A este espectáculo le falta cabeza, dirección, visión y entusiasmo por el material que se traen entre manos. Nadie pone en duda que la colonización fue una cosa de hombres que seguramente produjo muchas dudas en las mujeres. Tanto en las que llegaron con la intención de cristianizar como las que, perteneciendo a la clase superior de los indígenas, desposaron con el fuerte hombre blanco que mataba a su pueblo. ¿Realmente lo eran esos muertos de hambre que llegaban desde España en busca de fortuna? Eran otros tiempos. Tiempos en los que la espada imponía una forma de hablar y el cuerpo a cuerpo sucedía en la cama y en el campo de batalla. Algo que se debería haber tenido en cuenta a la hora de actualizar este artefacto musical, tanto en el texto como en la escena. Pues un clásico, por poco representado que sea, por muy recuperado que esté, es un clásico porque tiene una verdad para los seres humanos que lo disfrutan en cualquier época. Una verdad que cambia y se disfraza según la época pero que contiene algo rocoso que resiste y ha resistido al tiempo. Y que ofrece, a quien lo chupa, un sabor mineral y, a quien lo toca, una textura que tampoco es del gusto de todos.

No es de extrañar, que lo que se oye y se ve se convierta, para el que asiste despierto a la representación, en una ilustración banal. Desde la propia música, lo más cuidado del montaje, poniendo de manifiesto, una vez más, que el interés de Mortier es lo musical y entiende lo escénico como ilustrativo, por mucho que le pese a muchos. Incluida esta pretendida recreación contemporánea de la semiópera inglesa. Pues actualizar no es sustituir elementos antiguos por contemporáneos. Tampoco llenarla de referencias a la actualidad para acercarla al público, y menos aún a un público que desconfía de todo lo que le huele a o enseña la patita de contemporaneidad. No, el arte del pasado no se convierte en arte del presente porque los actores usen boxers, lleven trajes de camuflaje, empuñen metralletas y beban cerveza con los amigotes en Chiapas para relajarse entre riot y riot. Si a eso se le añaden que algunas voces, no muchas, tienen un fondo de musical americano, un deje, una resonancia, solo cabe calificar el espectáculo de despropósito. Aunque sea bienintencionado, pues en esta propuesta, ante la oscuridad y cierto aire de desprecio que siempre desprende la imagen de Currentzis, se encuentra el amable, cercano y cariñoso director de escena Peter Sellars. Pero, ya se sabe, de buenas intenciones está el cementerio de los espectáculos lleno. Y cualquier defensa de los mismos siempre resultó un ataque al arte.

Referencias

• Web oficial del Teatro Real de The Indian Queen (en español e inglés)
• Video promocional de The Indian Queen (en español e inglés subtitulado en español)
• Análisis de The Indian Queen por José Luis Téllez para el Teatro Real (en español)
• Críticas de The Indian Queen recogidas en la revista Beckmesser (en español)
• Teaser de la Ópera de Perm para The Indian Queen (en ruso)
• Encuentro con Peter Sellars sobre The Indian Queen en la Ópera de Perm (en inglés con traducción simultánea en ruso)
• Lista de reproducción de The Indian Queen en YouTube

Este Encuentro se distingue por poseer un programa de los más variados estilos, que busca el equilibrio entre lo conocido y lo novedoso, abarcando desde la música medieval hasta el jazz o la música contemporánea, lo que ha convertido al festival en un referente musical, no solo en la región extremeña, sino en toda España y Portugal.

El Festival Ibérico de Música de Badajoz se celebrará entre los días 26 de mayo y el 13 de junio, y, haciendo gala de su carácter cultural y didáctico, y por tercer año consecutivo, promoverá durante su primera semana el III Festival Joven, que tendrá lugar del 27 de mayo al 1 de julio, en el que el FIBM ofrecerá a jóvenes estudiantes de toda la península a punto de finalizar su formación o que acaben de hacerlo la oportunidad de participar en el festival y de familiarizarse con el entorno y la vida de un músico profesional. Además, el FIBM fomenta y favorece la valoración del patrimonio de la ciudad, celebrando sus conciertos en diversos espacios públicos como la Alcazaba o la iglesia de San Agustín, localizados en el casco antiguo de Badajoz, permitiendo así que, tanto turistas como ciudadanos de a pie, sean conscientes del patrimonio artístico e histórico que les rodea.

III Festival Joven

En su tercera edición, el Festival Joven demostrará superarse cada año en calidad. Alrededor de cuarenta jóvenes alumnos del Conservatorio Superior de Música de Badajoz demostrarán su destreza, actuando como solistas o en pequeñas agrupaciones de cámara en el Auditorio del nuevo edificio Caja de Ahorros de Badajoz.

El 27 y 30 de mayo a las 20,30h., los profesores de piano del Conservatorio Superior de Música “Bonifacio Gil”, Ángel Sanzo y Alexander Kandelaki, presentarán a sus alumnos que interpretarán obras de P. Hindemith, N. Médtner, A. Scriabin, M. Ravel, I. Stravinsky, W. A. Mozart, F. Chopin, R. Schumann e I. Albéniz.

