Protagonizado por la agrupación Neoper- cusión, cuyos integrantes -Juanjo Guillem, solista de la Orquesta Nacional de España; Juanjo Rubio, solista de la Orquesta Sinfónica de Madrid; y Rafa Gálvez, solista de la Orquesta Nacional de España- desarrollan una amplia actividad desde 1994 a nivel de interpretación y difusión del repertorio para percusión en un amplio abanico de estilos, favoreciendo el estreno de nuevas obras. En esta edición nos proponen tres programaciones frescas y contrastantes -músicas diversas, músicas posibles, músicas vigentes- a través de las cuáles ofrecerán una espectacular interpretación que no pasará desapercibida para ningún público.

La primera propuesta que inaugura esta programación -músicas diversas- se llevará a cabo con motivo de la celebración de la Fiesta de la Música, el próximo sábado día 22 de junio de 2013. Para este día, el grupo Neopercusión interpretará obras de S. Reich, I. Xenakis, Y. Taira, W. Mertens y J. Guillem. Como singularidad, el concierto se ejecutará al aire libre en tres plazas del barrio madrileño de Chamberí -Plaza del Conde Valle de Suchil, Plaza de Chamberí y la Plaza de Olavide-.

La segunda de las propuestas de programación -músicas posibles- tendrá lugar el jueves 18 de julio de 2013 en el contexto de las Fiestas del Carmen. Este concierto contará con los protagonistas Neopercusión y otros artistas invitados de la talla del distinguido músico de sesión y productor artístico Andreas Prittwitz -saxofón, clarinete, flauta-, Lázaro Sosa -bajo- y Hidelvis Cabrera -batería y percusión-.

La tercera y última de las propuestas que conforman este ciclo de conciertos -músicas vigentes- será acogida el venidero martes 17 de septiembre de 2013, a las 20 horas. De nuevo la agrupación Neopercusión encabezará la programación que contará con la presencia de la destacada cantante del panorama lírico actual Raquel Andueza -soprano-. Se interpretarán obras de G. Crumb, A. Carretero, M. Galvéz, en el escenario del Teatro Galileo.

PROGRAMA

Músicas diversas – Sábado 22 de junio de 2013 (Fiesta de la Música)
NEOPERCUSIÓN
12 h. Plaza del Conde Valle de Suchil, 1
13,30 h. Plaza de Chamberí
21,30 h. Plaza de Olavide
22,30 h. Plaza de Olavide
Obras de Steve Reich (1936), Iannis Xenakis (1922-2001), Yoshihira Taira (1937-2005), Wim Mertens (1953) y Juanjo Guillem (1965)

Músicas posibles – Jueves 18 de Julio de 2013 (Fiestas del Carmen)
NEOPERCUSIÓN + Andreas Prittwitz (saxos, clarinete, flauta), Lázaro Sosa (bajo), Hidelvis Cabrera (batería y percusión)

Músicas vigentes – Martes 17 de septiembre de 2013, 20 h.
NEOPERCUSIÓN + Raquel Andueza (soprano)
Obras de George Crumb (1929), Alberto Carretero (1985), Miguel Gálvez (1974)

Información

Centro Cultural Galileo
C/ Galileo 39
28015 – Madrid
Tel: 915 913 901
E-mail: ccgalileo@madrid.es
Web: www.madrid.es/cgalileo

Referencias

• Web de Neopercusión
• Web de Raquel Andueza
• Web de Andreas Prittwitz

Musicalibre es una asociación cultural sin ánimo de lucro dedicada a la difusión de la libre improvisación musical cuyos integrantes se vinculan a la improvi- sación y/o a la interacción artística con ésta, se integra principalmente de profesionales de la música aunque también incluyen intérpretes de otras disciplinas artísticas. Desde 1995 el objetivo de su existencia es favorecer la organización de encuentros nacionales e internacionales de músicos improvisadores promoviendo conciertos, ciclos y encuentros en España con el objetivo de relacionar los artistas la escena improvisadora nacional e internacional, y potenciar así el trabajo de consolidados y expertos músicos españoles tanto en el ámbito nacional como en el internacional.

