Este minucioso y cuidado texto que presentamos, como la primera parte, está escrito por Juan José Raposo, compositor y musicólogo andaluz especialmente preocupado por la obra de Nono y sus vínculos –tan frecuentemente olvidados o poco observados- del compositor veneciano con España. De la mano de Juan José Raposo son también los estudios “Luigi Nono y Nuria Schönberg. Las obras del encuentro” (publicados en Sul Ponticello también segmentados: parte I y II), y “Luigi Nono. Epitafios lorquianos: Estudio musicológico y analítico” (Hergué Editorial, Huelva, 2009. ISBN: 978-84-96620-36-0).

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Referencias

• Fondazione Archivio Luigi Nono Onlus de Venecia
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El compromiso político es posiblemente la seña de identidad más conocida de Luigi Nono y está presente, de una forma u otra, desde sus primeros trabajos. La lucha contra las tiranías genocidas que han manchado de sangre muchas páginas del s. XX, es una constante  en su trabajo. Estos “gélidos monstruos” han poseído en la obra de Nono diferentes rostros: la Alemania de Hitler, el régimen de Franco, las dictaduras militares en Hispanoamérica, la Guerra del Vietnam, el holocausto nuclear, etc. Pero este “camino” personal y artístico comenzó más centrado en la denuncia de los regímenes de Adolf Hitler y Francisco Franco. Con esta cantata Nono se centra en uno de los episodios más tristes, oscuros y dantescos del siglo XX y de la Guerra Civil Española, el bombardeo de la población vasca de Guernica en 1937. Luigi Nono se suma, de esta forma, al grupo de artistas que han alzado la voz contra estos trágicos hechos. La locución más famosa ha sido la del pintor malagueño Pablo Picasso, cuyos pinceles inmortalizaron estos terribles hechos en uno de los cuadros más famosos de la historia del arte.

La victoire de Guernica conjuga dos mundos aparentemente alejados y hasta antagónicos, el folclore popular y la praxis serial. Esta mezcolanza, propia de su primera etapa creativa, fue vista con cierto recelo por la ortodoxia serial europea. Pero donde otros vieron contradicción, un alma enamorada de la polifonía renacentista encontró un nexo de significado y fuerza expresiva. La victoire de Guernica posee un dramatismo sonoro comparable al ostentado por Il canto sospeso (1956), obra capital de la época serial del veneciano, aunque no atesora las dimensiones temporales de ésta.

Volviendo a este trabajo de investigación, debido a sus amplias dimensiones será publicado en dos partes. La primera está formada por distintos textos que introducirán al lector en la génesis de la obra y los hechos históricos que la circundan. Debido a la distancia temporal del bombardeo a la población vasca y a la escasa memoria histórica, he creído necesario introducir el trabajo con unos escuetos apuntes históricos. El segundo punto profundiza en las canciones populares presentes en La Victoire de Guernica, estudiando sus orígenes además de su vigencia dentro de la contienda militar española. Sólo de esta forma es posible apreciar el significado verdadero que poseen en la obra de Nono. El tercer pasaje explica las circunstancias musicales y personales que influyeron en la composición de este mural de impresionante belleza. Así mismo introduce a la cantata en el conjunto de obras creadas por L. Nono  inspiradas en la condena del nazismo alemán y el nacional – catolicismo español. El punto cuarto explica el amplio significado de la dedicatoria presente en la partitura, cerrando así esta primera parte del trabajo.

En esta primera entrega están expuestas abundantes citas de Luigi Nono, introduciendo, en cierta forma, la voz del maestro. Estos escritos están redactados en su italiano original, en consecuencia el lector conocedor del idioma podrá traducirlos libremente. Estas citas están trasladadas al castellano en las notas colocadas a pie de página. Soy responsable de tal empresa y en este cometido he intentado ser preciso y claro.

El análisis de la partitura se publicará en la segunda parte de este estudio. La indagación sobre esta partitura se ha realizado desde los propios esbozos de Luigi Nono. Sólo partiendo de las fuentes primarias es posible examinar y comprender en toda su grandeza estética y técnica una obra de esta envergadura. Desde aquí doy las gracias a la Fondazione Archivio Luigi Nono Onlus por permitirme trabajar con el legado del maestro veneciano. A día de hoy no existe análisis publicado de esta partitura, por lo que podríamos catalogar esta publicación de primicia musicológica. El análisis realizado alcanza hasta los más pequeños detalles de la pieza, consiguiéndose con su lectura un conocimiento muy profundo de la misma. La redacción está acompañada de abundantes e indispensables ejemplos musicales, facilitando así la comprensión y visualización de las tesis analíticas presentadas.

Es realmente triste que una obra de esta envergadura, inspirada en un tema tan sumamente conocido mundialmente, no esté a día de hoy registrada y publicada por sello discográfico alguno. Sólo existe una grabación en posesión de la Fondazione Archivio Luigi Nono Onlus[1]. Se suma, de esta forma, a una corta lista de piezas del genio veneciano aún no recogidas en grabaciones discográficas. Hace escasos meses vio la luz la composición de 1986,  Risonanze erranti. Liederzyklus a Massimo Cacciari. Esperemos el pronto ocaso de esta lamentable ausencia discográfica.