El martes 28 de mayo será el turno del Tío Medea, el Trío Amadeus (violín, clarinete y piano) y el Cuarteto de Cuerda Glissandum, guiados por el pofesor de violín y música de cámara Joan Alonso. Interpretarán obras de D. Milhaud, A. Arutiunian y A. Dvòrak.

El Quinteto Mastropiero, a cargo de la profesora de viola Daniela Tudor, ofrecerá el miércoles 29 de mayo ofrecerá un programa con obras de S. Barber, J. Turina y J. Brahms.

El último concierto del III Festival Joven recaerá en manos del Ensemble Valencia Percussion Academy que, en colaboración con el Coro Lux contemporánea y bajo la dirección de Víctor Segura y Joan Soriano, cerrarán el Festival con obras de Steve Reich, Alberto Bernal e Iannis Xenakis.

Festival Ibérico de Música

El Festival Ibérico da su pistoletazo de salida el domingo 26 de mayo a las 20,30h., en el Patio de la Biblioteca de Extremadura, dentro del espacio de la Alcazaba. El concierto de inauguración recae en manos de la Banda Municipal de Música de Badajoz, fundada en el año 1867, dirigida por Vicente Soler Solano y que siempre fue y será un referente claro en los orígenes del Festival. Para esta inauguración, contará con la participación del Coro Proyecto Berlioz, guiado por la soprano pacense Celia Sánchez del Río. Ambas agrupaciones ofrecerán un programa conmemorativo al bicentenario del nacimiento (1813) de dos de los más grandes compositores de la época romántica, Richard Wagner y Giuseppe Verdi e interpretarán, además, una de las obras maestras de Héctor Berlioz: La Gran Sinfonía Fúnebre y Triunfal.

El siguiente encuentro será el sábado 1 de junio. Esta vez los protagonistas serán agrupaciones de jóvenes músicos extremeños y portugueses, amateurs y de los conservatorios de Alentejo y Extremadura, que un año más darán vida a la propuesta del FIBM Música en la calle/Música na rua en la que el festival se aleja de sus escenarios habituales para hacer partícipe a todo el público en general. Los grupos de jóvenes se repartirán por el centro de la ciudad, ofreciendo a los transeúntes un agradable paseo musical que dará comienzo a las 12,30h. Un año más la Banda 14 de janeiro regresará como invitada al templete de San Francisco.

El domingo 2 de junio el Ensemble NeoArs Sonora, nacido en 2008 y consagrado a la interpretación música contemporánea así como a la difusión y promoción de la misma, actuará a las 12h., en el Teatro López de Ayala en un concierto para toda la familia. La agrupación interpretará La Voz de la Tierra, una obra de Rafael Liñán que introduce escenas sonoras que varios compositores actuales han creado sobre animales y elementos de la Naturaleza.

El miércoles 5 de junio a las 21h., el escenario será la Iglesia de Santo Domingo, en la cual el Ensemble de Brandemburgo interpretará los Conciertos de Brandemburgo n. 1, 3 4 de J. S. Bach en homenaje a un activo socio y amigo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz, Gaspar Rodríguez, fallecido el pasado mes de marzo.

El Patio de la Biblioteca de Extremadura vuelve a acoger al Festival el sábado 8 de junio con la actuación, a las 22,30h., del grupo multiétnico y multicultural Ogún Afrobeat. Las manifestaciones musicales de diferentes culturas también tienen cabida en el Festival Ibérico de Música bajo el concepto World Music. El grupo Ogún Afrobeat, formado por músicos nigerianos, cubanos, norteamericanos y españoles traerán al festival ritmos y melodías de África, América y Europa, en una simbiosis de estilos tradicionales y de funk, disco y soul. Interpretarán piezas clásicas del multiinstrumentista y cantautor nigeriano Fela Kuti junto a composiciones de los miembros de la banda.

El Palacio de Congresos “Manuel Rojas” de Badajoz se convertirá en el escenario para el siguiente concierto del Festival, que tendrá lugar el día 9 de junio a las 21h., y que recaerá en manos de la Orquesta Sinfónica de ESML (Lisboa) formada por jóvenes estudiantes de música portugueses y dirigida por Vasco Pearce De Azevedo. La Orquesta ofrecerá un programa con obras de los compositores portugueses Joâo Madureira y Nuno Corte, del compositor alemán Paul Hindemih y de W. A. Mozart. El pianista Pablo Márquez Carrascal actuará como solista invitado.