Se ofrece también dentro de la programación del sábado 15, de 16 a 19 h., un taller dedicado a la voz y sus recursos expresivos a cargo de Graciela López. Este curso está dirigido a todos aquellos músicos o no músicos que deseen explorar el funcionamiento del aparato fonador, desde el punto de vista instrumental como fuente emisora de sonido. El precio es gratis para socios, no socios 20 euros, no socios en paro 15 euros.

En esta ocasión el encuentro tendrá lugar en la Taberna Alabanda, conocido bar madrileño de tapas situado en la zona de Lavapiés. El local posee una zona habilitada para disfrutar de música en directo. Los conciertos comenzarán a partir de las 21 h., y el precio de la entrada son 5 EUR para público general y 3 EUR para socios de Musicalibre.

PROGRAMA

Viernes 14 de junio de 2013, 21 horas

Solo: Álvaro Barriuso.
Trío: Christian F. Mirón, voz/Peter Memmer, chelo y electrónica/ Fran MM Cabeza de Vaca, violín eléctrico.
Sexteto: Markus Breuss, trompeta y fliscorno/ Gregorio Kazaroff, electrónica/ Javier González, trompeta y voz/ Francis García, mandolina procesada/María. G. Cameselle, contrabajo/Juan Carlos Castillo, batería.

Sábado 15 de junio de 2013
16 – 19 horas, Taller de voz

Temario: Repaso sobre los procesos físicos que están implicados en el canto y/o el habla, y su coordinación; Ejercicios prácticos para controlar la respiración diafragmática; Juegos con el timbre que generamos con la resonancia de nuestros propios cuerpos; Trabajo en textos con alturas, entonaciones; Improvisación de melodías y palabras.
Material necesario: un espejo pequeño, una esterilla, un texto.
Material opcional: una libreta de apuntes, una grabadora.
Se ruega puntualidad.

21 horas, Conciertos

Dúo Badulaque: Paloma Carrasco, chelo/Marcos Monge, clarinete bajo, saxo tenor.
Sin Red: Cova Villegas, voz/Víctor M. Díez, textos, juguetes/Ildefonso Rodríguez, saxo alto, clarinetes, flautas/Chefa Alonso, saxo soprano y percusión.
Orquesta Foco, conducida por Gregorio Kazaroff, Christian F. Mirón y Ricardo Tejero.

Domingo 16 de junio de 2013, 21 horas

Free Flow: Javier Paxariño, saxelo, clarinete bajo/Ebba Rohweder, flautas/Pedro Rato, theremín, piano, sintetizador.
Cuarteto: Cy Williams, guitarra/Ricardo Tejero, saxos, clarinete/Miguel Bestard, tuba/Fernando Lamas, batería.
Orquesta Carníval, dirigida por Chefa Alonso y formada por: Ildefonso, Marcos, Miguel, Cova, Víctor, Peter, Fran, Fernando y María.

Información

Taberna Alabanda
C/Miguel Servet 15
28012 – Madrid
Metro: Embajadores y Lavapiés
Facebook: http://es-la.facebook.com/people/Taberna-Alabanda/100000973981299
E-mail: laalabanda@gmail.com

Referencias

• Web de Chefa Alonso, coordinadora del encuentro
• Convocatoria del encuentro en la Web de Asociación Musicalibre

En esta segunda edición han pasado por SOXXI reconocidas formaciones como el dúo de percusión y clarinete Ap-Art Duet , el grupo vocal Musicant, el grupo de danza contemporánea Dansa-Dum, la Orquesta de la Primitiva Setabense y el grupo residente Projecte SOXXI, así como el prestigioso percusionista de la Orquesta Nacional de España y solista internacional Juanjo Guillem. En el festival se han realizado múltiples estrenos nacionales del que cabe destacar el estreno absoluto del divertimento nº1 para clarinete bajo y orquesta del reconocido compositor Francisco Andreu Comos.

