 91 349 95 50 / 00
Web: http://www.sgae.es

Referencias

• Web de la AMM

Las Tres piezas para clarinete solo de Igor Stravinsky fueron escritas en 1918 para Werner Reinhart, clarinetista aficionado y promotor del estreno de la Historia del soldado, de la que también fue dedicatario. La primera interpretación de la obra tuvo lugar el 8 de noviembre de 1919 en Lausana; el clarinetista fue Edmond Allegra, que el año anterior había participado en el estreno de la Historia del soldado en la misma ciudad suiza.

Para el trabajo se han tomado como referencia dos ediciones de la obra, ambas de Chester: la original de 1920 y la edición revisada de 1993.

• Descargar artículo completo en PDF

Podríamos cambiar el verbo pintar por componer, según nos interese, o, sencillamente, por el verbo crear. Así es, los artistas de hoy deben crear “como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación”. Sería posible discutir aquí la pertinencia de hablar precisamente de “generación”, o polemizar sobre cuál es el lenguaje, técnica o procedimiento que exigen los tiempos actuales, si es que hay solo uno.

Respecto a lo primero y más allá de los grupos que se reúnen en torno a manifiestos estéticos o exposiciones asertivas de cualquier índole –cosa que últimamente ha ocurrido quizás con la denominada musique saturée de Raphaël Cendo y Franck Bedrossian-, no creo que exista hoy día la posibilidad de hablar de una generación de compositores –si nos limitamos a hablar de la creación musical contemporánea- que puedan reunirse bajo el abrigo estético de una generación. Quizás nos falte perspectiva histórica para ello.

No nos falta amplitud de ángulo, antes al contrario, para asegurar, respecto a qué exigen los “tiempos que corren”, que no existe una única técnica –algo obvio por otra parte- que responda a esta demanda de lo contemporáneo. Salta a la vista que la multitud, la heterogeneidad y la diversidad –y añadan a estos términos todos los sinónimos que deseen- de procedimientos, técnicas y lenguajes –sí, afirmo que la música es un lenguaje en tanto que objeto emisor y transmisor de conocimiento- que el compositor o compositora puede emplear hoy día son cuando menos mucho más acentuadas que en tiempos anteriores. Pero no nos engañemos, el creador de hoy tiene ante sí un mar abierto: puede adentrarse hacia lo profundo sin miedo a alejarse de la orilla, puede nadar más cerca de tierra, con la silla del socorrista a la vista o, sencillamente, contemplar cómo llegan las olas, una detrás de otra.

Teniendo esto en cuenta y en colaboración con el Krater Ensemble, hemos planteado una breve aunque interesante entrevista para presentar Dos/Bi, A contemporary music inmersion, el nuevo proyecto de este grupo de músicos y artistas con base en Donosti-San Sebastián.

Como musicólogo podría decir que el discurso de un compositor acerca de su propio contexto creativo y de su obra es de una importancia fundamental –aunque siempre relativa- para la comprensión –si esto es posible- de su propuesta sonora. Sin embargo y más allá de fórmulas consabidas y afirmaciones que poco importan lejos del gremio de mi disciplina –cuyos límites, eso sí, están cada vez más diluidos-, es sugestiva la opinión que estos dos compositores de hoy tienen sobre algunas de las cuestiones que atañen precisamente a la posición del creador en la actualidad. Formación, tradición, lenguaje, arte e interdisciplinariedad son algunos de los conceptos a los que se alude en esta minientrevista realizada no por casualidad a Iñaki Estrada y Aurélio Edler-Copes, puesto que ellos son los autores de los estrenos absolutos que protagonizarán parte de los dos conciertos que Krater Ensemble plantea en esta inmersión: Bikota, para oboe y clarinete, e Infinite Walls, para violín y electrónica, respectivamente.

Una entrevista que tendrá sin duda su continuación en los foros de discusión que se abrirán tras sendos conciertos, en la misma Sala Club – Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián los próximos días 17 y 19 de junio, en ambos casos a las 20 h. Aquí los artistas no tendrán salida, podremos discutir con ellos y, lo puedo asegurar, tendrán que hablar.

Pedro Ordóñez: Iñaki y Aurelio, habéis vivido en varias ciudades. Roma, París, San Sebastián. Más allá de la formación: ¿qué creéis que os ha dejado cada una de ellas?

Aurélio Edler-Copes: La experiencia vital, las amistades, la posibilidad de conocer otras formas de vivir y de aprehender la realidad.