El lunes, 10 de junio a las 21h., en el Teatro López de Ayala, la agrupación creada por el Festival Ibérico de Música de Badajoz interpretará La canción de la tierra de Gustav Mahler en la versión de Arnold Schönberg para orquesta de cámara. Grandes intérpretes extremeños o próximos a la región como la mezzosoprano Elena Gragera, el  tenor manchego José Ferrero o el actual director titular de la OEX serán invitados a participar en esta agrupación

El martes 11 de junio a las 20,30h., disfrutaremos en el Salón Noble de la Diputación de Badajoz el concierto que llevará a cabo el grupo de música antigua La Real Cámara., dedicados principalmente y desde su creación en 1992 a la recreación de música española. El concierto, titulado “Boccherini y la Música Ilustrada Española”, nos ofrecerá los Cuartetos para clave,  violín, viola y violonchelo G 259, junto a obras de compositores del siglo XVIII como Enrique de Ataide y Portugal y Manuel Canales.

El penúltimo concierto será a cargo de la pianista Tamar Beraia, un recital que tendrá lugar el miércoles 12 de junio a las 21h., en el Teatro López de Ayala. Esta pianista georgiana de reconocible talento presentará un programa de estilos muy diferentes que incluirá obras de Bach, Busoni, Chopin, Wagner, Liszt, Messiaen y Albéniz, haciendo gala de la diversidad y variedad de estilos y épocas que caracterizan a este singular festival.

Para finalizar el Festival, el concierto de clausura recaerá en manos de la OEX (Orquesta de Extremadura), dirigida por Álvaro Albiach. Será en el Palacio de Congresos “Manuel Rojas” de Badajoz el día 13 de junio a las 20,30h., y el programa lo conformarán las obras encargo de la Sociedad Filarmónica a los compositores extremeños Jerónimo Gordillo y Juan Ignacio de la Peña, el concierto para saxofón y orquesta de Glazunov que interpretarán la OEX en colaboración con el excelente saxofonista valenciano David Alonso y, como broche final, la popular sexta sinfonía de Beethoven.

Un total de quince actuaciones y conciertos que harán las delicias de los habitantes de Badajoz y de todos aquellos amantes de la música que deseen acercarse a compartir con la región extremeña esta muestra del arte musical ibérico que se ha sucedido a través de la historia.

Información

Sociedad Filarmónica de Badajoz
Teatro López de Ayala
Plaza Minayo
06002 Badajoz, Extremadura
Tel: 924 01 31 40 / 625 19 90 41
E-mail: sfilarmonicaba@gmail.com
Web: www.sfilarmonicaba.net

Referencias

• Web del Teatro López de Ayala
• Programa de conciertos [PDF]

Circunscribiendo la temática de la celebración, el festival se hará eco también del Año Dual España-Japón, el cual celebra los 400 años de relaciones bilaterales entre ambos países.

Enclavado en la llamada Milla de Oro, en pleno corazón de la Ribera del Duero, el festival viene a conmemorar la promulgación de la primera carta puebla fundacional en 1013 por Sancho García, Conde de Castilla. Señor de Peñafiel y nieto de Fernán González, también conocido como “el de los Buenos Fueros”, Sancho García fue una figura clave en la historia de la Reconquista Española. A él se atribuye la frase “Esta será la peña más fiel de Castilla”, inscrita en el escudo de Peñafiel, la cual dota de su actual nombre a la villa ribereña.

Con una decidida apuesta enoturística y un marcado carácter integrador, Ángel Arranz, compositor y director artístico del festival, crea alrededor de Peñafiel Milenio 2013 una programación deslocalizada en el tiempo y en el espacio que gravita entre la vanguardia y la tradición como fórmula de excelencia. El festival dará a conocer músicas antiguas y músicas nuevas, dando paso también a formatos clásicos, las cuales serán plasmadas por artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio internacional durante tres tramos estructurados por estaciones.

Programación en tres tramos

El tramo de primavera se compone de tres conciertos concentrados en la jornada del sábado 18 de mayo. Arrancará el festival en un estruendo organizado a las 13 h. en el Parque de San Vicente de Peñafiel, con una intervención sonora alrededor del espacio urbano de la ciudad, en donde más de cien  artistas del colectivo de músicos de Peñafiel acompañarán al maestro japonés Katsunori Nishimura. Toposonía es una performance en la que el trazado arquitectónico de Peñafiel es usado como un instrumento global resonante.

Este mismo día a las 18 h. será el turno de Sigma Project Quartet, una de las formaciones españolas más señeras en el terreno de la música contemporánea y experimental. Sigma Project ofrecerá un concierto itinerante que recorrerá las instalaciones de Museo Provincial del Vino – Castillo de Peñafiel.

La jornada finaliza en el claustro de Hotel Convento Las Claras con el concierto a las 20,30 h. de El Trovar de los Afectos. Esta agrupación barroca interpretará un programa con talante historicista basado en los viajes de una de las figuras más importantes de la música castellana e universal de todos los tiempos: Antonio de Cabezón.