El 26 de mayo a las 19,30 h. en el Centro Cultural Papa Calixte III de Canals, con entrada libre hasta completar el aforo, tendrá lugar el concierto de clausura que lleva por titulo “Without Instruments”. Este programa es una muestra clara de la fusión del mundo escénico audiovisual y el musical con un mensaje de actualidad. Una propuesta visual y sonora singular llena de lirismo, fuerza y dramatismo que sin duda no dejará indiferente al público.

PROGRAMA

Vinko Globokar (1934) / Corporel (1985)
Casey Cangelosi(1971) / Metavita (2011)*
Thierry de Mey(1956) / Silence must be (2002)
Mauricio Kagel(1931) / Pas de Cinq (1965)
Franceco Filidei(1973) / I Funerali dell’anarchico Serantini (2006)

(*) Estreno en España.

Grup Projecte SOXXI.
Dani Bresó, Oscar Martí, Ramón Llopis, Marc Moreno, Sergio Juan y Joan Soriano.
Con la colaboración especial de Alexis Calvo y Jacobo Pallares.

[Información proporcionada por el Festival SOXXI]

Información

Centro Cultural Papa Calixte III
Web: http://www.canals.es/canals/

Lo primero que habría que decir es que la propuesta creativa de Llorenç Barber demanda, en mayor medida que otras, la escucha en un espacio y un tiempo concreto. Del espacio reducido delante del “campanario portativo” (o “torre de bolsillo”) a la totalidad sonora de los campanarios de las ciudades, pasando por la plaza de toros, la calle, el mar, el bosque… En todos estos entornos ha trabajado Barber, siempre con esa peculiar visión del riesgo-divertimento-provocación-cálculo que induce a tomar su creación muy en serio. Pero el registro sonoro no deja de ser una transgresión de unas ideas muy claras en la intención artística; una forma de enlatamiento que, en este caso más si cabe, sólo nos puede aportar briznas de información sesgada, que toman en esta ocasión forma de homenaje (bien merecido, por cierto). Lo siguiente que habría que destacar –aunque tenga poco que ver con la música de Barber (o sí)- es que Retrospective 1994-2001 es una edición que se sirve de forma gratuita bajo la licencia Creative Commons 3.0 (CC BY-NC-ND 3.0), algo que produce indudable satisfacción más allá de observar cómo nuestro bolsillo queda intacto después del disfrute de la audición: estamos ante un nuevo ejemplo de que el mundo discográfico es amplio y se mueve en direcciones múltiples (incluso innovando en ocasiones), también en trayecto opuesto a los cantos-gritos de ese mercado cuyos supuestamente bien trazados planes de fagocitación de todo lo que le estorba, a veces (afortunadamente), acaban en mil pedazos.

Yendo al grano sonoro, esta perspectiva de la obra sónica de Llorenç Barber se abre con Manjar. Una música para voz y campanas (1994), una muestra de su “campanario portativo” y de experimentación con la técnica vocal bifónica que practica desde los años 80 –como dice el propio autor- “un juego de armónicos bucales, contra –y con- los armónicos de las campanas“.

Después vendrá Aum namah shivaya, el también conocido como “mantra de las cinco sílabas”, que Barber convierte en una experiencia colectiva grabada en la Plaza de la Reina en 1997, y donde el Om se traslada de la laringe al tubo de los metales, las bandas resuenan poderosas, mezcladas con campanas y fuegos de artificio… Un mantra que, según el hinduísmo, puede ser repetido por cualquier persona, joven o viejo, rico o pobre, sin necesidad de rituales o ceremonias; bastará un lugar y un momento propicios… Una bella forma de traslación la de Barber: ¡todo el pueblo de Valencia, probablemente sin saberlo, reverenciando a su yo-Shivá!