Iñaki Estrada: Las ciudades: te dejan la gente y la experiencia, el idioma, los afectos… es complejo. De Donosti tengo el arraigo, la tradición, dos idiomas… De París la experiencia, el hacer una mano a la música, los conciertos, la diversidad, ciertas amistades ¡y muchísima lluvia! también tengo el triste sentimiento de que lo que creí en su día diverso se está convirtiendo de a poco en un monopolio del IRCAM-Inter[Contemporain]. De Roma tengo la libertad, el aire y un cielo claro. Musicalmente no pasó nada, es una ciudad artísticamente echada muy p’atrás, una pena. Pero la experiencia con otros becarios, mis andanzas con la fotografía, la arquitectura… eso es algo que llevas siempre, aquello de la interdisciplinaridad (¡si es que aún sigue existiendo el palabro!).

Ah, de Londres: nada de nada, menudo chascazo el Royal College….

P.O.: ¿Pensáis que vuestra última obra es siempre la mejor?

A.E-C.: No necesariamente. Normalmente se dice que “la próxima será la mejor”. Tampoco lo creo. Pero la verdad es que me gustan mucho las que están todavía en la cabeza, en el mundo de las ideas, al mismo tiempo que me encanta que las ya escritas tengan vida y crezcan en las manos de los intérpretes.

I.E.: La última pieza no es la mejor o peor, pero es la que más denota las circunstancias del momento: intereses, fijaciones, descubrimientos propios o ajenos… Puede no ser la mejor, depende de dónde se sitúe en relación al proceso creativo que, normalmente, se desarrolla en más de una pieza. Mi trío Tangencias no es para nada mi mejor pieza pero sin ella no estaría ni de lejos donde estoy. Me hizo ver muchísimas cosas y avanzar o retroceder en ciertos lugares.

P.O.: Guardáis todo el material previo a la creación: borradores, bocetos, textos propios… ¿por qué?

A.E-C.: Todo no, pero bastante. Por una serie de razones… Quizás la partitura final sea tan sólo la “punta del iceberg”… Me gusta tener el registro del camino y de la investigación realizada en cada pieza.

I.E.: Y sí, lo guardo ¡todo, todo, todo!

P.O.: Sois conscientes de que utilizáis un lenguaje compositivo difícil de aprehender para la mayoría del público. ¿Creéis que es necesario conocer todo lo que rodea a una obra (técnica, aparato y justificaciones conceptuales, cualidades instrumentales…) para apreciarla o que es preciso dejar también lugar a lo instintivo

A.E-C.: No creo que sea difícil o, en todos casos, demasiado difícil de aprehenderlo. Tampoco me parece que haya que conocer todo lo que rodea a una obra para apreciarla. Cuando una obra nos arrebata, a un nivel profundo, no lo podemos explicar o justificar solamente a través de la razón.

I.E.: Lenguaje difícil… En primer lugar deberíamos aclarar si la música es un lenguaje, para mi nada de nada, no es siquiera discutible así que de ahí en adelante me baso n la interpretación de la pregunta: ¿que si lo que hacemos es incomprensible o difícil de entender? ¿Qué nos hace suponer que una persona aficionada a la música “entiende” una sonata de Mozart? Para mí una obra no se justifica por un texto, eso ha sido y es siempre aberrante. Puede entenderse mejor, pero los manifiestos siempre han sido un asunto más publicitario que otra cosa. Aclaras qué quieres hacer, por qué, y lo haces. Pero si el manifiesto se convierte en un manual de instrucciones es que tu música no sirve por sí misma… Tampoco me preocupa un público que en lugar de conocer busca reconocer. No es simplemente que no “entiendan” la música, tampoco lo hacen con el arte en general. La verdad es que no escribo más que para mí, así son las cosas. Tengo mis opiniones y mis afinidades. No me importa reconocer una buena partitura aunque deteste la estética. Y ahí está el error, asociar las filiaciones a la calidad.

P.O.: ¿Qué visión tenéis del pasado? ¿Cómo afrontáis la tradición académica y cómo os situáis en ella?

A.E-C.: El interés que pueda tener en episodios del pasado es algo que tiene más que ver con una curiosidad puntual que con la necesidad de seguir o dar continuidad a una serie de acontecimientos históricos. No obstante y por supuesto, mi trabajo es parte de una tradición musical –a la que debo mucho- y espero que pueda contribuir, a su manera, a enriquecerla y a llevarla aún más lejos.