En su tramo otoñal, tras la vendimia y como clausura de festival, Peñafiel Milenio 2013 presentará dos conciertos: el pianista e investigador Antonio Baciero y la actuación del dúo formado por la pianista Akane Takada y el clarinetista José María Santandreu. Ambos conciertos tendrán lugar en un interesante marco: las nuevas instalaciones de Bodegas Protos de Peñafiel diseñadas por Sir Richard Rogers.

Todas las actividades son de libre acceso y no precisan de reserva previa. Durante las jornadas del festival las visitas a los museos de la villa serán a puertas abiertas.

Información

Festival Peñafiel Milenio 2013
The DK <projection>
Ángel Arranz, director artístico
E-mail: info@thedkprojection.com
Web: www.thedkprojection.com

Referencias

• Web oficial del festival
• El festival en Facebook

Esta obra es el encargo del Festival de Música de Canarias para su 29 edición, que se desarrollará por todo el archipié-lago desde el 11 de enero al 12 de febrero de 2013.

Como nos ha contado el propio autor desde Berlín, se trata de ”una obra ecléctica en un único movimiento, pero con tres partes bien diferenciadas.” Como indica Jacobo Durán-Loriga en las notas al programa, “El inicio de la obra muestra un estatismo roto por agitaciones paroxísticas, contrapuntos y obstinati. Se enlaza con una sección rápida de sorprendente arranque: un hilarante diálogo entre solista, tuba y bombo al que se sumarán nuevos elementos. Señalemos la presencia de cuatro bidones empleados como tambores metálicos. Tras un formidable tutti arranca un capítulo de introspección no carente de solemnidad, que contrasta radicalmente con la parte final, llena de brillantez rítmica, y que desemboca en la cita de algunos compases de la fuga en si mayor de ’El clave bien temperado I’. El autor confiesa una pasión por la música barroca, y en especial por Bach, a quien rinde aquí tributo.”

El concierto se repetirá el día 20 de enero en el auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

El compositor nos comenta que con este estreno comienza un año muy intenso para él, no únicamente en el campo creativo, sino también en el de la gestión cultural, su segunda pasión. Actualmente está trabajando en cuatro encargos, y ya tiene programadas casi una decena de obras en diferentes países. En el campo de la gestión, aparte de continuar dirigiendo la editorial PERIFERIA Sheet Music, tiene un proyecto muy importante en Berlín del que todavía no quiere dar más detalles.

Información

Festival de Música de Canarias
E-mail: info.festival@canariasculturaenred.com
Web: http://www.gobiernodecanarias.org/ccdpsv/cultura/festivaldecanarias/es/

Referencias

• Web oficial de Nino Díaz
• Web oficial de Cristo Barrios
• Web oficial de la orquesta del Teatro Mariinsky

Lo cierto es que lo que ocurre en escena no funciona y en la orquestación se oyen no pocos pasos en falso que remiten a la música banal de tantas y tantas películas. Aunque en palabras del periodista Téllez esta segunda orquestación de Boesmans es mejor que otra que hizo hace ya muchos años, también encargo de Mortier cuando este era director artístico de La Monnaie. Y eso que técnicamente el montaje es impecable. Tanto en interpretación vocal como actoral (ver a los cantantes reptando por el suelo a la vez que cantan y que se les escuche en la última fila es un prodigio). Sin olvidarse de lo orquestal, una orquesta como la Klangforum Wien que suele “nadar” en el repertorio contemporáneo.

¿Y el discutido trabajo de dirección de escena? También es, desde el punto de vista técnico, impecable. Aunque según la afición habitual del teatro pertenece a lo que llaman “mortiertadas”. Que suele significar un acercamiento a las maneras y/o a los referentes que son muy queridos a nuestra época por el arte contemporáneo o, el que siendo ya un clásico, se le sigue denominando contemporáneo. Esta vez la historia se sitúa en el aula de un high school elitista estadounidense o inglés donde se han formado bajo la atenta mirada y dirección de Séneca, fuente de sabiduría y conocimiento, los cachorros que tomarán el poder y protagonizarán el drama. Unos cachorros que cuando dirigen Roma, vacían el high school para convertirlo en la cloaca del poder. Lugar de entrenamiento de milicias. Lugar de torturas. Lugar presumiblemente abandonado donde esconder todo lo que la sociedad no quiere ver. Los personajes vienen de fuera, de donde se celebra presumiblemente la brillante fiesta, para entrar al aula donde sucede el drama. Porque donde se supone que todo se aprendió, realmente no se aprendió nada. Y si nada se sabe, ni la fortuna, ni la virtud, ni si quiera el amor, nos salvan. Pues convierten a los seres humanos en peleles del azar, de la norma o del deseo. Visto de esta manera no es extraño que el cadáver de Séneca presida gran parte del segundo acto tendido en una cama de zinc de las que se usan y se siguen usando “urbi et orbi” en las morgues.