La siguiente pista del registro de Audition Records dedicado a Barber la ocupa Hoc Donum, grabada en junio de 2001 en Hannover, dentro de la Biennale Neue Musik que se celebra en esta ciudad alemana. Pieza también de campanas y campanarios, cuya parte final ocupa también la pista 5, y que constituye un buen ejemplo de ese planteamiento que el musicólogo Rubén López Cano ha denominado “música plurifocal”.

Por último, la pista 4 está reservada a otro concierto realizado el mismo año en la ciudad jalisqueña de Puerto Vallarta. Se trata de una de sus Neumaquias, en este caso Neumaquia a los Cuatro Vientos, serie donde Barber nos propone una “música-conjuro” que involucra la plenitud de la ciudad: apertura con explosiones, alarmas… bandas de música, sus amadas campanas, el tráfico, voces, los fuegos artificiales o el aullar de las sirenas de los barcos atracados en el puerto se unen a la algarabía bien calculada en la ilusión de la macroforma, una macroforma confeccionada minuciosamente pero donde el resultado último se apega amorosamente al virtuosismo del azar.

Por otra parte, aprovechamos estas líneas para recomendar un sugestivo film interactivo que puede verse en la web INSITU, en el que a partir de una intervención sonora plurifocal de Barber sobre la ciudad de Marbella en diciembre de 2010, el realizador francés Antoine Viviane articula un interesante discurso sobre las formas de enfrentarse a la ciudad como objeto artístico.

En definitiva, Retrospective 1994-2001 nos invita a un viaje por una experiencia sonora que, si bien se tendrá que escuchar minimizada por la realidad de unos altavoces, seguro que logra abrir la mirada de muchos hacia otros rumbos. Y a los que alguna vez hemos asistido a sus “sonorreas” (en mi memora está una especialmente sugestiva y muy acusmática, Alberomundo, que tuve la oportunidad de escuchar en un lejano ya Festival de Música Contemporánea de Alicante), nos permite traer del recuerdo (quizá la música no es más que eso, recuerdo) los sutiles juegos sonoros de sus campanas y las bramantes masas sonoras en movimiento. Además, si el concepto espacial sonoro no fuera tan antiguo, Llorenç Barber lo inventaría para mostrarlo a todos.

Un apunte necesario

A Llorenç Barber se le suele dar el beneficio de las calificaciones templadas en la fragua de “lo aceptable”: enfant terrible, inconformista, provocador… y otras menos afortunadas del tipo “bicho raro”: extravagante, excéntrico… Pero nadie, desde ningún ámbito, debería obviar que además de ser fundador o participante en buena parte de los proyectos de relieve desarrollados en España y que permitieron caminar por senderos inexplorados hasta entonces (recordemos ZAJ, Actum, Taller de Música Mundana, ENSEMS, FLES, Nits d’Aielo i Art, Paralelo Madrid, Escena Contemporánea…), fue el responsable de que una buena cantidad de músicos de enorme personalidad fueran por primera vez escuchados en nuestro país (ejemplos de ello son figuras como Alvin Lucier, Terry Riley, Stefano Scodanibbio, por citar sólo tres de los más conocidos), y organizador de monográficos sobre autores que hoy se consideran incuestionables (John Cage, Giacinto Scelci, Morton Feldman, Luc Ferrari…). Obviamente, esta trayectoria paralela y bien pegada a la creativa sólo puede entenderse como luz acompañante que ayuda a vislumbrar una manera de entender la música, sobradamente demostrada con la que compone e interpreta, sin necesidad de aderezos o de la carga del currículo. Una concepción donde la visión abierta y panorámica no ocupa un lugar, es el lugar.