Concluyendo esta introducción, me gustaría resaltar el fin último y más importante de este artículo, la difusión de la obra de Luigi Nono y especialmente la divulgación de esta impactante cantata, a fin de encontrar una mayor presencia de la música de este gran compositor en los auditorios y conservatorios españoles.

Creo justo señalar la única ejecución de esta obra en España, concretamente en Rentería (Euskadi), en la Iglesia de P.P. Capuchinos, el 23 de mayo de 1987, dentro de la XV Semana Musical en Rentería, Musikaste. La ejecución corrió a cargo de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y el Coro Andra Mari, con José Luís Ansorena como maestro de coro y Matthias Kuntzsc en la dirección. La cantata cerró un concierto completado con obras del compositor vasco José María Usandizaga (1887 – 1915)[2].

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Notas

[1] Maggio Musicale Florentino. 15 de enero de 1999. Teatro Comunale de Florencia. Orquesta y coro del Maggio Musicale Florentino, director Zubin Mehta.

[2] Programa del concierto:

1. Obertura sobre un tema de canto llano.….J. M. Usandizaga.
2. Irurak bat………………………………………….…….J. M. Usandizaga
3. La llama……………………………………………..…..J. M. Usandizaga
4. La victoire de Guernica…………………..……….L. Nono

Referencias

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Con el estudio de Liebeslied nos hemos acercado al Luigi Nono más íntimo, simbolista y poeta. Un autor entregado a expresar de forma coherente y seria sus más íntimos sentimientos. Esta pequeña pieza, dejada ya atrás, es sin duda un escalafón importante en el devenir creativo del veneciano, pues aun en sus pequeñas dimensiones nos adentra en el madrigal renacentista, la poesía y el canto; universos todos ellos amados por el autor. De igual forma, la relación hombre – natura aparece muy marcada en esta pieza. Esta vinculación aparece por primera vez en la Polifonica – monodia – ritmica (1950) y es desarrollada en los Epitaffi a Federico García Lorca (1951-1953), para posteriormente ser retomada en sus obras seriales más postreras: La terra e la compagna (1957), Cori di Didone (1958) y “Ha nacido” Canciones para Silvia (1960).

Con la composición Incontri, Nono adentra al oyente en un lenguaje que se aleja de los procedimientos más impulsivos e intuitivos de su música anterior, colocando en un primer plano la organización del sonido mismo. Esta pieza instrumental de pequeña factura, si tomamos en consideración que tan sólo tiene una duración de 7 minutos, es sin duda un trabajo fundamental para comprender la música escrita por el veneciano en la segunda mitad de los años 50. Hubiera sido de gran interés analítico cerrar este trabajo con un estudio comparativo entre Incontri e Il canto sospeso, obra esta última imposible de comprender en su totalidad si previamente no se ha estudiado la pieza que nos ocupa. Pero la envergadura de la investigación alargaría en exceso las dimensiones de este proyecto y desviaría excesivamente la atención hacia la magna obra para coro, voces solistas y orquesta; una de las mejores creaciones seriales del s. XX.

De igual forma que Incontri mira hacia adelante, también hunde sus raíces en el pasado. Una muestra de ello es la organización por yuxtaposición de capas sonoras polimétricas, recurso ya aparecido en los Epitaffi que nos retrotrae a los cánones de mensura y a la polimetría del Renacimiento. Caminando por esta senda, encontramos en Incontri un tratamiento dodecafónico que une a L. Nono con el Schönberg dubitativo y especulador de las obras experimentales predodecafónicas.

El análisis que a continuación se presenta, parte desde los aspectos macroformales de la obra, para llegar progresivamente hasta el átomo mismo de la composición. Este viaje hasta el elemento más pequeño e indivisible del entramado sonoro es imprescindible si queremos entender esta obra en su totalidad. De igual forma que en el capítulo I, también aquí están presentes diversas citas del compositor, favoreciendo así la mejor comprensión de la obra y su trascendencia en el desarrollo estético y técnico del autor.  El estudio está realizado sobre la edición actual de la partitura:

Luigi Nono. Incontri für 24 Instrumente (1955)
Studien – Partitur. AVV 52. Ars Viva Verlag Mainz.
ISMN M – 2001 – 0046 – 4

Como cierre, confiarte estimado lector, mi deseo de arrojar un poco de luz sobre la obra de Luigi Nono, para que de esta forma pueda estar más presente en auditorios y conservatorios españoles.

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Referencias

• Blog de Juan José Raposo
• Luigi Nono en la Wikipedia
• Fondazione Archivio Luigi Nono
• Referencia en Sul Ponticello al estudio Epitafios lorquianos, del mismo autor

Per Helena. Sulla rossa primavera
(Para Helena. Sobre la roja primavera)
Para dos saxofonistas y electrónica

Esta obra nace gracias al encargo de los saxofonistas Damián Fernández González y Santos Forero González, amigos míos, que un buen día me pidieron una obra para las IV Jornadas andaluzas de saxofón (2009). A ellos, mil gracias por su confianza y su humanidad. La obra fue realizada en su gran parte en ese año, pero finalmente el evento sevillano quedó suspendido. A raíz de este traspiés la obra se estrena en el I Festival de Música Contemporánea de Huelva (FESTICONU 2010) a cargo de ambos instrumentistas y mi persona en la realización electrónica.