Si la idea es tan clara, ¿cuál es el problema? Seguramente, las expectativas del público juegan su papel pues no hace poco paso por el mismo teatro “otra” Poppea e Nerone más clásica. Aunque no se puede olvidar el espacio tan grande a llenar que diluye la acción de los protagonistas e impide apreciar la teatralidad con la que interpretan los cantantes. Perdidos en ese inmenso espacio, la caja escénica expuesta casi al completo, el público no los encuentra ni los ve. Se despista pues el espacio se los come. Vivos. Crudos. Sin embargo, si se mira a las pantallas que el teatro tiene para salvar los defectos de visibilidad de gran parte de su aforo, descubre un montaje diferente, atractivo, muy en la línea de Fassbinder o en la hoy en día tan común confusión de géneros que convierte al transexual o al gay (a lo que siempre se ha prestado esta obra por el tipo de voces masculinas que requiere) en arquetipo estético que permite hablar de ética y a los deseos sexuales en la explicación de casi todo. Sin olvidar la complejidad de los textos, que exige atención a los sobretítulos, y la longitud de la obra. En definitiva, exigencias que obligan al espectador a prestar atención en todo momento, a mantenerse alerta si quiere disfrutar, lo que sin duda agota, cansa. Pues el rigor con el que director de escena presenta la obra no da tregua ni momento de descanso a cuerpos ya agotados, cansados y que buscan en la música “aquel tiempo tan feliz” donde el amor sencillamente triunfaba y el miedo no se palpaba en los bolsillos. Y con estas, ni te miro, ni te gozo, ni te abrazo, ni tuyo soy todo lo contrario de lo que se cantan en el duetto finale de esta ópera sus dos protagonistas: Poppea y Nerone.

Referencias

• Página de Poppea e Nerone del Teatro Real (en español)
• Vídeo promocional sobre Poppea e Nerone en el Teatro Real(en francés e inglés con subtítulos en español)
• Conferencia de José Luis Téllez sobre Poppea e Nerone (en español)
• Duetto final de L’incoronazione de Poppea en YouTube, con partitura (en italiano)
• Página Web oficial de Klangforum Wien (en inglés y en alemán)

De los 10 ciclos de que consta la propuesta del CNDM para este año, nos centraremos en aquellos que afectan a la música de nuestros días y del pasado más inmediato. Estos ciclos son el ya habitual SERIES 20/21, el más “pegado” a la creación actual, el mencionado Proyecto pedagógico, y la nueva propuesta Bach Modern, que se mueve en torno a la idea de “diálogo abierto entre la música antigua y la moderna“. Las cifras de estos ciclos dedicados a la creación contemporánea y del siglo XX –algo que posiblemente sólo sea interesante observar a efectos comparativos y de evolución respecto a otras temporadas- se mueven en un total de 32 conciertos (en el total de los ciclos mencionados), el estreno de 22 nuevas composiciones –12 de ellas encargo del CNDM-, contabilizando un total de 139 partituras pertenecientes al siglo XX y 67 al presente.

Una programación ecléctica

Lo primero que se observa en el ciclo SERIES 20/21 es la mayoritaria presencia de intérpretes españoles en el espacio Auditorio 400 del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía): Camerata del Prado, Gabriel Estarellas, Trío Arbós, SMASH ensemble, Grupo Instrumental Siglo XX, Grupo Cosmos 21, Grupo Enigma, Sax-Ensemble, Ensemble Espai Sonor, Cuarteto Quiroga, Atelier Gombau, y una excepción internacional, el Cuarteto de Leipzig, que traerá a escena el tercer concierto dedicado a Bartók. En este sentido es evidente que la programación –como es habitual en este contexto- se traza hilando las propuestas que emanan de los intérpretes y las líneas de interés de la temporada. Esta fórmula –ya “histórica” como modo de proceder de las unidades del INAEM dedicadas a difundir la música contemporánea (recordemos al CDMC en este sentido)- hace posible compatibilizar las inquietudes de los intérpretes con la línea de programación que marca la institución pública, algo imprescindible para establecer los lógicos equilibrios que deben reinar en estos ámbitos.

Respecto al segundo espacio donde se desarrollará el ciclo SERIES 20/21, la sala de cámara del Auditorio Nacional de Música, la programación se plantea a través de un plantel de intérpretes de perspectiva más internacional y con apriori interesantes combinaciones: Viktoria Mullova/The Matthew Barley Ensemble, Ute Lemper/Cuarteto Vogler, Cuarteto de Tokio, Bertrand Chamayou, Cuarteto Brodsky, Daniel Hope/Sebastian Knauer, Jörg Widmann/Claudio Bohorquez/Katja Skanavi, Fretwork, Bcn216, Neopercusión/Markus Stockhausen, Cuarteto Kopelman/Elisabeth Leonskaja y Cuarteto Kronos.