I.E.: Estudié con José Luís Campana, alumno de Jacobo Ficher, a su vez alumno de Korsakov. Para mí la tradición es la base de la música. Todo es o se convierte en tradición. Lo que no lo hace simplemente no permanece largo tiempo, así de simple. Me sitúo como una línea más en el tiempo, un tiempo diferente, eso sí, pero básicamente con las mismas reglas. El contrapunto sigue vigente, la armonía… lo que cambia es la forma en que esos conceptos se interpretan tal y como ocurrió, por ejemplo, entre modalidad y tonalidad…

P.O.: ¿Estáis de acuerdo conmigo en que la voz sea quizás el instrumento que más cambios ha sufrido en el siglo XX-XI?

A.E-C.: Prácticamente todos los instrumentos de la cultura occidental han sido objeto de experimentaciones e investigaciones en el último siglo y la técnica instrumental, e incluso la lutería, en algunos casos ha avanzado considerablemente. No creo que la voz sea el que más haya cambiado, pero uno de los que más, eso seguramente.

I.E.: En cuanto a la voz: para nada! Escucha la voz en la ópera de Héctor Parra, ¿te parece un cambio tremendo respecto a cómo la usa Ravel en sus poemas de Mallarmé? La voz, más bien los cantantes, presenta una resistencia, que no un arraigo, tremenda. Claro que existen ejemplos puntuales pero, por poner un ejemplo absurdo: ¿dónde está el tratado de técnicas extendidas de la voz? Tienes el libro de Michael Edward y poco más. La voz en general, será cosa entre los cantantes y los compositores, no ha evolucionado a la altura de los demás instrumentos, a mi modo de ver. Claro que tenemos partituras como Thema, Stimmung… además de las del querido maestro de Aurelio Edler-Copes [Georges Aperghis], pero de ahí a que sea algo común, pues me parece que no… Habrá sufrido más cambios, pero es que no había sufrido cambio alguno… visto así?!?!?

P.O.: ¿Creéis que posible una “traducción” entre disciplinas? ¿Es posible relacionar arte, música y poesía más allá de sus limitaciones materiales hacia una convergencia interdisciplinar real? ¿Cómo es vuestra experiencia con artistas de otras disciplinas?

A.E-C.: “Traducción” quizás sea una palabra demasiado fuerte… “Diálogo” tal vez fuese más realista ya que no creo que se pueda, por ejemplo, “traducir” –en un sentido estricto- un cuadro o una poesía en música. No obstante creo que se pueden establecer paralelos o asociaciones entre diferentes disciplinas que permitan llegar a puntos de convergencia enriquecedores e interesantes artísticamente.

I.E.: La interdisciplinaridad, si es que el palabro existe, es posible, cómo no serlo. Todas las artes tienen puntos comunes y otros exclusivos. Crear puentes entre lo comunes así como servirse de los exclusivos no es para nada imposible. El asunto es, como siempre, equilibrar unos con otros. Yo he tenido experiencias con museos, con pintura, instalaciones… y lo que me llevo, más que el trabajo sonoro en si es la forma en que entiendo y entiende la otra parte el mismo trabajo o concepto, eso es lo que me enriquece. Eso mismo me ocurre con los instrumentistas, es otra disciplina al interior de la música….

Se me acaba la batería y ¡¡¡no tengo cargador!!! ¿Seguimos la discusión, o monodiscusión, en Donosti?

NOTAS

[1] Rafael Agredano, Texto fundacional de la Revista Figura, activa en Sevilla entre 1983 y 1986, citado en José Antonio Chacón, La Ruta del Arte Contemporáneo en Andalucía, Sevilla, Fundación José Manuel Lara, 2004, p. 115.

Información

Sala Club – Teatro Victoria Eugenia
República Argentina, 2
20004 – Donostia-San Sebastián
Tel: 943 481160
Fax: 943 481969
E-mail: victoria_eugenia@donostia.org
Web: http://www.victoriaeugenia.com

Referencias

• Web de Krater Ensemble
• Web de Aurélio Edler-Copes
• Blog de Iñaki Estrada

La iniciativa Málaga.es CONTEMPO- RANEA será acogida por los espacios de la Diputación de Málaga y el Ateneo de Málaga, cuyo concierto se enmarca dentro del Ciclo “Maestros/Alumnos”, donde el dúo contará con la presencia de Daniel Anarte -trombón-.

La interpretación de la programación será a cargo del dúo “backTOback”, agrupación formada por Barrie Webb -trombón- y Emil Sein -clarinete-, destacados intérpretes e investigadores reconocidos y galardonados a nivel internacional que también ejercen la docencia profesionalmente.