Información

Retrospective 1994-2001 / Llorenç Barber
Llorenç Barber, campanas y voz

01. Manjar [6:07]
02. Aum Namah Sivaya [12:09]
03. Hoc donum [9:07]
04. Naumaquia a Cuatro Vientos [15:05]
05. Hoc donum [6:23]

Referencias

• Descarga gratuita del álbum en Audition Records
• Biografía de Llorenç Barber en la Wikipedia
• Bibliografía en torno a los conciertos de Llorenç Barber

La obra esconde un libreto que tiene una mínima estructura argumental, como suele suceder en todas las óperas. Cuando pase el tiempo y Dalí, el Maestro, y Gala, su musa, sean olvidados como personajes célebres de una época, se verá como el trágico amor entre una mujer y el hombre que no es capaz de satisfacerla carnalmente, aunque sí lo es material y psicológicamente. Dos seres unidos por eso que es, en términos de las más conocidas óperas, más grande que sus vidas y causa de su tragedia, habitualmente, de la tragedia del personaje femenino protagonista. Salom ha sabido recoger ese espíritu y con sabiduría actualizarlos en superficie con los conocidos excesos de la pareja allá por donde pasaron. Y en esta estela de lo clásico, obvia toda referencia política, apenas se ve ni se viven la Guerra Civil, la Mundial o la dictadura franquista, si no fuera porque en un momento dado las comenta para hacer una referencia así mismo y su aparente locura. Dalí se asombra de que lo llamen loco cuando hay hermanos matando a hermanos en España o seres humanos matando a otros seres humanos en Alemania por el simple hecho de ser judíos.

Lo mismo se puede decir de la música. Una música de su tiempo, de este tiempo, pero que como muchas de las composiciones de otras épocas no olvida integrar o incorporar tonadas o canciones populares de aquellos tiempos, con sutileza, contrastándola con lo que se denomina y se entiende por música contemporánea. Una música que usa la voz como un elemento musical más que da inteligibilidad a la experiencia sonora, habitualmente más abstracta que concreta, por mucho que haya un tipo de música que se llame así. Una música acertadamente cansina como forma de describir una época, un tiempo, en el que visto desde hoy, en cada esquina aparecía un artista, un poeta o un cineasta que iban a cambiar el curso del arte y de la historia. Igual de cansina que la relación Gala-Dalí, aunque no le faltaba el interés como muestran las hemerotecas y las abundantes biografías. Una música a la que la orquesta no le supo coger el tono, el punto si usásemos términos coloquiales, pero que sí supo mostrarla con la suficiente claridad para dejar al público apreciar su calidad y esperar que las sucesivas representaciones, de este montaje o de otros que se hagan de la misma obra, vayan afinando el conocimiento y la forma en la que se debe reproducir. Una obra que en apariencia es moderna pero que en concepto tiende a lo clásico, a perdurar.

Ambos elementos han sido recogidos y entendidos con humildad por Xavier Albertí, el director de escena. La misma que transmiten los dos autores anteriores. Tal vez debida a que se están acercando a uno de los iconos culturales más importantes del siglo pasado sobre todo para los españoles y, muy especialmente, para los catalanes. Pocas o ninguna estridencia y momentos en los que su acción se refiere a meros apuntes para dejar que suene la música y se oiga a los cantantes. Dos escenas ejemplifican a la perfección lo anterior. La primera es cuando Dalí y Gala se declaran su amor ante la bahía de Cadaqués y el aria del cuarto acto cuando Gala agoniza. Luz, espacio y mínimos elementos escénicos para que se produzcan, se entiendan y se sientan la magia del amor, más bien, la extrañeza del enamoramiento de los otros, y la muerte. No todas las escenas tienen esta calidad expresiva, como sucede en otros montajes de Albertí, hay momentos en los que parece bajar la guardia y descuidarse. Sin embargo, esta vez son pocos, y ha sabido capturar el espíritu de lo que debía ser estrenar una ópera en otro tiempo. Donde lo hermoso era la historia que contaban y cantaban unas voces y una música y las escenas se separaban una de otra para preparar el escenario. Y esta, como muy bien ha entendido el director de escena, es una historia de amor. Una de las estrambóticas historias de amor de las que está lleno el siglo XX. Por lo que las obras de Dalí, del Maestro, apenas aparecen o se integran sutilmente, aunque ocupen el forillo del fondo en el último acto como un elemento escénico más pero levemente iluminado, oscurecido sin duda por el tiempo, como en esos momentos históricos debía estar la mente del protagonista.