En ambos espacios donde se desarrolla el ciclo SERIES 20/21 –Auditorio 400 y Auditorio Nacional- la propuesta del CNDM es bastante clara, poniendo énfasis en una variedad estética que quiere satisfacer a públicos diversos con el objetivo de atraerlos, desde otros contextos, a la música de nuestros días y a aquella compuesta en el siglo pasado. La única reserva que podría hacerse es la limitada presencia de músicas de carácter más experimental y avanzado que –aunque representadas en alguna medida en los conciertos de Espai Sonor y SMASH ensemble- quizá podrían tener mayor peso en el conjunto de la programación. Aunque, en este sentido, lo cierto es que poco se puede objetar a la línea de programación del CNDM, pensada para cubrir un espectro que ya es muy amplio si pensamos en la gran extensión del repertorio de todo un siglo y más de una década del siguiente. Otra cosa sería preguntarse si la fusión de las antiguas unidades de producción en una única permite atender debidamente las necesidades de la creación más reciente. Pero esto es otro debate, ajeno a cualquier crítica posible sobre la programación planteada por el CNDM, y sería razonable plantearlo en el marco de una reflexión más amplia sobre cómo articular el tejido cultural en nuestro país, tanto desde el contexto público como desde el privado.

Cabe también destacar el mencionado antes ciclo Bach Modern, un diálogo planteado entre la música de Bach y la de nuestro tiempo, con programas que unirán al compositor barroco alemán con autores presentes y del pasado siglo como Shostakóvich, Berio, Schnitke, Kurtág, Lachenmann, Rihm, Joan Guinjoan, Michael Nyman, Tomás Garrido, Jesús Navarro y Manel Ribera. El ciclo estará protagonizado por intérpretes como Nicolas Hodges, Lluís Claret, Isabelle Faust, Andrea Bacchetti, Pierre Hantaï o Elisabeth Leonskaja. Una interesante combinación, que entronca bien con el nuevo interés que se percibe desde diferentes puntos por indagar en las relaciones entre épocas, especialmente entre música contemporánea y antigua.

Subciclos, homenajes, encargos y estrenos

En el complejo trazado de la temporada CNDM encontramos, dentro de los ciclos mencionados, otros subciclos: “Bartók Première”, que traerá la integral de los cuartetos del compositor bohemio; “Músicas degeneradas”, acercándonos a la producción de autores como Schulhoff, Weill, Eisler, Korngold, Zemlinsky, Messiaen, Krenek, Hindemith o el español Gerhard; la segunda edición de “Fronteras”, que pretende la escucha de nuevas propuestas en el contexto de un panorama musical ajeno a cualquier adscripción estética, en el que se enmarcan los conciertos de Matthew Barley Ensemble y Viktoria Mullova, Ute Lemper y el Cuarteto Vogler, el consort de violas Fretwork, el conjunto Neopercusión con Markus Stockhausen y el Cuarteto Kronos; y “Homenajes”, que estarán dedicados en esta ocasión a Dmitri Shostakóvich, con la integral de sus 15 cuartetos de cuerda, Sofia Gubaidulina, John Cage, en el centenario de su nacimiento, y Tomás Marco, en el de su 70 aniversario.

En el capítulo de encargos directamente realizados por el CNDM podemos observar que siete de los ocho corresponden a autores españoles –Gabriel Erkoreka, Carlos Galán, José Luis Greco, Cristóbal Halffter, Eduardo Pérez Maseda, Jesús Villa Rojo y Mercedes Zavala–, y los dos restantes a la compositora rusoamericana Lera Auerbach y al inglés Michael Nyman. Además de estos encargos del CNDM, habrá estrenos absolutos del compositor griego residente en Francia Georges Aperghis, y de los españoles Manuel Millán, Miguel Ángel Jiménez, Zulema de la Cruz, Juan Antonio Medina, Eduardo Morales, David del Puerto, Manuel Angulo y María Eugenia Luc. Como estrenos en España podremos asistir a otro buen número, entre los que cabe destacar el del español Alberto Hortigüela y numerosos de autores europeos como Harrison Birtwistle, Wolfgang Rihm, John Woolrich o Steve Reich, entre otros.

En conclusión, una temporada nutrida y variada, y que pensamos posee dos virtudes evidentes: por un lado, la búsqueda de nuevas propuestas dentro de una línea de programación muy marcada; por otro, el mantenimiento de muchas de las iniciativas ya existentes que habían demostrado sobradamente su interés.

Información

Centro Nacional de Difusión Musical (INAEM)
Auditorio Nacional de Música
c/ Príncipe de Vergara, 146. 28002 – Madrid
Tel: 91 337 02 34/40
E-mail: cndm@inaem.mcu.es
Web: http://www.cndm.mcu.es

Referencias

• Descargar programación de la Temporada 2012-13 del CNDM en PDF [enlace externo]

Y todo esto ¿para qué? Desde luego no para demostrar que se puede hacer ópera o teatro musical en cualquier lado, lejos de los mastodónticos presupuestos que se manejan. Este sueño no cae en esa banalidad. Se nota, viéndolo, que es consciente de que también pueden ser necesarios esos presupuestos para otros montajes y que este mismo montaje se podría haber beneficiado de mayor holgura presupuestaria. No, no parece haber nacido con esa intención. Sino con voluntad de experiencia. La experiencia que todo espectador debería llevarse a casa. La experiencia de uno mismo, del reconocimiento de lo que se es y de su entorno. Y hacerlo cambiar, moverse, al igual que los amantes cambian los sujetos de su amor, gracias al filtro musical de La Reina de las Hadas. Una hermosa metáfora de cómo la mediación musical mueve a esos seres humanos ficticios que se ven en el escenario a cambiar, a veces en lo más intimo, y, seguramente mueven a los seres humanos reales que se sientan en el patio de butacas.