PROGRAMA

Lunes 17 de junio de 2013, 20,30 h., Diputación de Málaga

Verde y negro / Consuelo Díez (1958)
Danzón / Magaly Ruiz (1941)
La cueva de Noctiluca / Diana Pérez Custodio (1970)
Hábitat / Cruz López de Rego (1957)
NUN ZIRADE / Isabel Urrutia (1967)
Exilia-dos * / Mercedes Zavala (1963)

Martes 18 de junio de 2013, 20,30 h., Ateneo de Málaga

Lamento (versión D) / Jesús Villa Rojo (1940)
Nadir / Consuelo Díez (1958)
Objectes / Anna Bofill Levi (1944)
Clarinete solo / Cruz López de Rego (1957)
Va y Vé (Va y Viene) / Sergio Fidemraizer (1958)

* Estreno absoluto
** Estreno en España

Información

Diputación de Málaga – Área de igualdad y participación ciudadana – Servicio Provincial de la mujer
C/ Carretería 60
29008 – Málaga
Tel: 952 060 232
Fax: 952 602 066
E-mail: striamujer@sopde.es
Web: http://www.dipumalaga.org

Ateneo de Málaga – Vocalía de música
C/ Compañía 2
29008 – Málaga
Tel: 952 224 002
E-mail:info@ateneomalaga.org
Web: http://www.ateneomalaga.com

Referencias

• Web de Ateneo de Málaga
• Web Mujeres en la Música

Circunscribiendo la temática de la celebración, el festival se hará eco también del Año Dual España-Japón, el cual celebra los 400 años de relaciones bilaterales entre ambos países.

Enclavado en la llamada Milla de Oro, en pleno corazón de la Ribera del Duero, el festival viene a conmemorar la promulgación de la primera carta puebla fundacional en 1013 por Sancho García, Conde de Castilla. Señor de Peñafiel y nieto de Fernán González, también conocido como “el de los Buenos Fueros”, Sancho García fue una figura clave en la historia de la Reconquista Española. A él se atribuye la frase “Esta será la peña más fiel de Castilla”, inscrita en el escudo de Peñafiel, la cual dota de su actual nombre a la villa ribereña.

Con una decidida apuesta enoturística y un marcado carácter integrador, Ángel Arranz, compositor y director artístico del festival, crea alrededor de Peñafiel Milenio 2013 una programación deslocalizada en el tiempo y en el espacio que gravita entre la vanguardia y la tradición como fórmula de excelencia. El festival dará a conocer músicas antiguas y músicas nuevas, dando paso también a formatos clásicos, las cuales serán plasmadas por artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio internacional durante tres tramos estructurados por estaciones.

Programación en tres tramos

El tramo de primavera se compone de tres conciertos concentrados en la jornada del sábado 18 de mayo. Arrancará el festival en un estruendo organizado a las 13 h. en el Parque de San Vicente de Peñafiel, con una intervención sonora alrededor del espacio urbano de la ciudad, en donde más de cien  artistas del colectivo de músicos de Peñafiel acompañarán al maestro japonés Katsunori Nishimura. Toposonía es una performance en la que el trazado arquitectónico de Peñafiel es usado como un instrumento global resonante.

Este mismo día a las 18 h. será el turno de Sigma Project Quartet, una de las formaciones españolas más señeras en el terreno de la música contemporánea y experimental. Sigma Project ofrecerá un concierto itinerante que recorrerá las instalaciones de Museo Provincial del Vino – Castillo de Peñafiel.

La jornada finaliza en el claustro de Hotel Convento Las Claras con el concierto a las 20,30 h. de El Trovar de los Afectos. Esta agrupación barroca interpretará un programa con talante historicista basado en los viajes de una de las figuras más importantes de la música castellana e universal de todos los tiempos: Antonio de Cabezón.

En su tramo otoñal, tras la vendimia y como clausura de festival, Peñafiel Milenio 2013 presentará dos conciertos: el pianista e investigador Antonio Baciero y la actuación del dúo formado por la pianista Akane Takada y el clarinetista José María Santandreu. Ambos conciertos tendrán lugar en un interesante marco: las nuevas instalaciones de Bodegas Protos de Peñafiel diseñadas por Sir Richard Rogers.

Todas las actividades son de libre acceso y no precisan de reserva previa. Durante las jornadas del festival las visitas a los museos de la villa serán a puertas abiertas.

Información

Festival Peñafiel Milenio 2013
The DK <projection>
Ángel Arranz, director artístico
E-mail: info@thedkprojection.com
Web: www.thedkprojection.com

Referencias

• Web oficial del festival
• El festival en Facebook