Siguiendo el modelo actualmente canónico de crítica de una obra, adecuada a lo que se ha visto y a su espíritu, no puede faltar una referencia a las voces y su capacidad actoral. Con una elección fallida para el caso de Dalí, pero apropiada para el resto. Que permiten a Marisa Martins hacer realidad en el aria de la moribunda Gala la promesa que es como buena actriz y buena cantante en el resto de la obra. Con un Antonio Comas que quiera o no ya es parte de la historia de la música contemporánea española en su vertiente teatral o escénica. Del que se aprecia su capacidad actoral y esa forma inteligible de cantar que permite al espectador entender lo que dice cuando canta.

Habrá una segunda oportunidad para ver y escuchar este mismo montaje en la próxima temporada del Liceo de Barcelona. Por todos sus elementos debería ser el acontecimiento que no ha sido en Madrid, aunque no faltaron a su estreno músicos, compositores, actores y artistas, como el inefable Valcárcel Medina. Saltar más allá del ámbito meramente musical. Pero aunque no lo fuera, el público, cualquier público interesado en el teatro musical, agradecerá que por fin le sienten delante de una ópera de hoy en día sin excusas, ni coartadas, para ver y disfrutar. Guste o no lo que se vea y se escuche es una muy agradable sensación no tener que posicionarse ni a favor ni en contra de lo contemporáneo. Salir con el ánimo de hablar, de conversar, de intercambiar ideas de entender al otro, los gustos del otro y su razonamiento. ¿No debería ser esto la cultura?

Referencias

• Yo, Dalí – TEATRO DE LA ZARZUELA (en español)
• Programa de mano de Yo, Dalí (en español)
• Libreto de Yo, Dalí (en español, catalán, francés e inglés)

Los solistas de SMASH que intervendrán en esta ocasión serán Carola Schlüter (soprano), Natalia Baquero (piano) y Bertrand Chavarría-Aldrete (guitarra), en un programa que combina la música del renacimiento con la del siglo XX.

PROGRAMA

Recuerde el alma dormida (1546) / Alonso Mudarra
Erótica (1981) / Francisco Guerrero
Claros y frescos ríos (1546) / Alonso Mudarra
La fabbrica illuminata (1964) / Luigi Nono
L’Addio a Trachis II (1987) / Salvatore Sciarrino
Zeitungsausschnitte Op.11 (1925-27) / Hanns Eisler

Información

SMASH Ensemble
E-mail: info@smashensemble.com
Web: http://www.smashensemble.com

PROGRAMA

Temblor de Estío  (canto y guitarra) / Valentín Ruiz
Fantasía contrahecha / Tomás Garrido (guitarra sola)
Cel (piano) / Sebastián Mariné
Alba de Luz (canto y piano)* / Encarna Beltrán-Huertas
Contracanto 02 (voz sola)* / Diana Pérez Custodio
Canción de Cuna (guitarra)* / Alicia Santos
Sad (piano) / Consuelo Díez
Otoño, de Los colores del tiempo (canto y piano) / Gloria Isabel Ramos Triano
Ha nacido el dolor y Alumbra una señal de La sed (voz y piano) / Mercedes Zavala

* Estrenos absolutos

Información

Sala Manuel de Falla de la SGAE
C/ Fernando VI nº 4
28004 – Madrid
Web: http://www.sgae.es

Cada una de las cosas conducen hacia una sola y misma esencia… Ida y Vuelta, MADrid MADrás  MADrid! Toda nueva realidad social genera un nuevo ambiente sonoro, una nueva ESCUCHA. La obra MADrid MADrás MADrid! está inspirada en algo que tanto afecta a toda Europa, y  muy en particular a Madrid, como la emigración y la convivencia de culturas. Se trata de  una obra- sound scape  de Madrid, compuesto a partir de grabaciones de campo llevadas a cabo en el casco antiguo, el aeropuerto y el Metro de Madrid, hilvanado por la voz solista de Fátima Miranda que en alguno de sus pasajes se entreteje con aquel.  Este paisaje sonoro funciona a modo de “orquestación” e incluye tanto sonidos ambiente de la ciudad como hablas procedentes de los países cuya población inmigrante está más presente en nuestras ciudades. TODO UN HOMENAJE POÉTICO A MADRID, el OTRO Madrid que se completa con un video realizado específicamente para esta pieza, grabado en buena parte en el Barrio madrileño de Lavapies.