Este es pues un reducido lío de príncipes y princesas enamorados o desenamorados que se siguen y persiguen. Que se declaran amor o se lo niegan. Y que lo mismo en un caso como en otro pueden sentirse sujetos deseados o sujetos burlados. Amor, ese niño pequeño que juega. Déjesele hacer. Pues sus obras maravillan y han maravillado a espectadores de todas las clases y condiciones a lo largo de los años. A lo largo de los siglos. Hasta ocupar su imaginación y sus sueños, haciéndoles pasar al otro lado. El lado donde todo es posible. Donde una reina se enamora de un burro, pero, también, un burro se enamora de una reina. Un estado de ensoñación en el que nuestra mente engaña a nuestros sentidos. El otro lado al que transporta la música. Puesto que los murmurantes arroyos traen agradables sueños, déjeseles hacer. Y los dioses bendigan lo que ha unido el hombre. O, let me forever weep. Pues entre el hoy y el ayer solo hay unos cuantos pasos de breakdance.

Referencias

• Video con el reparto de El Sueño de la Reina de las Hadas (en español) 
• El Sueño de la Reina de las Hadas – Sala Triángulo  (en español e inglés)
• Partitura de O, let me weep/The Plaint (cantada en inglés sin subtítulos)
• Ficha de El Sueño de las Hadas en Red Escena (en español)
•  Ficha de la compañía Pedro Lagarta en Red Escena (en español)

Centrándonos en la parte de creación musical, el jurado ha premiado la obra incidental de Posadas por “la evolución de su lenguaje musical, que se enraiza en la escuela de Francisco Guerrero y que combina una sólida factura técnica con la singularidad expresiva en el uso de otros componentes de fuerte sentido dramático, que se nutren de campos como la pintura, la arquitectura y el movimiento; elementos puestos de manifiesto de una manera muy significativa en su reciente composición para ballet, ‘Glossopoeia’, la evolución de su lenguaje musical, que se enraiza en la escuela de Francisco Guerrero y que combina una sólida factura técnica con la singularidad expresiva en el uso de otros componentes de fuerte sentido dramático, que se nutren de campos como la pintura, la arquitectura y el movimiento; elementos puestos de manifiesto de una manera muy significativa en su reciente composición para ballet, ‘Glossopoeia’“.

El jurado que ha concedido ambos premios estuvo presidido por Félix Palomero, Director General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), actuando como vicepresidente Antonio Garde, Subdirector General de Música y Danza, así como José Antonio Campos Borrego, Cristina Bordas Ibáñez, Mari Carmen Palma Claudín, Jesús Rueda Azcuaga, Laura Vega Santana, Elena Mendoza López (premiada en 2010 en la modalidad de Composición) y Diego Fernández Magdaleno (premiado también el año pasado en la modalidad de Interpretación).

Recordamos, a aquellos que no lo leyeran en su día, la lectura de la entrevista que hicimos al compositor en nuestro número de mayo del pasado año, con motivo del estreno en España de la obra destacada en este Premio Nacional.

Referencias

• Biografía de Alberto Posadas en la Wikipedia
• En torno a “Glossopoeia”: entrevista con Alberto Posadas
• Web oficial de la Orquesta Barroca de Sevilla

Frente a la rigidez de un auditorio o sala de conciertos, los ciclos de Crasmúsicas tiene lugar en clubs, cafés, espacios culturales y ambientes donde la gente acude habitualmente, se siente libre de constricciones y puede ejercer una recepción más activa y, no condicionada, de las propuestas. El objetivo último es la creación de un contexto de escucha estimulante y deshinibido, que atraiga nuevos públicos y sorprenda a los más experimentados.

Para el primer ciclo, que se desarrollará en cuatro sesiones de periodicidad mensual, contaremos con la presencia de artistas de la talla de Julián Elvira, Tomás Garrido, Jesús Navarro, Rec_Overflow y Edith Alonso, además de Christian del Moral aka Adapt, Antony Maubert, Raúl Balbuena, Rafael Holgueras y el Ensemble Bernard de Chartres de la BSMM. Entre las prácticas a exponer destacan, la improvisación en vivo; la hibridación entre instrumentos y
estéticas de diferentes culturas; la experimentación sonora; remezclas electrónicas a partir de sonidos acústicos; re-contextualización, descomposición y retro-alimentación a partir de música escrita y todo lo demás que los artistas propongan durante sus performances.