Esta obra parte de varias motivaciones extramusicales:

Por una parte, el nacimiento de mi hija, Helena. No quería que esta dedicatoria estuviese oculta en las páginas interiores de la partitura, por lo que decidí comenzar el título con ella. Por otra, el golpe de la crisis económica nacional e internacional en las familias trabajadoras, llevando a muchas personas inocentes a la pobreza. Asimismo, los 50 años del triunfo de la Revolución Cubana. Por último, la figura de Ernesto “Che” Guevara.

Musicalmente, sólo unos simples comentarios.

Los saxos (live y electronic) toman todo el material de la canción partisana Fischia il vento (sopla en viento), pero sin que ésta esté presente en ningún momento. La redacción del título en italiano no es por pedantería intelectual, sino por estar inspirado en el verso tercero de la canción: “a conquistare la rossa primavera” (a conquistar la roja primavera).

El movimiento dentro de la quietud – la quietud dentro del movimiento.

Un poema sonoro dividido en tres partes concatenadas en el espacio tiempo.

I: del silencio opresor hacia la explosión revolucionaria.
II: estallido revolucionario – ecos de la revolución.
III: la revolución elevada a un estadio filosófico.

Los saxos deben fundirse con los sonidos generados por la parte electrónica, sólo la espacialidad de las fuentes deben diferenciar los campos sonoros en acción.

Juan José Raposo Martín

Duración: 11’16″

Referencias

• Blog de Juan José Raposo

¡Sólo tu figura,
como una centella blanca,
en mi noche oscura!

En el gris del muro,
cárcel y aposento,
y en un viaje futuro
con sólo tu voz y el viento.

Otras canciones a Guiomar
Antonio Machado

INTRODUCCIÓN

Siempre que comienzo un trabajo sobre Luigi Nono me vienen a la mente y al oído distintas obras, algunas más insistentemente que otras. Cuando estoy en este proceso, siempre tengo presente que me adentro en uno de los compositores más importantes del siglo pasado, cuya música hunde sus raíces no sólo en las corrientes germánicas de la 2ª Escuela de Viena, sino también en un pasado nacional plagado de genios indiscutibles como: G. P. da Palestrina, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli, Claudio Monteverdi y los más recientes compatriotas Gian Francesco Malipiero y Luigi Dallapiccola. Del mismo modo, procuro recordar asiduamente el título de su última composición, “Hay que caminar”….soñando, toda una filosofía de vida expresada en cuatro palabras.

Con el trabajo analítico que a continuación se expone, presento la cara más íntima y personal del joven Nono. De esta manera quizás aporte una mirada distinta a la que generalmente tenemos de este creador, cuyo compromiso político con el comunismo ha recorrido la mayoría de sus creaciones musicales. El estudio llega hasta los últimos recovecos sonoros, para que el lector, de esta forma, adquiera una visión completa y profunda de estas piezas, que sin duda cautivan por distintos motivos. Soy bien consciente que este trabajo podría ser ampliado con material biográfico hasta alcanzar las dimensiones de un pequeño libro, tratando en profundidad no sólo el encuentro con la hija de Arnold Schönberg, sino entrando de lleno en la influencia del genio austriaco sobre Luigi Nono. Pero este punto de tan singular interés musicológico no es el fin de mi trabajo. Personalmente sólo busco el estudio de las composiciones que Nono dedica a Nuria Schönberg en los años 1954 y 1955, motivadas por el encuentro y enlace de la pareja. Esta cara más personal e íntima del autor de Il Canto sospeso no es tan conocida por el gran público, de ahí su interés. El análisis está acompañado de distintas citas del compositor, para colocar de esta forma la propia voz del maestro. Estos escritos están presentados en su lengua original, en consecuencia el lector conocedor de tales idiomas podrá traducir libremente. A su vez en el apartado de Notas están expuestas las traducciones al castellano de tales textos. Soy responsable de tal empresa y en este cometido he intentado ser preciso y claro.

Debido a las dimensiones del trabajo analítico, he decidido dividir el escrito en dos partes, una por cada obra en estudio. Con ello sólo pretendo que el lector pueda fijar la mirada y la escucha en cada una de las obras. No son piezas que formen un bloque unitario o díptico sonoro. Cada creación posee su propia personalidad e individualidad, por lo que esta consciente división en la exposición analítica no merma en absoluto la coherencia del estudio realizado. Por todo lo expuesto, esta primera parte se centra en la obra Liebeslied y el análisis está realizado sobre la edición final de la partitura, actualmente editada con las siguientes indicaciones:

Luigi Nono
Liebeslied für gemischten Chor und Instrumente
(Harfe, Glockenspiel, Vibraphon, Pauken, 5 Becken)
Studien-Partitur AVV 60
ISMN M – 2001 – 0052 – 5. Ars Viva Verlag, Mainz

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