Entre Madrid –donde Fátima Miranda estudió Historia del Arte, vive  y compone su obra- y Madrás –ciudad de la India, país en el que  estudió música-, entre Occidente y Oriente, entre la tradición y la vanguardia, se encuentran los  campos  por  los  que metafóricamente transita y brota  MADrid  MADrás  MADrid!

Hija de una sensibilidad etnomínimal, Fátima Miranda da la espalda a la tiranía de los cánones de belleza del canto y de la palabra y se pone, nunca mejor dicho, el mundo por montera, entrando a saco y sin miedo en el bosque de oralidades que aun lo pueblan, cargado de memorias fonéticas, tal vez anteriores al lenguaje, evocadoras de códigos de comunicación ya extinguidos que anidan en el inconsciente colectivo.

Dicen quienes la escuchan que su imaginación les hace viajar a África, a Japón, a India, al mar, a la selva, a un templo, a un mercado o a un estudio de música electroacústica, ¿por qué no? Huyendo de cómodos estereotipos, Fátima, combinando técnicas vocales orientales, occidentales o de su propia invención, emplea la voz como instrumento de viento y de percusión y nos regala con insólitas acrobacias sobre un registro de cuatro octavas, con difonías y con fascinantes moldeos del aliento que sobrepasan los límites de lo posible, yendo del más transparente y angelical hilo de voz al alarido más salvaje, difuminando las fronteras entre el canto, la poesía, el teatro, la composición, la improvisación y la interpretación.

[Información proporcionada por www.fatima-miranda.com]

Información

La Casa Encendida
Ronda Valencia, 2
28012 Madrid
Tel: 902 43 03 22
Fax: 91 506 38 76
E-mail: casaencendida@cajamadrid.es
Web: http://www.lacasaencendida.es

Referencias

• Web oficial de Fátima Miranda

El Máster CAPMA de Interpretación se divide en las siguientes especialidades:

• DIRECCIÓN DE ORQUESTA: José De Eusebio
• CANTO: Ana María Sánchez (soprano) / Itziar Barredo (pianista repertorio vocal)
• VIOLÍN: Igor Malinovsky
• VIOLONCELLO: Emil Rovner
• FLAUTA: Paco Varoch Estarelles
• CLARINETE: Laura Ruiz Ferreres
• PIANO: Javier Perianes

Los programas tienen una duración anual que comprende desde octubre de 2010 hasta junio de 2011, con un total de 320 horas lectivas. Los horarios de las distintas especialidades serán de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas durante los días de cada encuentro/seminario.

Las fechas propuestas por los profesores están elaboradas con los calendarios actuales de conciertos y giras contratados hasta el momento por cada uno de ellos. La dirección del CAPMA establece la posibilidad de cambiar las fechas de un máximo de dos encuentros al año, siempre y cuando se comunique oficialmente con un mínimo de un mes de antelación.

Los Programas Máster CAPMA se realizarán en las instalaciones del Edificio Municipal “El Claustro” (Calle San Pascual, nº 2, esquina Calle Labradores con Catedral San Nicolás) de Alicante.