[Información proporcionada por Crasmusicas]

PROGRAMA 1
Domingo 25 de septiembre, 20 h.
Ensemble Bernard de Chartres & Adapt (Christian del Moral)
Flauta-clarinete-tuba-oboe-trompa y electrónica.
Formación camerística clásica con obras de György Ligeti, Evis Sammoutis y Eduardo Costa, entre otros, remezcladas, en tiempo real, por Adapt. Un proceso de retro-alimentación entre las obras, los intérpretes y el productor sonoro.

PROGRAMA 2
Domingo 16 de octubre, 20 h.
Tomás Garrido & Rec_Overflow
Viola da gamba y electrónica.
El sonido del barroco con instrumento y técnica original, en simbiosis con la electrónica urbana más actual.

PROGRAMA 3
Domingo 13 de noviembre, 20 h.
“Pangwe lingua” Julián Elvira & Jesús Navarro
Flautas y electrónica.
El mundo hindú de los ragas, la cultura japonesa vinculada a sonidos evocadores de la naturaleza, la música árabe y nuestra propia tradición, incluyendo el jazz y la música clásica contemporánea. Todo ello presentado con una sonoridad que discurre entre lo arcaico y lo ultra vanguardista.

PROGRAMA 4
Domingo 18 de diciembre, 20 h.
Edith Alonso, Antony Maubert, Raúl Balbuena & RaRRafael
Holgueras
Bansuri, tabla, sitar y electrónica.
Improvisación experimental con sonidos originales de culturas asiáticas. Tradición y vanguardia, cruce de culturas y estéticas.

Información

C/ Concepción Jerónima 22, Madrid
(Metro: Sol, La Latina, Tirso de Molina)
entrada con consumición 6 €
Webs: www.crasmusicas.com / www.utopicus.es

Referencias

• Descargar programa del ciclo en PDF [enlace externo]

Vanitas es un largo lied en un cuarto cerrado, la canción intempestiva de una mujer que va siguiendo el curso de sus reminiscencias –esa facultad para sacar lo que percibieron los sentidos y retuvo la memoria- desplegadas en la fantasía como recuerdo de lo que pudo ser, y que proyectan su imagen sobre una de las paredes del cuarto. La escena es una habitación casi vacía que, como es sabido, resulta más inhóspita y desoladora que una habitación vacía del todo; un lavabo, una silla, un radiador, objetos cotidianos sin escapatoria, que están más dentro que fuera, y que la mujer va descubriendo precisamente más para entrañarlos que para extrañarlos. De igual forma, la música no es un tiempo de acción pero tampoco un tiempo muerto, sino, por decirlo así, la vivencia del tiempo en una canción cuyo eco en el recuerdo dura más que la canción misma.

La obra del palermitano concluye con un larguísimo glissando del cello, como esa última respiración o esa canción última ya al borde del vacío. Vanitas, esa “vanitas vanitatum” del Eclesiastés, ese vacío que deja la caducidad de las cosas, su fragilidad, y por tanto la desolación con la que nos vamos construyendo en tanto que nos vamos perdiendo, porque a la llegada de la muerte, ya hemos muerto muchas veces,  a cada instante y en cada cosa que ha desaparecido. El ir muriendo de la angustia barroca ya no es el camino por el que pasamos, “nuestras vidas son los ríos…”, de la Edad Media, ahora en ese tránsito está ocurriendo ya el destino, de tal manera que para recordar la vida, recordamos la muerte. Y la única acción posible es la reconstrucción en la representación, que sería una forma de ir resucitando todo lo que va muriendo, traer lo desaparecido de vuelta a la vida. Y es así cómo los hombres, para quienes parece no haber algo que pueda llamarse “realidad”, vamos haciendo nuestra vida a la vez que la vamos perdiendo, en un juego de recuerdo y olvido que conforman la memoria, el mundo como imagen del mundo donde es más frágil vivir que rememorar. Olvidar es la condición de la memoria, morir es la condición de la vida, así que todo lo que tenemos  –esto parece querer mostrarnos la obra de Sciarrino-  son ecos, voces que vuelven (desde lo que fue o desde lo que será, no importa) con una cualidad distinta a la que tenían cuando salieron, vibraciones que sólo regresan cuando aún hay un límite contra el que despeñarse.

Vanitas se presenta como ópera de cámara, con dirección escénica de Rita Cosentino y realización de vídeo de Celeste Carrasco. Interpretada por el pianista Riccardo Bini, Marisa Martins, mezzosoprano, y Dragos Balan, violonchelo.

Referencias

• Web del 27 Festival de Música de Alicante
• Programa en PDF del festival, con las notas al programa de Vanitas [enlace externo]
• Blog de la directora de escena, Rita Cosetino
• Salvatore Sciarrino en la Wikipedia