Información y matrículas

CAPMA, CENTRO DE ALTO PERFECCIONAMIENTO MUSICAL DE ALICANTE.
Avenida Alfonso X El Sabio, 9, 2º Izq.
03004 Alicante
E-mail: info@capma.es
Web: http://www.capma.es

Resulta fácil encontrar un repertorio de canciones entre los seis músicos escogidos para representar al menos una parte muy importante de la música argentina del pasado siglo, o quizá mejor dicho, resulta difícil hacer una selección objetiva de entre tan extensos catálogos. Probablemente el origen de esta prolífica producción para canto acompañado podamos encontrarla en el siglo XIX, en un momento muy específico donde el país va construyéndose progresivamente en toda su dimensión de estado, tanto en lo institucional o lo político, como en la dimensión socioeconómica y cultural. Así, la “vieja aldea” se va convirtiendo poco a poco en un estado moderno, en el que la inmigración, la construcción del puerto de Buenos Aires y la consiguiente expansión del comercio internacional, la extensión de las comunicaciones, o la construcción de grandes edificios públicos, jugaron un papel fundamental en el crecimiento y consolidación de la República. Y es precisamente en este contexto histórico donde -en el aspecto estrictamente musical- surge y se consolida la lógica del nacionalismo y sus propuestas de renovación del lenguaje, procedente a partes iguales de la experiencia que los compositores adquieren en Europa (principalmente en Francia) y del creciente interés por tomar conciencia de una recuperación de las raíces a través del folclore. De este proceso estético surgen las obras que el recital de Berri y Romero nos proponen, un paseo por lo más granado de este período que más tarde se irá disolviendo cadenciosamente (de forma bastante similar al caso español), para dar lugar a otras dimensiones creativas.

El paseo comenzará con una selección de dos de las Doce Canciones populares de Carlos Guastavino, para terminar con una de las piezas más populares y escuchadas de Ariel Ramírez (1021), Alfonsina y el mar (elección lógica para un panorama como el que se propone pero, a nuestro entender, quizá lo menos interesante -por trillado- del recital). En este camino se podrán escuchar obras de Carlos López Buchardo (1881-1948), de Juan José Castro (1895-1968), así como de los todavía más internacionales Alberto Ginastera (1916-1983) y Astor Piazzolla (1921-1992). En definitiva, una selección que da buena cuenta -en su más clara expresión musical- del tono de un país. Y como ocurre con todas las expresiones de tipo nacionalista, además de ofrecer la personalidad de cada uno de los autores, nos permite observar el pulso de una nación en una época determinada.

En cuanto a los intérpretes, la argentina -afincada en España- Alicia Berri es una voz reconocida, con amplio bagage internacional en el terreno de la ópera barroca, clásica y romántica (y también del siglo XX, destacando por ejemplo su participación en el estreno mundial de la ópera La Celestina de Joaquin Nin-Culmell, interpretando el papel de Celestina; o su intervención en el Réquiem para Kaza Katharina de Gerhard Rosenfeld en la sala Karl Orff de Munich), cantando junto a voces como Teresa Berganza y José Carreras o siendo dirigida por Plácido Domingo, Carles Magraner o Gabriel Garrido. Desde 1994 es miembro estable de la formación de este último director, el conocido grupo de música antigua Ensemble Elyma, y desde 2005 también de la plantilla del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid. Su trayectoria en el recital de canto incluye un basto repertorio que recorre desde el renacimiento y barroco hasta la música del siglo XX, destacando su labor de difusión de la música Argentina interpretando Piazzola, Ariel Ramírez, Carlos Guastavino y Ginastera, como en el concierto que nos ocupa.

Por su parte, el madrileño pianista Elías Romero desarrolla su actividad como solista, pianista acompañante y director de coro en diferentes ciudades de España (península e islas), en teatros, Ateneo de Madrid, Círculo de Bellas Artes, Fundación Juan March, así como en conciertos en Francia, Rumanía, Turquía y China. En su faceta de director musical ha participado en el Theater Academy en Shanghai y en el Festival de Almagro.

Información

X Ciclo CLÁSICA EN DOMINGO
Auditorio y Teatro de la Casa de la Cultura de Tres Cantos
Plaza del Ayuntamiento, 1
28760 Tres Cantos (Madrid)
Fecha: 21 de febrero de 2010, 12 h.
Entrada: 3 euros

Referencias

• Página web sobre compositores e intérpretes argentinos
• Entrada de compositores argentinos en la Wikipedia